Grand habitué des sélections Labo du Festival de Clermont-Ferrand, Olivier Smolders présente cette année en compétition internationale « La Légende Dorée », un nouveau projet qui adopte la forme du portrait documentaire pour mieux explorer la psyché d‘un patient d’institut psychiatrique à travers un livre de collages d’images, dont il est l’auteur et qui se trouve rempli d’histoires violentes et de personnages décadents. Un film captivant qui réfléchit sur le mensonge inhérent derrière chaque histoire et notamment celle qui souhaite devenir une doctrine.
Philippe Grand’Henry, patient interné dans une institution psychiatrique, nourrit une obsession pour les personnages historiques déviants. Dans une longue “litanie” face caméra, il raconte la vie d’assassins irresponsables, de monstres de foire et autres musiciens damnés, à travers un livre de collage d’images de sa conception. Suivant le cheminement sinueux de sa pensée, qui se déploie par associations d’idées et ressenti personnel, « La Légende Dorée » met à nu la psyché de cet homme et entreprend une réflexion sur le pouvoir infini et pernicieux de l’Histoire et des mots.
« La Légende Dorée » se réfère à un livre du XIIIème siècle, portant le même nom et écrit par Jacques de Voragine, qui raconte la vie d’une centaine de saints et martyrs chrétiens. Il est considéré comme un ouvrage de référence sur la mythologie chrétienne, et plusieurs prédicateurs s’en sont servis pour légitimer leurs sermons en faisant de ces saints des modèles de vie à suivre.
Le parallélisme sémantique obtenu entre les deux titres permet à Olivier Smolders d’entamer une réflexion autour de la puissance des mots comme vecteurs illusoires de vérité. Par exemple, Philippe Grand’Henry raconte tour à tour être le fils d’un pétomane et d’un cannibale, il mélange véracité historique et affabulation personnelle, et se crée une sorte de mythologie imaginaire, foncièrement intime. Sa collection d’images et d’histoires de “saints et martyrs extravagants” ne se présente pas comme vraie, mais elle définit sa personnalité et son essence, lui qui “n’est pas fou, mais qui a juste des problèmes de mémoire”. C’est en quelque sorte “sa” vérité et ce qui lui permet d’affronter la tristesse, la désorientation et la solitude inhérentes à toute existence.
Succession d’images fascinantes au fil de collages savants et minutieux, histoires ensorcelantes narrant les actions barbares du Dr Holmes, de la comtesse Bathory ou encore du compositeur italien Carlo Gesualdo, « La Légende Dorée » se révèle virtuose en fin de métrage avec une séquence finale qui juxtapose en surimpression certains personnages clés avec Philippe lui-même. Au cours de cette séquence, le conteur et les contés ne font plus qu’un tout qui s’en prend avec véhémence à toute forme de vérité avérée, et notamment à celle de Dieu. Asséné comme une véritable profession de foi, ce discours final met en garde contre l’utilisation néfaste des histoires, qui “ne devraient pas servir à autre chose qu’à rêver… qu’à faire souffrir sans faire le mal…”, et se conclut sur une note plus mélancolique où l’on découvre un homme fragilisé, non pas fou, mais complètement perdu.
« La Légende Dorée » est une oeuvre riche qui questionne sur la vérité derrière tout homme. Cette vérité, n’est-elle pas qu’un assemblage disparate d’histoires contradictoires ? Ne devrait-elle pas se cantonner à ne définir qu’un seul être et ne pas essayer de s’imposer avec violence aux autres ?
Synopsis : Collectionneur de musiciens maudits, d’assassins déraisonnables, de monstres de foire, de révolutionnaires paranoïaques, de pétomanes ou d’anachorètes suicidaires, un patient en institution psychiatrique présente une galerie de personnages historiques qui le hantent.
