Composée de 20 premiers courts d’animation européens, la programmation des Plans Animés 2015 a brillé par son éclectisme rappelant que l’animation fait souvent preuve de plus de liberté et d’expérimentation que la fiction. Si le Jury Format Court a unanimement salué la poésie et la maîtrise de « Kijé » de la Française Joanna Lorho en lui consacrant un Prix Format Court (nous y reviendrons prochainement dans un focus spécial sur le site), d’autres courts de cette sélection valaient également le coup d’œil.
À commencer par « Entre chiens et loups » de Reza Amirriahi réalisateur iranien étudiant à La Poudrière, célèbre école de cinéma d’animation située à Valence par où sont passés notamment Paul Cabon (« Tempête sur Anorak ») et Benjamin Renner (« La Queue de la souris », « Ernest et Célestine ») pour ne citer qu’eux. Peinture animée dans un camaïeu de bruns « Entre chiens et loups », film de fin d’études, est le portrait de Sohab, jeune homme vivant à Téhéran qui, effectuant son service militaire, est contraint de réprimer violemment des manifestants. Extrêmement court, le film est sombre, faisant même appel aux figures picturales de Munch lorsque le cinéaste met en scène des manifestants aux visages déformés par leurs cris. Évidemment politique, le film critique un régime militaire et totalitaire dans une veine très différente de « Persepolis » de Marjane Satrapi. On suivra avec attention le parcours de cet auteur doté d’une belle maitrise.
On a également été marqué par « Port Nasty » de Rob Zywietz et « Oripeaux » de Sonia Gerbeaud et Mathias de Panafieu, deux films où il est notamment question de chasse, à la baleine pour l’un et aux coyotes pour l’autre. Si l’héroïne d’ « Oripeaux » évoque inévitablement la figure japonaise de Princesse Mononoké avec sa peau de bête sur le dos et son caractère guerrier quand elle défend une meute de coyotes contre des hommes qui cherchent à les abattre, le héros de « Port Nasty » (Prix Arte à Angers) est quant à lui plus clairement une victime, tentant maladroitement de se faire accepter par une bande de pêcheurs bourrus qui l’initie à la pêche à la baleine, dans une ambiance de fin du monde. Si l’une sauve ses protégés à quatre pattes, l’autre devra tuer pour ne pas être encore plus ostracisé.
Si les animaux restent une valeur sûre en animation (on passera sur « Chaud lapin » et « Imposteur » qui tout deux, mettent en scène des créatures animales hybrides à la manière des créatifs de chez Orangina, concept toujours un peu malaisant comme on dit au Québec), d’autres réalisateurs prennent le parti d’un univers plus proche de l’abstraction, ce qui est le cas de « Hunger » de Petra Zlonoga qui part du végétal (la graine) pour en venir à l’animal (l’œuf) et enfin à l’humain (la rencontre). Joli film avec un travail réussi sur le son, « Hunger » offre quelques moments de poésie bien pensés et loin de toute facilité.
On notera tout de même que peu après la clôture de la 27e édition du Festival d’Angers, nous apprenions la disparition du Festival de Vendôme qui venait en décembre dernier de fêter sa 24e année, un autre festival cher à la rédaction de Format Court et dont nous étions également partenaires.
Vendôme, tout comme Angers, a toujours privilégié la découverte de nouveaux auteurs et plus particulièrement à travers des programmes de courts. Si le succès chaque année plus important du Festival de Clermont-Ferrand vient rappeler l’importance de ce format, la suppression d’un festival reconnu et respecté comme Vendôme est clairement un mauvais signal pour la suite. Quel avenir pour Pantin, Brive, Belfort, Brest et les autres ? Les festivals, premiers lieux de diffusion du court métrage seront-ils sacrifiés par mesure d’économie et de rentabilité ? Restons vigilants, sur la durée.
Chaque année, la Procirep récompense une société de production de courts-métrages lors du Festival de Clermont-Ferrand, ce qui met en lumière un producteur, sa carrière et ses productions passées et à venir. En 2014, Envie de tempête Productions et son créateur-directeur Frédéric Dubreuil se sont vus remettre ce prix. Le producteur a bénéficié d’une dotation de 5.000€ à utiliser sur une prochaine production de court-métrage et d’une carte blanche lors de la dernière édition du Festival de Clermont-Ferrand.
Nous avons rencontré Frédéric Dubreuil dans ses bureaux du 20e arrondissement à Paris pour une discussion passionnée sur le métier de producteur tel qu’il le conçoit et sur le cinéma en général. Alors que le court-métrage Inupiluk est nommé aux prochains César et qu’il prépare deux tournages de longs-métrages, le producteur n’oublie en aucun cas ce qui l’a motivé à ses débuts, c’est-à-dire un cinéma engagé politiquement et artistiquement avec une nécessité de continuer à des films.
Format Court : Peux-tu nous parler de ce qui t’a amené à faire du cinéma ?
Frédéric Dubreuil : Très jeune déjà, je faisais des petits films en super 8. Je devais avoir 6 ou 7 ans et je m’amusais à faire des petits films d’animation avec la caméra de mes parents. Depuis le début, sans que je puisse expliquer pourquoi, j’avais ce désir de faire du cinéma et plus particulièrement de la réalisation. J’ai donc orienté toute mon adolescence dans ce sens-là. J’ai commencé à faire du théâtre assez jeune en tant que comédien amateur. Après, je suis rentré dans une troupe permanente. Je suis devenu administrateur presse en même temps. En parallèle, je faisais un BTS audiovisuel option montage à Boulogne. Ça a duré deux ans. A côté, j’ai créé une association avec des amis techniciens pour faire des courts-métrages que je réalisais à l’époque. De fil en aiguille, pour essayer de toucher des subventions, on a décidé de créer Envie de Tempête Productions sur cette même base, dans l’idée de produire et diffuser mes films, mais aussi de produire d’autres ceux des autres. J’ai toujours eu le goût d’accompagner, que ce soit en presse pour la troupe de théâtre ou pour nourrir des projets des autres au niveau cinématographique.