Genre : Expérimental
Durée : 25’
Pays : Belgique
Année : 2015
Réalisation : Olivier Smolders
Scénario : Olivier Smolders
Directeur de la photographie : Jean-François Spricigo
Collages : Quentin Smolders
Montage : Olivier Smolders
Son : Marc Bastien
Interprétation : Philippe Grand’Henry
Production : Les Films du Scarabée, YUZU Productions
Le cinéma indien évoque dans un premier temps des images plutôt invraisemblables débordant de kitsch et le « mélodrame sur le mode de l’excès » comme dirait Peter Brooks. Le terme Bollywood suggère également une industrie faramineuse, la plus grosse production cinématographique du monde, exportée autant que son équivalent américain. Cependant, un certain cinéma indien a toujours évolué en marge du courant principal. Hors des sentiers battus et loin des formules populaires ou dogmatiques, celui-ci explore des narrations audacieuses et innovantes pour traduire les complexités d’une culture insaisissable, plurielle et hautement postmoderne.
Ce genre, qu’on nommera « expérimental », « parallèle » ou encore « d’art », connaît peu de diffusion en salle, relégué à de brefs circuits festivaliers, le plus souvent en dehors de l’Inde. La maison d’édition parisienne Lowave a consacré en 2009 un DVD à ce cinéma riche et méconnu regroupant sept courts métrages qui reflète l’Inde d’aujourd’hui.
Au rythme d’une berceuse hypnotique, « Endnote – Antaral » d’Ashish Avikunthak réinterprète la pièce absurde « Come & Go » de Samuel Beckett, en la transposant dans une Calcutta intemporelle et indéfinie. De la « dramaticule » originale, Avikunthak fabrique une sorte de « filmicule » en noir et blanc. Trois femmes, trois amies, Aditi, Ashwini and Kuheli, font écho aux protagonistes théâtrales Ru, Vi et Flo, elles-mêmes rappelant fort les Sœurs Fatales de « Macbeth ». Le récit se déroule autour d’une narration cyclique, ou les répliques superficielles et minimalistes se partagent entre l’un et l’autre personnage, les gestes se répètent de manière ritualiste, les jeux spontanés de l’enfance cèdent la place à une interprétation maniérée. L’artifice de la démarche est manifeste et pleinement assumé, la distanciation brechtienne poussée à son sommet. La mise en scène et l’image, quant à elles, favorisent un grand onirisme et une nostalgie.
Avec « Bengali Tourist », Sarnath Banerjee, auteur de bande dessinée renommé, livre sa première animation, basée sur les récits de l’explorateur algérien Ibn Battuta, qui a beaucoup voyagé en Asie au 14ème siècle. Banerjee transpose le texte historique à Calcutta de nos jours, et le protagoniste Battuta est incarné en miroir par Digital Dutt, un personnage récurrent dans l’œuvre du dessinateur. L’histoire côtoie l’Histoire dans un amalgame de médiums ludiques et allègres, mêlant images en live action et dessins 2D. Une réflexion pleine d’humour noir sur le phénomène de tourisme de « consommation ».
L’artiste mondialement connue Pushpamala N est connue pour ses œuvres provocatrices, titillant les sensibilités et détournant les points de vue établis sur la question d’identité postcoloniale. Le titre de son court métrage « Rashtriy Kheer & Desiy Salad », qui pourrait se traduire comme « Dessert national et salade domestique » est bien évocateur en lui-même, et donne une synthèse parfaite des contrastes et contradictions de l’Inde d’aujourd’hui, notamment par l’hybridité « Occident/Orient » dans le mélange de plats, caractéristique de la culture urbaine.
Le récit pour ainsi dire prend la forme d’un portrait de famille, la famille idéale selon les standards indiens : père à l’armée, mère aux fourneaux et enceinte (la maternité est considérée comme un état sacré dans la société indienne), et fils coquin à souhait. Sauf que le travail de Pushpamala, loin de se conformer aux stéréotypes quelconques de genre ou d’identité, ne cesse de questionner ceux-ci.
Dans un cadre minimal (une caméra fixe qui ne joue qu’avec les grosseurs de plans), les trois personnages font tour à tour, sur un tableau noir, l’inventaire des choses qui leur tiennent à cœur (ou qui leur pèsent, dans le cas du fils) : les stratégies militaires, les recettes et techniques de préservation culinaire, le devoir scolaire,… Cet élément didactique renforce la dimension ludique de la farce pseudo-nationaliste.