En effet, je ne cherchais pas à vouloir être à tout prix réalisateur et à ne faire que ça. Il y avait vraiment cette idée de fédérer des compagnons et des camarades réalisateurs pour qu’on puisse, ensemble, faire des films, plutôt dans un esprit un peu frondeur avec initialement une volonté de remettre en question des choses. C’est pour cette raison que le format du court-métrage était naturellement évident puisque c’est selon moi, le seul endroit du cinéma où l’on peut se permettre d’être impertinent, tenter des choses et surtout, les rater. Ce droit-là est fondamental lorsqu’on apprend nos métiers.
Est-ce qu’à la base du nom de ta société de production, Envie de Tempête, il y a une intention militante ?
F.D. : Bien sûr oui, toujours aujourd’hui, je pense, même si ça a évolué avec mon âge et mon expérience. Pour la petite histoire, au début, nous avions pensé à Avis de tempête. Nous sommes allés à l’INPI pour protéger le nom et nous nous sommes aperçus que quelqu’un d’autre avait déjà déposé ce nom. En fouillant un peu, je me suis rendue compte que la personne avait déposé une quinzaine de noms en relation avec Avis de tempête et j’ai eu peur qu’elle protège plein de noms pour faire des procès derrière. Nous avons donc arrondi à Envie de tempête et je ne le regrette pas. Le nom est, à mon avis, plus percutant, voire plus amusant avec le jeu de mots. De plus, il correspond à notre idée de désir militant et à celui de faire des films. J’ai toujours eu envie que l’on apprenne par nous-mêmes, que l’on remette en question des choses, le cinéma de fait et que l’on continuer à chercher. J’apprécie le fait de prendre des risques et de proposer des œuvres pas forcément attendues. Je trouve mon plaisir de producteur dans ce genre de pari. Je préfère même quelque part, un film un peu raté mais qui tente quelque chose qu’un film bien fait mais dont on ne se souvient plus une semaine après. Au risque de paraître prétentieux, l’ambition qu’il y a derrière tout ça est de faire des films marquants.
Tu évoques des films marquants avec des aspects militants, mais y a-t-il pour autant une ligne éditoriale chez Envie de Tempête ? La question se pose surtout lorsqu’on observe les œuvres de deux des auteurs que tu suis, Jean-Gabriel Périot et Sébastien Betbeder, qui sont résolument différentes.
F.D. : En vieillissant, les choses s’affinent un peu, dans le sens où le côté militant et politique se retrouve dans différentes strates. Il y a d’un côté Jean-Gabriel Périot, un auteur qui propose une vraie proximité dans le propos et dans la forme et qui me touche depuis le début. On avait produit son premier film, We are winning don’t forget. J’aime beaucoup ce qu’il fait car il a quelque chose d’impertinent qui me correspond aussi et j’aime plutôt l’idée de mettre les pieds dans le plat en tant que producteur.
D’un autre côté, il y a Sébastien Betbeder qui est en effet beaucoup plus mesuré, mais qui présente tout de même des aspects politiques car il réalise des films profondément courageux, dotés d’une forme et d’un enjeu artistique. Ses films sont à la fois accessibles et dotés d’une exigence intellectuelle.
À mes yeux, défendre le cinéma comme un acte poétique, c’est un acte politique, simplement parce qu’imposer de la poésie aujourd’hui va à l’encontre du monde dans lequel on vit.
En parlant de Sébastien Betbeder, comment gères-tu sa capacité et son énergie de création ? Avec deux longs-métrages et un court-métrage en 2012, puis un court en 2014 et deux longs à venir en 2015, son rythme est assez effréné. Comment s’envisage une telle production en plus des autres projets de ta société ?
F.D. : Je crois que Sébastien et moi nous sommes rencontrés à un moment de nos vies où nous passions un cap l’un et l’autre : pour moi, de passer au long-métrage et pour lui, de continuer ses réalisations, mais à sa façon. Je pense qu’il a trouvé chez moi un compagnon de route, quelqu’un qui se bat, de A à Z pour ses films et qui le fait intégralement. Ceci étant, c’est sûr que comme Sébastien est très productif, ça me laisse assez peu de temps pour d’autres gens.
Les questionnements autour du long et autour du court ne sont pas tout à fait les mêmes. Après quinze d’expérience, j’arrive à démêler le fait que je suis un artisan dans l’âme. Je préfère donc suivre peu de réalisateurs et faire les choses bien plutôt que d’essayer d’être dans un flux perpétuel de renouvellement ou de trouver la bonne affaire. Cela ne nous empêche pas parallèlement, de suivre d’autres auteurs. On vient d’ailleurs de finir de produire trois courts-métrages.
À ce propos, quels sont les projets pour 2015 ?
F.D. : On produit deux longs-métrages coup sur coup de Sébastien puisqu’on finit le tournage de Marie et les naufragés en février puis on part le 23 mars au Groenland pour tourner à nouveau. On prépare aussi deux moyens-métrages : le premier de Thomas Blanchard qui joue dans Inupiluk et le deuxième de Darielle Tillon qui avait réalisé un long en 2009, Une nouvelle ère glaciaire et un court qui avait très bien marché en 2002, À la vitesse d’un cheval au galop. On va également travailler avec Philippe Petit qui fait partie de la bande de Quentin Dupieux. Je suis intéressé par tous ces gens car je ressens chez eux une vraie nécessité de faire des films. On se transmet donc nos énergies.
Tu as beau produire désormais des longs-métrages, tu continues à produire des courts. Quelles sont tes motivations à persister dans ce format ?