En même temps, la distanciation est totale. L’image file deux fois trop vite. La bande son hyperbolique (elle aussi, trop rapide) juxtapose l’hymne national décliné en plusieurs versions (y compris celle de son compositeur, l’illustre poète Rabindranath Tagore) avec la célèbre ouverture à Orphée de Monteverdi. Les acteurs s’adressent au public imaginé (le spectateur), interrompent et reprennent leurs activités de manière aléatoire.
La réalisatrice joue avec audace entre le rendu vidéo délibérément amateur et une esthétique 35mm délibérément ratée, avec de nombreuses références aux codes visuels du cinéma muet. L’action en elle-même se situe dans les années 50. Nous sommes en pleine explosion technologique, dans une nation qui renaît à peine, après presque 200 ans de colonisation britannique. S’ajoutent au mélange d’innombrables références culturelles, politiques et historiques indiennes : du redoutable plat vindaloo à Warren Hastings en passant par les luttes entre démocrates et communistes. Le résultat est un court loufoque et chaotique, plein d’humour et d’autoréférentialité.
« Straight 8 » est un film traitant autant de l’histoire du pays que de celle du cinéma. La réalisatrice Ayisha Abraham retrace le parcours de Tom d’Aguiar, un fonctionnaire anglo-indien ayant fait carrière dans les télécommunications. Il raconte ses expériences personnelles et professionnelles à travers les décennies cruciales d’une Inde en plein bouleversement. Nous découvrons ainsi le portrait franc et émouvant de la vie indienne au moment de l’Indépendance, une époque encore épargnée des ravages du socialisme nehruvien. Par ailleurs, le regard posé par l’Anglo-indien se situe à une frontière fragile entre occupant et colonisé, appartenant à deux mondes sans vraiment pouvoir intégrer ni l’un ni l’autre.
La démarche du film est particulière, ni fiction ni documentaire, il s’agit d’une exploration de la mémoire, sur un plan tant historique que cinématographique. Car le témoignage de Tom d’Agiuar, précis et techniquement détaillé, nous donne aussi un aperçu unique et précieux du cinéma amateur en Inde dans les années 40, qui plus est, dans le contexte très spécifique de Bangalore. Cette ville méridionale importante, surnommée Silcone Valley, incarne en quelque sorte parfaitement la dualité tradition/modernisme qui caractérise l’Inde.
Sorte de home movies avant la lettre, les fragments et extraits en pellicule 8mm filmés par Tom et ses amis présentent leur propre logique narrative et témoignent de la volonté de filmer, de capturer ou d’immortaliser le monde, alors que cette technologie venait juste de voir le jour.
L’appellation réductrice « expérimental » regroupe donc une énorme diversité de films qui ne tombent pas facilement dans les catégories de narration classique. À la lisière des genres, ces œuvres singulières et poétiques se présentent comme de savoureux moments qui divertissent, émeuvent, instruisent. N’est-ce pas finalement là que se trouve le vrai rôle du septième art ?
« Chaud Lapin », film d’animation de cinq élèves de Supinfocom (Arles), évoque en quelques minutes une histoire vieille comme le monde : celle de la femme délaissée et humiliée qui décide de re-prendre sa vie en mains.
Il était une fois une femme serpent qui partageait la vie d’un homme sanglier un peu rustre. Monsieur est préoccupé par sa maquette de bateau et ne supporte ni le moindre coup de vent ni la moindre interruption conjugale. Heureusement, madame a un amant bienveillant, incarné ici par un lapin fougueux. Le couple adultérin semble bien décider à profiter de cet amour interdit et à ne pas se laisser gâcher la vie par ce mari bien encombrant. La suite et fin ? Un savant mélange d’humour noir et de dérision qu’il serait dommage de dévoiler.
C’est dans le cadre d’une pièce assez froide que se déroule la majorité de l’action : en installant cuisine et salle à manger dans le même espace, les réalisateurs de ce court métrage s’offrent la possibilité de multiplier les points de vue tout en laissant l’action se dérouler. D’un côté attablé (ce qui est assez ironique compte tenu de l’évolution du scénario), le mari sanglier n’a d’yeux que pour sa maquette de bateau ; dans un accoutrement bien domestique qui plus est, à savoir charentaises et gilet d’un autre temps. De l’autre côté, l’épouse serpent prépare le dîner en compagnie de son amant lapin, et tous deux profitent de la moindre absence du mari pour littéralement se sauter dessus.
Le scénario, somme toute assez simple, offre cependant un dénouement habile et plutôt caustique, le tout sans un seul échange de parole mais avec une bande son efficace et percutante de précision. La principale qualité de ce court métrage cependant est sans nul doute son esthétique. Les détails du bateau en maquette, le grain des vêtements et des peaux des animaux, ainsi que les arrière-plans et les décors sont assez bluffants à la fois lisses et texturés.
Sélectionné dans plusieurs festivals (Angers, Poitiers et Clermont entre autres), « Chaud Lapin » offre à ses jeunes réalisateurs un avenir prometteur. Un bon début pour un film de fin d’études.
Cinquième court-métrage du peintre et réalisateur polonais Tomasz Siwiński, Une chambre bleue est une fiction animée de 14 minutes, révélée l’an passé à la Semaine de la Critique (Cannes). Depuis, le court-métrage a été sélectionné au sein de nombreux festivals internationaux et concourt en ce moment même au Festival du court-métrage de Clermont-Ferrand.
Diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Cracovie (Pologne) où il a réalisé ses films précédents TV-Set (2005), Crow, The man with a hole (2006), et Little black square (2007), Tomasz Siwiński a également parfait sa technique au Studio du film d’animation de Jerzy Kucia.
Une chambre bleue est l’histoire d’Adam, un chef d’orchestre quadragénaire plongé dans le coma suite à un accident de voiture. Partiellement mort, le protagoniste se retrouve littéralement emmuré dans une boîte à six faces, la chambre bleue, sans issues possibles. Si la pièce vide illustre de façon métaphorique l’aspect rigide et végétatif du corps, une fenêtre et une manivelle disposées sur l’un des murs, matérialisent davantage son esprit et son émancipation. Condamné à l’isolement, Adam assiste au défilement de scènes kaléidoscopiques et chimériques liées, de près ou de loin, à sa propre existence.
Du monde des vivants Adam ne perçoit que la voix de son épouse qui le guide, le rappelle à la vie, lui fait passer des messages, des sentiments comme une enveloppe stimulante et rassurante lui permettant de se replacer dans le temps, d’obtenir des repères, de maintenir son identité. Cependant, ces rappels mnésiques causent des dommages collatéraux inattendus. En proie à la confusion, Adam développe, malgré lui, des délires anxiogènes où le chaos et la dévastation de l’environnement règnent en maîtres.
Tomasz Siwiński montre ici toute sa virtuosité a enchâsser les espaces et les temporalités narratives. Brillamment soutenu par le lyrisme d’un orchestre symphonique où violons et hautbois dominent, le film suscite dès son commencement une vive tension et invite le spectateur à une réflexion très personnelle sur la vie, la mort, la liberté physique et psychique. Une chambre bleue suggère une esthétique oscillant entre les films d’animation des années soixante-dix tels que La Planète Sauvage (René Laloux, 1973) et les orientations picturales du courant de l’avant-garde russe.
Synopsis : Un homme se réveille dans une chambre bleue. Il est coincé et ne peut s’échapper. Une fenêtre est son seul lien avec le monde extérieur. Il filtre la réalité d’une manière très mystérieuse…
Genre : Animation
Durée : 14′
Pays : Pologne, France
Réalisation, scénario, montage : Tomasz Siwiński
Animation : Andrzej Piotr Morawski, Paweł Garbacz, Tomasz Siwinski
En octobre 2014, Format Court se rendait pour la première fois à Montréal pour couvrir le Festival du Nouveau Cinéma (FNC) et y attribuer un Prix Format Court au sein du focus Québec. À l’occasion de notre nouvelle Soirée Format Court, le jeudi 12 février 2015 à 20h30, nous consacrons une séance spéciale à ce festival incontournable en matière de nouvelles images.