F.D. : Pour moi, le court-métrage représente l’avant-garde du cinéma. On a donc besoin de réfléchir sans arrêt sur ce qu’est le cinéma et vers quoi on tend. Le court-métrage permet de tenter ces choses-là et de s’affirmer comme tel. En d’autres termes, on a besoin d’être frondeur quand on fait du court-métrage. Après, il y a d’autres enjeux et d’autres contraintes à produire des longs-métrages. J’ai en réalité l’envie et le besoin de rester dans le court-métrage, d’une part pour rencontrer des gens et de tester une collaboration, d’autre part parce que j’ai l’impression ainsi, d’être au bon endroit pour le cinéma que je fais. Encore une fois, le pari est ce qui m’excite le plus. Par moment, une pépite arrive, à l’image de Jean-Gabriel Périot par exemple, avec des films superbes tels que Eût-elle été criminelle qui est d’une violence inouïe et d’une modernité énorme et qui, huit après, continuer à tourner encore en festivals.
Je pense qu’il y a tellement peu de places dans le long-métrage que nous, les jeunes producteurs ou les producteurs de courts, ne sommes pas les bienvenus. De ce fait, on nous met dans la marge si bien que tout notre enjeu est de justement faire briller cette marge. On en est obligé de se situer là. À chaque coup que je fais, je remets presque en question ma structure. Il s’avère que pour Marie et les naufragés, on a un petit budget de long, mais malgré ça, j’investis beaucoup et je joue de ma boîte. Il faut donc que le film marche. Je n’ai pas le choix, mais c’est aussi parce qu’on ne nous laisse pas le choix. C’est la seule place qu’on nous laisse et où l’on peut exister lorsqu’on n’est pas issu du sérail.
Il y a aussi des auteurs que tu as suivis pendant un temps et qui travaillent aujourd’hui, auprès d’autres structures de production, comme par exemple Jean-Gabriel Périot.
F.D. : J’ai en effet produit le premier film de Jean-Gabriel, ainsi que les suivants, ses quatre premiers films et sa première fiction exactement. On a eu une vraie histoire. Puis, à un moment donné, il a eu envie de faire un long-métrage. C’est tombé au moment où l’un de mes collègues a quitté la structure d’Envie de tempête et c’était un peu compliqué. À l’époque, je ne me sentais pas la force et le courage de l’accompagner sur du long et on s’est donc séparé d’un commun accord. La séparation s’est faite dans une bonne entente qui fait que l’on se retrouve aujourd’hui. Tout récemment, j’ai produit son dernier film, Si jamais nous devons disparaître ce sera sans inquiétude mais en combattant jusqu’à la fin, qui à peine terminé, était déjà sélectionné dans plusieurs festivals. Lorsque Jean-Gabriel est parti de chez nous, il a fait un petit passage chez Sacrebleu qui l’avait appelé. Après, il est allé naturellement chez Local Films car il montait des films pour Lorenzo Recio. Avec eux, il a fait son premier long, Une jeunesse allemande, qui vient d’être sélectionné à Berlin. J’aurais adoré produire ce film qu’il nous avait proposé à l’époque. Je m’en suis voulu mais on n’était pas prêts, alors je ne regrette rien.
Avec le recul, je m’aperçois qu’on a produit les films de bon nombre de personnes qui ont fait du long derrière avec d’autres boîtes : Emmanuel Gras, Guillaume Giovanetti et Cagla Zencirci aussi dont on a produit plusieurs films et Patrice Deboosère également qui prépare son premier long ailleurs. Il n’y a jamais eu de dispute avec ces auteurs, on ne s’est jamais fâchés. Ils sont partis comme dans une histoire d’amour en fait.
En parlant de la relation auteur/producteur, comment ça se passe avec tes auteurs vu que toi-même, tu réalises ?
F.D. : J’ai été moi-même auteur-réalisateur. Depuis environ quatre ans, je n’ai pas écrit une seule ligne ni réalisé un film. Je me situe comme producteur et c’est depuis ce temps-là qu’Envie de tempête existe vraiment dans le regard des gens. Aujourd’hui, je n’ennuie pas trop les auteurs que je suis avec mes propres réalisations. Je n’ai pas de frustration non plus car je prends beaucoup de plaisir à accompagner les autres. Le jour où je sentirai une quelconque frustration, je pense que je réaliserai à nouveau, mais aujourd’hui, je suis dans une autre dynamique et je n’ai pas l’urgente nécessité de raconter quelque chose sur un écran. En revanche, comme j’ai été réalisateur, j’ai une vraie proximité avec les problématiques de mes pairs. Je suis dans une pensée artistique avant tout parce que je sais l’importance que ça a pour un réalisateur et je pense que c’est une vraie qualité. Après, pour être honnête, j’ai 40 ans et les gens que je produis sont plus en liaison avec mon âge et mes problématiques que des jeunes réalisateurs. Néanmoins, je suis un peu partagé. Je trouve ça très bien de se nourrir de gens plus jeunes qui vont amener un nouveau regard, quelque chose de frais, mais j’ai aussi toujours la crainte de ne pas comprendre, de me retrouver trop âgé pour gérer ces films-là. Ceci dit, je tiens à prendre chaque année un nouveau réalisateur qu’on ne connaît de nulle part et qui m’envoie son scénario par la poste. L’objectif est par conséquent de renouveler un peu le cheptel et de s’ouvrir justement à des gens nouveaux.
Tu es le lauréat 2014 du Prix Prix Procirep du Producteur de Court-Métrage. Que représente ce prix pour toi ?
F.D. : C’est un prix qui m’a beaucoup touché car pour moi, c’est surtout un prix de camaraderie. Certes, c’est l’organisme de la Procirep qui génère ce prix, mais en fait, ce sont les copains producteurs qui votent pour les autres copains. C’est amusant car je constate chaque année que pour la plupart des producteurs qui reçoivent le prix, cela correspond dans leur carrière au moment où ils passent au long-métrage. Je pense que les copains producteurs remarquent quand l’un d’entre nous se lance et ils soutiennent ce mouvement-là. On se sent donc très épaulé, très porté par ces gens qu’on croise tout le temps et c’est assez agréable. C’est un prix fraternel en fait alors que bien souvent, on n’a pas assez le sens du collectif. Il faudrait qu’on se fédère plus pour prendre le pouvoir et pour pouvoir dire que c’est à notre tour d’arriver sur le long, autrement dit, de créer une nouvelle vague.
Peux-tu nous parler de la carte blanche dont tu as bénéficié durant cette 37e édition du Festival de Clermont-Ferrand ?
F.D. : En réalité, il y a deux programmes. Le premier correspond aux quinze ans d’Envie de tempête (CB1). On y montre quelques uns des films qu’on a produits et qui ont marché ces quinze dernières années, des films dont on est fiers et qu’on a envie de revoir. C’est pour cette raison qu’on a programmé par exemple, Inupiluk ou encore 200 000 fantômes.
Pour le deuxième programme (CB2), je souhaitais programmer L’île aux fleursde Jorge Furtado, mais je n’ai malheureusement pas réussi à l’avoir. Je voulais aussi prendre un film de Chris Marker mais il était trop dur à trouver. Je me suis donc rabattu sur un programme qui me plaît beaucoup, mais qui aurait peut-être été un peu différent si j’avais eu plus de temps ou si le Festival de Clermont m’avais aidé à trouver les copies des films qui m’intéressaient. Néanmoins, les films que j’ai choisis pour ce deuxième programme (A heap of trouble, Il était une fois l’huile, Viejo pascuero, …) correspondent à ce que je voulais montrer, c’est-à-dire qu’il est important de revendiquer que le court-métrage est aussi un acte politique, surtout avec ce qui se passe en ce moment. Après, ce ne sont que des films que j’ai particulièrement aimés. Ce sont des films qui rentrent dans un discours de fond mais revendiquent, tentent des choses et sont pour autant, de vrais films réussis. Ce sont des courts dans lequel il y a un réel enjeu qui dépasse le film et qui provoquent quelque chose. Parallèlement, ce sont des films distrayants et décalés. On y retrouve vraiment de la joie et du plaisir, voire un aspect assez festif qui colle d’ailleurs un peu à ma perception du Festival de Clermont.
Le Festival de Berlin s’est terminé ce weekend. Le jury international a attribué, lors de la remise des prix, l’Ours d’Or et d’Argent ainsi que l’Audi Short Film Award. Il a également désigné un court métrage en compétition pour les European Film Awards dans la catégorie Meilleur court métrage.
Palmarès
Ours d’Or : Hosanna de Na Young-kil (Corée du sud)
Ours d’Argent : Bad at Dancing de Joanna Arnow (États-Unis)
Audi Short Film Award : Planet Σ de Momoko Seto
Nominé pour les European Film Awards 2015 : Dissonance de Till Nowak (Allemagne)
« Condom Lead », premier court-métrage palestinien sélectionné au festival de Cannes (2013), était présenté cette année en ouverture de la programmation « Palestine » à Clermont-Ferrand. Les réalisateurs, Tarzan et Arab Nasser, frères jumeaux, offrent une terrifiante déclaration d’amour et de désespoir dans un film court, sans paroles et avec une grande économie de moyens (budget quasi inexistant, tournage en un jour).
2009. L’opération Cast Lead/Plomb durci contre la bande de Gaza dure 22 jours sans interruption. Au cœur de la débâcle, un couple tente chaque nuit de faire l’amour. Peine perdue : les déflagrations des obus réveillent le bébé endormi dans la chambre, la femme se lève pour l’apaiser… et l’homme n’a plus qu’à gonfler le préservatif tout juste ouvert. Recyclage ludique et amer en ballons incongrus qui envahissent la chambre conjugale nuit après nuit. Jusqu’à la scène finale : accoudé à son balcon, l’homme observe, le temps d’une cigarette, la ville et la nuée de ballons transparents qui la survole.
La simplicité du scénario, l’absence de dialogue, la guerre suggérée par le hors champ sonore et les jeux de lumières dans la pénombre de la chambre, tout concourt à un propos minimal et terriblement éloquent. Urgence du geste vital. S’aimer pour conjurer la peur, pour rester dans l’ici et maintenant. Pour continuer d’exister. Eros et Thanatos intimement mêlés, une fois de plus. Le mouvement de rapprochement du couple est décomposé en micro-gestes, un dosage millimétré d’une lenteur et d’une précaution à couper le souffle. Comme si une maladresse, une précipitation brusque pouvait engendrer l’explosion venue de l’extérieur. Faire l’amour en marchant sur des œufs. Un certain érotisme se dégage de ces effleurements, de ces milles attentions, l’acte est réduit à sa pure nécessité. On ne peut s’empêcher de penser au texte de Mahmoud Darwich, le poète palestinien (« Une mémoire pour l’Oubli ») et à sa quête de café durant l’assaut de Beyrouth. Où la volonté de perpétrer le geste ordinaire et journalier est cruciale. Savourer le café devient question de vie ou de mort. Le gouffre est là, dans l’impossibilité menaçante d’accomplir le rite matinal et essentiel :« Comment faire pénétrer l’odeur du café dans mes cellules, tandis que les obus s’abattent sur la cuisine ouverte au-dessus la mer, répandant des senteurs de poudre et la saveur du néant ? (…) Je ne me demande plus si les murs du couloir offrent une protection suffisante contre la pluie d’obus. L’important, c’est qu’il existe une paroi pour me dérober à ce ciel transformé en métal dévoreur de chair. (…) Je veux sentir l’odeur du café. Cinq minutes. Je veux une trêve de cinq minutes pour un café. (…) Tous mes sens sont tendus vers cet unique appel. »
L’échappée générale des ballons/préservatifs développe une fin à deux versants, une interprétation ouverte et ambivalente. Ils arrivent pour ponctuer une interrogation toujours plus féroce et actuelle : comment envisager de donner encore la vie dans un monde où la folie des hommes broie tout sur son passage, jusqu’aux velléités d’accouplement ? Comment l’assouvissement d’un désir solide et tenace est-il encore tangible ? Comment penser l’avenir dans un décor si funeste ? Et pourtant la capote, objet utile et pragmatique, passe du concret trivial au message poétique, drôle et politique. La multitude de baudruches surplombant la cité vient réaffirmer l’omniprésence d’une résistance du quotidien, sa force et sa patience. Et le spectateur oscille : veut-il voir dans le calme de la contemplation de l’homme sur son balcon une forme de résignation, ou au contraire de confiance dans cette métamorphose éphémère et onirique du paysage ? Beau pied de nez alors à la laideur de la réalité…
Synopsis :En écho à la violente opération militaire « Plomb durci » (Cast Lead en anglais), le film évoque la difficulté de faire l’amour en temps de guerre…
Genre : Fiction
Durée : 14’
Pays : Palestine
Année : 2013
Réalisation : Arab et Tarzan Nasser
Scénario : Arab et Tarzan Nasser
Image : Zaid BaQaeen
Montage : Zaid Baqaeen
Son : Philip Hashweh
Interprétation : Rashid Abdelhamid, Maria Mohammedi, Eloïse Von Vollenstein
À partir de ce mois-ci, Format Court vous propose un nouveau cycle de rendez-vous, les After Short, des soirées de networking réunissant la profession et les cinéphiles.