Dans le cadre de cette séance, nous projetons 5 courts-métrages atypiques, surprenants, sensibles et ambitieux, sélectionnés à la dernière édition du FNC, en présence du sélectionneur Daniel Karolewicz et de deux équipes. Cette séance est accompagnée d’une exposition de dessins et croquis préparatoires liés à un des films programmés, « Une chambre bleue » de Tomasz Siwiński.
Programmation
Hillbrow de Nicolas Boone. Documentaire, fiction, 33’, France, 2014, Tournage 3000. Meilleur court métrage de la compétition internationale au FNC 2014, en compétition au Festival de Clermont-Ferrand 2015.En présence du réalisateur
Synopsis : Hillbrow, l’ancien pôle culturel branché de Johannesbourg, est devenu un quartier (populaire) hyper dense, assez violent. À partir de récits collectés sur place, le film propose une traversée géographique guidée par des personnages fictifs qu’incarnent des habitants du quartier. En dix parcours, Hillbrow dessine un labyrinthe de tensions urbaines.
La Grange de Caroline Mailloux. Fiction, 18’50, Canada, 2013, Les Films Camera Oscura. En sélection au Festival international du film de Toronto (TIFF) 2014
Synopsis : Août, dans une région perdue : les autorités recherchent Luc, un enfant de huit ans porté disparu. À l’ombre de la vieille grange familiale, son ami Kevin se replie dans son monde imaginaire. Ce qu’il révèle à sa mère, Jacinthe, bouleversera à tout jamais leur existence.
Une chambre bleue de Tomasz Siwiński. Animation, 14’, France, Pologne, 2014, Sacrebleu Productions. Sélectionné à la Semaine de la Critique 2014, Prix France Télévisions du court métrage 2015.En présence de l’équipe
Synopsis : Un homme se réveille dans une chambre bleue. Il est coincé à l’intérieur et ne peut s’en échapper. Une fenêtre est son unique lien avec l’extérieur. La réalité qu’il perçoit lui apparaît d’une bien mystérieuse manière.
Cutaway de Kazik Radwanski. Fiction, expérimental, 7’, 2013, Canada, MDDF. Sélectionné au Festival de Locarno 2014 et de Clermont-Ferrand 2015
Synopsis : Un moment dans la vie d’un jeune homme solitaire qui travaille comme ouvrier, entretient des relations avec des femmes, et passe au travers d’un événement qui change sa vie. Au plus près des mains et des objets qu’il manipule, ce film dépeint intimement l’incertitude et la perte.
The Weatherman and the Shadowboxer de Randall Lloyd Okita. Animation, 10’, Canada, 2014, Office National du Film du Canada. Prix Format Court au FNC 2014
Synopsis : L’histoire envoûtante de deux frères profondément marqués par un événement dont ils se souviennent différemment. Le plasticien et cinéaste Randall Lloyd Okita compose ici une ode élégiaque à la survie.
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg (sortie rue de l’Abbé de l’Épée), Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton (mais apprêtez-vous à marcher un peu…)
Nous vous l’annoncions il y a quelques jours : « Les Jours d’avant » de Karim Moussaoui, Prix Format Court au Festival International du Film Francophone de Namur (FIFF) 2013, sort en salles ce mercredi 4 février, en France. À l’occasion de cette sortie (dont Format Court est partenaire), nous avons 10 invitations (valables pour 2 personnes) à vous offrir, grâce au distributeur Damned Films.
Si vous souhaitez découvrir ou faire partager ce très beau film, en lice pour le dernier tour des César, envoyez-nous un petit mail dès aujourd’hui.
Le film sort dans les salles suivantes :
– Le Reflet Medicis : 3 rue Champollion – 75005 Paris
– Les Sept Parnassiens : 98, bd du Montparnasse – 75014 Paris
– Les Cinq Caumartin : 101, rue Saint-Lazare – 75009 Paris
Format Court, partenaire du Festival d’Angers, vous invite à découvrir le palmarès des courts métrages français et européens, ce mardi 3/2 au Forum des images, à partir de 19h (durée du programme : 89’). Si vous souhaitez assister à cette séance, contactez-nous. Nous avons 10 places à vous offrir !
Wind de Robert Löbel (Allemagne) : Grand prix du jury plans animés
Wind est un film d’animation qui montre la vie quotidienne d‘une population vivant dans un pays très venteux. Néanmoins, ces habitants ont bien appris à faire face à ces conditions de vie hostiles. Le vent crée un système de vie naturel.