Retrouvez-nous pour notre 1er After Short, un apéro sympa ouvert aux amoureux du court et à ceux qui aiment tout simplement le cinéma, au coeur du 11ème (quartier Oberkampf, St-Maur).
Venez échanger autour d’un verre (punch offert !) avec nous, rencontrer d’autres « courtivores » et discuter avec les professionnels présents (réalisateurs, producteurs, comédiens, techniciens, organisateurs de festivals, …).
Quand ? Jeudi 26 février 2015, à partir de 19h
Où ? Bar Les Pieds sous la Table
130 rue Saint-Maur, 75011 Paris
Comment ? Métros proches : Goncourt, Couronnes, Parmentier
Possibilité de manger sur place !
Divagation de l’esprit ou délicieuse contemplation, la rêverie s’offre à nous tel un océan qui dort et c’est âme et corps que nous y plongeons sans aucun remords. Huit courts métrages, instantanés éphémères de fantasmes inavoués, d’utopies réinventées et de douces nostalgies vous permettront, le temps d’une séance, une belle échappée cinéphilique. En février, Short Screens n’attendra pas Morphée pour vous faire rêver. Un projet à l’initiative de l’asbl Artatouille et Format Court.com
Rendez-vous le jeudi 26 février, à 19h30, au cinéma Aventure, Galerie du Centre, Rue des Fripiers 57, 1000 Bruxelles – PAF 6€
REIZIGERS IN DE NACHTd’Ena Sendijarevic/Pays-Bas/2013/ fiction/9’46
Une femme travaille dans une station service, seule, la nuit. Des gens qu’elle ne connaît pas entrent et sortent de son monde, la laissant dans sa petite bulle. Jusqu’à ce qu’une nuit, un étranger spécial entre.
LA NUIT AMÉRICAINE D’ANGELIQUE de Pierre-Emmanuel Lyet/France/2013/animation/7’25
En allant voir La Nuit américaine de François Truffaut, Angélique découvre qu’on peut inventer sa vie. Se prendre pour Nathalie Baye, obtenir l’admiration de son père, choisir un métier incompréhensible…
MODERN DAYDREAMS : DEERE JOHN de Mitchell Rose/États-Unis/2001/fiction/3′
Histoire dansée d’un amour impossible.
LES MAINS BALADEUSES de Noémie Gillot/France/2009/fiction/8’30’
Comment compenser sa solitude quand on est une jeune femme à l’imagination fertile?
TEHRAN-GELES d’Arash Nassiri/France/2014/expérimental/18′
Les enseignes nocturnes de Téhéran sont incrustées sur des images aériennes de Los-Angeles. Durant ce vol, des enregistrements téléphoniques nous racontent des souvenirs qui ont eu lieu à Téhéran.
THE PRINTED RAINBOW de Gitanjali Rao/Inde/2006/animation/ 15′
Le film raconte une histoire de monotonie urbaine et d’évasion grâce à l’étiquette d’une boîte d’allumettes, dans un monde imaginaire de curiosité et de couleurs.
LA COPIE DE CORALIE de Nicolas Engel/France/2008/comédie musicale/22′
Monsieur Conforme, gérant du magasin de reprographie Copie Conforme, vit depuis trente ans dans le souvenir d’une femme disparue. Virginie, sa jeune assistante, décide de prendre les choses en main et affiche un avis de recherche sur les murs de la ville.
Réalisateur du sublime « The Weatherman and the Shadowboxer », Prix Format Court au Festival du Nouveau Cinéma (FNC) 2014, Randall Lloyd Okita est un jeune auteur de Toronto ayant déjà réalisé plusieurs courts-métrages. Son dernier film, projeté ce soir aux Ursulines, dans le cadre de la séance spéciale autour du FNC, évoque avec mystère et émotion le parcours de deux frères aux vies très différentes, séparés par un événement survenu dans leur enfance. En rencontrant Randall Lloyd Okita à Toronto, nous sommes revenus sur son parcours, l’importance de la musique dans son travail, sa collaboration avec l’ONF (l’Office national du film du Canada), son rapport à l’expérimental et son lien au personnel et à l’ambiguïté.
Format Court : Tu as réalisé plusieurs films très visuels ces dernières années. Comment as-tu réussi à devenir un artiste et à travailler loin des codes classiques ?
Randall Lloyd Okita: Pendant des années, j’ai travaillé comme assistant sur des films et des émissions de télévision. J’ai appris le fonctionnement des choses, mais après, quand j’ai commencé à travailler sur mes propres projets, ça a été dur de trouver des fonds. Malgré tout, en développant mes films, j’ai eu le temps de trouver ce que je voulais faire et de réfléchir aux obsessions que je voulais voir incarnées à l’écran. J’essaye généralement de ne pas trop penser au style, le prochain projet devient mon obsession, la prochaine image devient ce que j’ai envie de tester. « Machine with Wishbone », l’un de mes premiers films, a été inspiré par le travail d’un autre artiste, un de mes mentors, Arthur Ganson, qui a construit des sculptures en fer. À deux, on a crée un monde mécanique pour les faire tenir. Je savais ce que je voulais faire, j’avais envie d’explorer, de creuser. Les images fonctionnent sans mots, elles n’ont pas besoin de dialogue narratif, restent universelles.
Penses-tu que tes films pourraient être projetés ailleurs qu’en salles, dans les musées par exemple, qu’ils pourraient fonctionner comme des performances et être vus différemment ?
R.L.O. : J’aimerais penser que certains d’entre eux pourraient être projetés dans les musées. Ce ne sont pas des comédies qu’on aime voir dans des grandes salles. L’intersection entre l’installation, la sculpture et le cinéma pourrait marcher.
Le problème, c’est que mes films sont souvent considérés comme expérimentaux et que le terme « expérimental » n’est pas anodin. Être classé dans une telle catégorie signifie tellement de choses, les gens hésitent à aller voir ce type de films, ils ont peur d’être déçus. Pour moi, tout peut être expérimental, c’est une catégorie difficile. Certains films perdent en visibilité à cause de cette catégorisation. La manière dont et comment les gens regardent les courts m’intéresse. J’ai approché des galeries, ça n’a pas trop marché. Je peux transporter un DVD, un disque dur, mais c’est plus compliqué avec une sculpture !
De nombreux réalisateurs canadiens ont du mal à faire connaître leur travail. « The Weatherman and the Shadowboxer » a été vu au TIFF (Toronto), au FNC. C’est bien de faire des courts, de se sentir libre, mais il faut disposer d’écrans.
Les projets ne se font pas toujours avec un public en tête. Je suis assez chanceux de ne pas avoir été tout seul sur le projet. On a fait des projections, rencontré des publics. Travailler avec l’Office national du film du Canada (ONF) m’a offert plus d’accès et de publics. Le projet est également beaucoup plus narratif et personnel que mes précédents. Les gens y réagissent, c’est quelque chose de très encourageant.
Tu aimes bien faire des allers-retours entre animation, réalité, imaginaire et réalisme. Qu’as-tu trouvé de particulier dans l’animation ?
R.L.O. : En général, j’ai très peur des technologies surtout si je ne les comprends pas. J’ai besoin de les expérimenter, j’essaye de trouver des collaborateurs qui s’y connaissent et d’avoir les bons outils. Pour ce projet, j’ai pensé très rapidement à l’animation. Quand on a commencé le développement avec l’ONF, on pouvait vraiment expérimenter, tester des choses vu je n’avais pas fait beaucoup d’animations avant. Ça m’a appris beaucoup de choses. Tout le processus a été nouveau pour moi : le développement. 2D, 3D cadre par cadre. Mon film est beaucoup plus narratif et personnel que mes autres projets, il comporte plusieurs personnages. Les gens y réagissent, c’est très encourageant. Ils ont des questions sur le film. À partir du moment où le film a été terminé, ça a été plus facile d’en parler. Je sens que je suis plus ouvert à la discussion quand le film est derrière moi. La clé est de prendre le risque de perdre un peu de clarté pour gagner en émotion.
Je pense que c’est aussi lié à quelque chose de personnel, de proche de toi. Depuis quand portes-tu ce projet de « The Weatherman and the Shadowboxer » ?
R.L.O. : J’y pense depuis très longtemps, le projet est lié à des proches, à leur sensibilité, à leur identité, à leur histoire. Je ne voulais pas parler de quelqu’un ou d’une vie en particulier. Le challenge, c’était de se situer par rapport à l’histoire, de ne pas donner de nom, de ne pas personnaliser les personnages. L’important pour moi, c’était de parler des démons. J’avais déjà abordé ce sujet dans « Fish in Barrel ». L’une de mes luttes, c’est d’essayer d’exprimer des choses difficiles, des conflits internes, des luttes peu évidentes.
R.L.O. : Le film est illustré par une voix-off. Était-ce pour offrir une réalité supplémentaire ?
Je ne pensais pas à l’effet que ça aurait sur le public. Je voulais prolonger la discussion avec ma famille, explorer ces idées de conflits et trouver un moyen pour que le public s’y intéresse. La voix-off a été un bon moyen pour cela.
Tu dis avoir pensé à ce film depuis longtemps. Que souhaitais-tu y raconter ?
R.L.O. : Je pense que c’est une histoire d’identité, de mémoire et de ce qu’on ne peut pas dire. C’est dur de dire qu’on peut aimer et détester quelqu’un en même temps, que ce soit un ami ou un frère. Ce qui nous arrive au stade de l’enfance peut nous influencer dans notre vie future et on doit apprendre à gérer sa vie avec les bonnes et les mauvaises choses.
La musique est très présente dans tes films. Comment la considères-tu dans ton travail ?
R.L.O. : C’est incroyablement important pour moi. Dans mes derniers films, j’ai travaillé avec des compositeurs, cela m’a apporté beaucoup dans la relation de confiance et de compréhension de l’autre. Je m’exprime en couleurs, je ne sais pas décrire la musique, je n’ai pas le vocabulaire adapté. Je dis : « Ce passage devrait être rouge ou noir ». La conversation sur la musique commence très tôt, le style débarque vite. Avec les compositeurs, les sensibilités s’accroissent, ont de la valeur. Je sens que je peux essayer plus de choses, rendre les choses plus visibles grâce à la musique.
Avec les animateurs, comment as-tu procédé ?
R.L.O. : On a parlé ensemble de beaucoup de films d’animation – on a évoqué le travail de Norman McLaren – mais aussi de prises de vues réelles, d’images en double exposition et de grand contraste.