Think big de Mathieu Z’graggen (France) : Grand prix du jury courts métrages français
Michel est technicien de surface dans un club de vacances pour chats. Excédé par la monotonie de sa vie de jeune adulte, il décide de fuguer. Seul au bord de la route, il va devoir accepter l’aide de Mike.
The Bigger Picture de Daisy Jacobs (Royaume-Uni) : Grand prix du jury films d’écoles européens
« Tu veux la mettre dans une maison de retraite ? alors, dis-le-lui ! » siffle l’un des deux frères à l’autre. Mais comme leur mère n’entend pas partir, leurs vies se désagrègent à mesure qu’elle s’accroche à la sienne. Des personnages animés grandeur nature racontent avec un humour noir la triste histoire de l’accompagnement d’un parent âgé.
Yes we love de Hallva Witzø (Norvège) : Prix du public courts métrages européens
Quatre générations, chacune en crise, aux quatre coins de la Norvège le jour de la fête nationale.
Dans la joie et la bonne humeur de Jeanne Boukraa (Belgique) : Grand prix du jury plans animés
Dans la joie et la bonne humeur est un documentaire expérimental où nous observons, à travers des scènes du quotidien, les dégénérescences d’une société où la technologie grandissante a permis de réaliser le rêve ultime de tous les hommes : l’immortalité.
Onno The Oblivious de Viktor van der Valk (Pays-Bas) : Prix des étudiants d’Angers films d’écoles européens
Onno est dans une impasse. Il est perdu. beaucoup de questions, et si peu de réponses. en plus, il y a ce sentiment étrange. Ce sentiment qu’il connait, mais qu’il ne comprend pas. Ce sentiment qu’il a déjà ressenti, qui ne date donc pas d’hier. mais où ? Où cela avait-il débuté ? Laissez-moi vous raconter l’histoire d’Onno l’insouciant, victime de ce sentiment étrange.
Le festival de Clermont-Ferrand s’est ouvert ce vendredi 30 janvier 2015. Pour cette nouvelle édition, le festival propose ses traditionnelles sélections de courts en compétition (nationale, labo, internationale), organise des programmes autour de la Chine et du vélo, offre une carte blanche à Envie de Tempête Productions et s’intéresse de près à la Nederlandse Filmacademie.
Retrouvez nos nouveaux articles dans ce focus alimenté au jour le jour :
« Maniac », comédie de Bo Mirosseni sélectionnée en compétition nationale au Festival International de Clermont-Ferrand 2015, rompt avec l’idée que certains se font des vacances hors périodes touristiques.
Le personnage de « Maniac », lui, a eu la chance de réserver ses congés, pendant une période calme où il ne serait pas ennuyé par la foule, dans un grand hôtel de la côte espagnole avec des amis.
S’apprêtant à passer de bonnes vacances, il est d’humeur détendue. En arrivant, il décide de ne pas prêter attention aux questions déplacées du réceptionniste et de se rendre directement dans sa chambre pour téléphoner à ses amis afin de leur vanter les mérites de l’hôtel.
Mais, après que ses amis lui annoncent l’annulation de leur venue, le vacancier se rend bien vite compte que partir en dehors des périodes touristiques peut aussi vouloir dire se retrouver le seul et unique client d’un hôtel.
Sans aucun doute, un grand hôtel vidé de ses clients a tout de cauchemardesque et l’extrême solitude que cette situation provoque peut inspirer les cinéastes. On pense bien sûr au chef d’œuvre du film d’horreur de Stanley Kubrick, « Shining ». Le court-métrage de Bo Mirosseni ne joue pas sur le même registre mais part du même constat : la solitude rend fou.
L’ennui qui envahit peu à peu le personnage lui fait perdre la raison. Ne sachant plus comment tromper son ennui de façon civilisée, il agit contre toute bienséance. Sa sensation d’emprisonnement est renforcée par une alternance de plans larges, le montrant seul dans des grands espaces clos et de plans rapprochés centrés sur lui, avec une caméra qui se déplace en même temps que lui, ne le laissant pas s’échapper du cadre. La froideur du lieu est appuyée par des couleurs pastel peu éclatantes, aux contrastes faiblement accentués.