Avant, tu auto-produisais tes films. Maintenant, tu es suivi et soutenu par une structure plus grande, l’ONF. Comment ce changement t’a-t-il aidé pour développer tes projets ? Comment considères-tu le travail avec une équipe plus grande et l’entraide ?
R.L.O. : Avant, on était les seuls producteurs de nos films. À mes débuts, c’était dur, je n’avais pas assez d’expériences. Il n’y a pas trop d’alternative au Canada, dans le monde même, pour trouver un équilibre entre soutien, encouragement et liberté.
Quand j’ai commencé à travailler avec l’ONF, je me suis retrouvé avec une grande équipe. Dès le début, ils ont été très intéressés par mon projet. On a eu de grandes conversations et on a construit quelque chose ensemble. J’ai grandi en regardant tellement de films originaux et incroyables produits par l’ONF et racontés par des narrateurs intelligents et passionnés qui avaient une vraie vision de ce qu’ils voulaient raconter que je ne pouvais pas imaginer un meilleur endroit pour faire mes propres films.
Dans le cadre de son Prix Procirep du Producteur de Court-Métrage, Frédéric Dubreuil a bénéficié d’une carte blanche lors de la 37e édition du Festival de Clermont-Ferrand. Il y a présenté une sélection de courts-métrages produits au sein de sa société Envie de tempête Productions ainsi que des films qu’il apprécie particulièrement.
Dans le premier programme, il s’agissait plus exactement d’une programmation pour célébrer les 15 ans d’Envie de tempête, par conséquent uniquement constituée de films produits par la société depuis sa création. L’occasion de voir ou revoir des courts-métrages d’auteurs que suit particulièrement Frédéric Dubreuil. Parmi ces films, 200 000 fantômes de Jean-Gabriel Périot, un documentaire expérimental sur la catastrophe nucléaire d’Hiroshima. Le réalisateur manie à merveille les photos d’archives pour montrer ce qu’était la ville d’Hiroshima avant et après le 6 août 1945, mais aussi et surtout pour poser la question de l’oubli face au temps qui passe. Comment oublier de telles horreurs ? Avec cette œuvre, Jean-Gabriel Périot nous glace le sang, insistant sur le devoir de mémoire.
Dans cette programmation, on a pu également voir le dernier film de Sébastien Betbeder, Inupiluk, nommé aux César 2015. Avec une grande poésie et le sens de l’intimité, le réalisateur raconte la rencontre entre deux amis français, Thomas et Thomas, et deux Inuits, Ole et Adam, tout droit venus du Groenland, pour découvrir la France. Ce moyen-métrage manie avec humour tant les dialogues que les situations, et nous touche parce que les personnages prennent le temps d’observer, de communiquer et de vivre tout simplement.
Autres auteurs ayant fait partie de la tribu Envie de tempête, Cagla Zencirci et Guillaume Giovanetti, avec leur film Ata. Le court-métrage se passe justement dans la ville de Clermont-Ferrand où une jeune Turque rejoint son amoureux français. Seulement, à peine arrivée, elle se retrouve seule, son compagnon devant partir quelques semaines pour raisons professionnelles. Durant son absence, elle fait la connaissance d’Ata, un ouvrier ouïgour qui travaille sur un chantier juste à côté de chez elle. Un peu comme dans Inupiluk, l’accent est mis sur la rencontre et le lien malgré les grandes différences entre les personnages, et sur l’importance de l’humanité au final.
Frédéric Dubreuil a également choisi de montrer l’un des premiers films produits par Envie de tempête, On a train de Barnabás Toth qui parle aussi d’une rencontre entre deux inconnus très différents l’un de l’autre. Enfin, on retrouve dans cette première sélection un film réalisé par le producteur lui-même, rappelant qu’à l’origine, Envie de tempête Production avait été créée pour produire ses propres films. Il a choisi de montrer ici une comédie déjantée intitulée La place du cœur où quatre éclopés se battent pour une place réservée dans le bus.
Dans le deuxième programme voulu plus « politique », Frédéric Dubreuil a réuni coups de cœur de producteur et films représentant la « ligne éditoriale » de sa société. Il a choisi de mêler le militantisme et la distraction à travers des formes de narration originales.
Parmi ces films, on a pu découvrir ou redécouvrir un petit bijou d’Agnès Varda, Réponse de femmes, documentaire tourné en 1975, qui fait sourire par sa désuétude mais qui retient notre attention de par son propos qui n’a pas beaucoup changé en 40 ans et par le côté « osé » de sa mise en scène.
On a aussi retrouvé deux courts-métrages produits en 2001 par la société de production pas moins engagée, Lardux. Le premier est Je m’appelle de Stéphane Elmadjian. Il dresse le portrait d’hommes français, irlandais, espagnols, … qui ont chacun été confronté à la violence à des périodes différentes du XXe siècle tels que la Seconde Guerre Mondiale, des révolutions ou des manifestations. La voix off de Feodor Atkin raconte la dureté de ce qu’ils ont vécu à la première personne et Stéphane Elmadjian filme des visages abîmés de sorte à nous rappeler les atrocités de l’humanité.
Le deuxième film de la société Lardux proposé dans cette carte blanche est À propos d’Éric P de Pierre Merejkowsky dans lequel celui-ci fait un portrait à la limite du documentaire et de la fiction d’Éric P., militant écologiste qui a lutté contre la construction du tunnel de Somport, mais qui n’a été ni entouré ni suivi dans ce combat. Le réalisateur se penche ainsi sur la personnalité d’un homme engagé mais déchu en comparaison avec José Bové, connu et reconnu.