Mais l’angoisse que ce personnage ressent, qui ne la ressentirait pas ? Qui ne se sentirait pas claustrophobe dans cette situation ? Le spectateur aussi voudrait réclamer sa liberté avec lui et s’enfuir de cet endroit en courant. Alors pour se détacher de cette identification évidente, il préfère en rire. Il se protège en riant des crises de folie, en riant de l’impassibilité des employés de l’hôtel, en riant encore de ce qu’on pourrait appeler l’ironie du sort quand le personnage se retrouve devant les grilles fermées du parc « Mundo Mar », seule attraction des environs. Mais ce rire est aussi celui de la compassion face à un personnage plus qu’attendrissant.
Avec ce deuxième court métrage (après « Time Travel Lover »), Bo Mirosseni affirme son goût pour la comédie qui joue avec le registre de la folie et donnerait presque envie de partir dans un grand hôtel avec piscine sur la côte espagnole en plein mois d’août pour être sur de ne pas se retrouver seul.
Ce matin, s’est tenue la traditionnelle conférence de presse des César annonçant les nominations pour les prochains César. Du côté des courts, les membres de l’Académie ont distingué dix films courts ayant leurs chances à la 40ème cérémonie des César, le 20 février prochain.
– Bang Bang !, réalisé par Julien Bisaro
– La Bûche de Noël, réalisé par Stéphane Aubier & Vincent Patar
– La Petite Casserole d’Anatole, réalisé par Eric Montchaud
– Les Petits Cailloux, réalisé par Chloé Mazlo
En octobre 2013, Format Court avait repéré et primé l’un des plus beaux courts vus dans sa petite histoire (6 ans), « Les Jours d’avant » de Karim Moussaoui. Au Festival International du Film Francophone de Namur (FIFF), notre jury (Katia Bayer, Marie Bergeret, Juliette Borel, Adi Chesson et Géraldine Pioud) avait attribué le Prix Format Court du Meilleur Court Métrage international à ce très beau film franco-algérien pour la maîtrise de sa mise en scène, sa narration à double regard et sa façon très personnelle de filmer l’adolescence.
Ce moyen métrage de 47 minutes a fait ses débuts au Festival de Locarno. Par la suite, il s’est retrouvé à Namur (où il a obtenu le Prix du Jury ainsi que notre Prix), à Angers (Grand Prix du Jury, Prix de la Meilleure Actrice), à Clermont-Ferrand (Mention spéciale), à Brive et dans quelques autres festivals peu timorés à l’idée de sélectionner de vraies histoires et de vraies durées.
Dernièrement, le film a glané le Lutin du Meilleur Film 2014 et a réussi à se positionner parmi les 12 courts préselectionnés aux César (où il est bien difficile pour les films différents et longs de se faire une petite place). Et depuis ce matin, le film fait partie des 6 films retenus au deuxième tour, après l’annonce des Nominations pour les César 2015.
En attendant, le film continue son beau parcours. « Les Jours d’avant » sort en salles, en France, le 4 février prochain grâce au distributeur Damned Films. Format Court, partenaire de cette sortie, la soutient avec intérêt et enthousiasme.
Après avoir programmé le film il y a un an, le 12 décembre 2013, dans le cadre de nos soirées mensuelles aux Ursulines (en présence de l’équipe) et consacré un focus en ligne à son auteur, nous vous invitons à (re)découvrir l’un de nos Prix Format Court sur grand écran et à en parler autour de vous. Le film vaut réellement la peine d’être vu, aimé et partagé.
Organisé depuis une dizaine d’années par la Société des réalisateurs de films (SRF) pour favoriser les liens entre les réalisateurs et les différents acteurs de la filière court métrage, le Bar des réalisateurs est un lieu incontournable pendant le festival de Clermont-Ferrand pour tous ceux qui souhaitent rencontrer des professionnels dans une ambiance conviviale.
Cette année, le Bar des réalisateurs se tiendra, pendant 4 soirs, du mardi 3 au vendredi 6 février 2015, de 18h à 20h, à l’Hôtel Océania (en face de la Maison de la Culture).
Cette année, la SRF invite Format Court et le GREC (le Groupe de Recherches et d’Essais Cinématographiques), deux acteurs du court métrage, à venir présenter leurs actions respectives pendant le Bar, les mardi 3 et vendredi 6 février.
Vous êtes présents à Clermont-Ferrand le mardi 3 février ? C’est l’occasion de venir nous rencontrer, de découvrir notre travail sur le web, en salle et en festival et d’ouvrir le Bar des Réalisateurs avec nous !
Depuis deux ans, Format Court attribue un Prix au festival d’Angers dans la catégorie « Plans animés européens ». Le prix consiste en un focus en ligne sur Format Court, une projection du film primé dans le cadre des séances mensuelles Format Court, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème) et d’un DCP doté par le laboratoire numérique Média Solution.
Cette année, le Jury Format Court (composé de Amaury Augé, Katia Bayer, Géraldine Pioud et Nicolas Thys) a choisi de récompenser, parmi les 20 films d’animation européens sélectionnés, « Kijé » de Joanna Lorho, un premier film extrêmement maîtrisé, tout en nuances de noir et de gris, peuplé d’âmes errantes, de fantômes et de créatures hybrides. Un film étrange, un trait parfois proche de l’esquisse, un monde nocturne angoissant et paradoxalement empreint d’une grande douceur, un stylé épuré et personnel. Notre coup de coeur de cette édition 2015.
Synopsis : Au crépuscule, alors que la ville se fige et sombre dans le silence, un homme se retrouve malgré lui pris dans une célébration étrange. Il passe la nuit au cœur d’une foule faite de personnages aussi curieux qu’énigmatiques, qui disparaîtront avant l’aurore.
Le 27ème Festival d’Angers s’est achevé ce weekend. Voici les courts primés par les différents jurys, toutes catégories confondues (films européens, français, plans animés et films d’écoles européens).
Palmarès
Courts métrages européens
Grand Prix du Jury : Milky Brother de Vahram Mkhitaryan (Pologne, Arménie)
Prix du Public : Yes we love de Hallvar Witzø (Norvège)
Courts métrages français
Grand Prix du Jury : Think big de Mathieu Z’Graggen (France)
Prix d’interprétation féminine : Oulaya Amamra dans Belle gueule de Emma Benestan (France)
Prix d’interprétation masculine : Ghali Rtal Bennani dans « Moul Lkelb » de Kamal Lazraq (France)
Plans animés
Grand Prix du Jury : ex aequo Wind de Robert Löbel (Allemagne)
et Dans la joie et la bonne humeur de Jeanne Boukraa (Belgique)
Prix Arte : Port Nasty de Rob Zywietz (Royaume-Uni)
Prix Format Court : Kijé de Joanna Lorho (Belgique)
Films d’écoles européens
Grand Prix du Jury : The Bigger Picture de Daisy Jacobs (Royaume-Uni)
Prix du Public : Even cowboys get to cry de Mees Peijnenburg (Pays-Bas)
Prix des étudiants d’Angers : Onno the oblivious de Viktor Van der Valk (Pays-Bas)
Prix de la création musicale courts métrages et films d’école : Luc Meilland et Alessandro Altavilla pour « Stella Maris » de Giacomo Abbruzzese (France-Italie)
Prix du public à un scénario de court-métrage, lectures de scénario : « L’Ile jaune » de Léa Mysius et Paul Guilhaume
Pour son édition 2015, Panic! Reverse, Le Cinéma à l’Envers fait appel aux graphistes et vidéastes pour un nouveau concours/festival.
Le principe : il s’agit dans un premier temps pour des graphistes et illustrateurs de faire preuve d’imagination en confectionnant une affiche d’un film qui n’existe pas, du moins pas encore…
Dans un deuxième temps, le concours fait appel aux réalisateurs qui devront extrapoler sur cette simple affiche pour proposer un film court ou une fausse bande-annonce.
Pour cette 4ème édition du festival, les participants ont jusqu’au 15 février 2015 pour envoyer leur(s) affiche(s) à info@panicreverse.com.
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