Cette sélection a également proposé quatre films, certes assez différents les uns des autres, mais qui se moquent tous de manière assez poussive et à la limite du mauvais goût de notre chère société. Évoquons tout d’abord Viejo pascuero de Jean-Baptiste Huber dans lequel un enfant des bidonvilles chilien écrit une lettre d’insultes au Père Noël pour les cadeaux qu’il lui a fait. Le film est assez touchant lorsqu’on découvre que l’enfant, malgré sa misère, croit dur comme fer au Père Noël et à la magie qui l’accompagne, mais aussi au rock ‘n’ roll lorsqu’on découvre la manière dont il s’adresse au vieux barbu.
Ensuite, Il était une fois l’huile, film d’animation ayant beaucoup circulé en festival en 2010-2011, réalisé par Vincent Paronnaud, joue autour d’une parodie de publicité et de programme pour enfants. Tel un dessin animé éducatif, deux enfants se retrouvent en effet à faire un voyage merveilleux dans l’usine de fabrication des huiles Méroll (servant aux voitures et fritures !) en compagnie de la mascotte de la marque, Goutix. Le film est 100% politiquement incorrect; ce qui le rend absolument jouissif.
Dans le cadre de ce programme, on a pu voir aussi A heap of trouble de Steve Sullivan, un film très court (4 minutes), tout à fait barré comme savent le faire les Anglo-Saxons. N’en disons pas plus, de peur de dévoiler la cause du trouble de ce quartier résidentiel britannique, si ce n’est qu’il ne dérangera que les personnes les plus prudes et fera bien rire les autres. Autre film limite, Le poteau rose de Michel Leclerc ou la façon très crue mais aussi très drôle de raconter une histoire d’amour à la manière d’un journal intime filmé avec la patte « gaucho » du co-réalisateur du Nom des gens.
Enfin, Frédéric Dubreuil a souhaité remettre quelques films forts de Jean-Gabriel Périot produits par Envie de tempête tels que Eût-elle été criminelle et The Devil. Là encore, le réalisateur nous perturbe ou plus exactement nous questionne sur l’Histoire et ses horreurs que sont ici la Seconde guerre mondiale et le racisme aux États-Unis. Quelles sont les limites de l’humain ? Qu’est-ce qui anime les combats ? À travers une sublime utilisation des archives, Jean-Gabriel Périot prouve à nouveau qu’il est un grand humaniste.
Dernier film à composer cette carte blanche : Jean et Monsieur Alfred réalisé par Frédéric Dubreuil, pointant les inégalités sociales à travers une sorte de conte comique. Selon ses dires, il a placé ce film faute d’avoir pu mettre la main sur L’île aux fleurs de Jorge Furtado tandis qu’il n’avait aucun problème de droit et de copie pour le sien. Réjouissant de ce fait de pouvoir voir l’un des tous premiers films du réalisateur devenu producteur et de comprendre ainsi son goût pour les films engagés avec un ton léger.
Cette carte blanche a permis à Frédéric Dubreuil d’échanger autour d’idées, d’évènements et de constats sociaux sans « se prendre la tête » pour autant. Selon lui, « le court-métrage est l’endroit de la prise de parole directe, sans censure » et ces deux programmes visibles au Festival de Clermont-Ferrand en ont été la preuve. À l’heure où il est plus que jamais d’actualité que d’être solidaires et engagés, ce programme a donné davantage d' »envies de tempête.
Présenté au sein du focus Québec au Festival Nouveau Cinéma (FNC) de Montréal, le film d’animation « The Weatherman and the Shadowboxer », de Randall Lloyd Okita, a séduit l’équipe de Format Court par son style personnel et novateur, et la maîtrise de sa narration. Le film, lauréat de notre Prix Format Court au festival, présente deux personnages, deux frères qui ont pris des chemins séparés, suite à une enfance bafouée dont les faits restent ambigus : l’un, un présentateur de météo, entretient une image publique mondaine qu’il porte comme un masque, l’autre devient un « shadowboxer », un combattant de l’ombre qui refuse de fuir la vérité et la violence qui est en lui.
Ou peut-être que l’histoire de ces deux frères n’est qu’un prétexte ? Une allégorie des différentes postures qu’un homme peut adopter face à son propre malheur : le déni ou l’acceptation. Sans dialogues, « The Weatherman and the Shadowboxer » dévoile au spectateur le profil de ces deux frères par le biais d’une voix off. Le texte du narrateur est un des éléments phares du film : poétique et universaliste. Ce sentiment de film allégorique est renforcé par le fait que les deux personnages n’ont pas de visage, pas de voix; toutes les émotions passent par les images, par ce qu’elles ont à elles seules le pouvoir de transmettre.
Le « weatherman » est exposé au monde à travers l’écran de télévision mais son corps est rempli d’autres images mises en abyme : images météorologiques, images d’une ville en feu, données informatiques, explosions, autant d’éléments révélateurs d’un corps et d’un esprit tourmentés, mais sous contrôle permanent. Le second, le « whadowboxer », apparaît toujours de dos ou dans l’ombre, entre deux murs, tel un animal traqué, et communique avec ses poings pour affronter ses démons. Ici, Randall Lloyd Okita nous parle avant tout avec des images, des couleurs, des textures, et une bande sonore soigneusement travaillée par ses collaborateurs et compositeurs : Lodewijk Vos et Joseph Murray.
Le film se démarque par sa façon de traiter le thème de la mémoire et de la construction de l’individu, notamment par l’exploration, au-delà du texte, d’un langage visuel mêlant plusieurs techniques : prise de vue réelle, animations 2D et 3D, photographies surexposées, superpositions d’images, flashbacks, ralentis. La texture de l’image, un mélange intense entre fermeté et beauté, fait de couleurs sombres appuyées et de contrastes travaillés entre ombres et lumière, évoque le style du polar et de certaines bandes dessinés.
Le film commence par plonger le spectateur dans un univers inquiétant et s’ouvre sur des enfants qui jouent et qui, lorsqu’ils se retournent, ont les yeux rayés, effacés. Cette introduction est accompagnée d’un son agressif et inquiétant qui crée une ambiance digne d’un film d’horreur, accentuée par l’apparition même du titre souligné de rouge vif sur fond noir. Randall Okita joue avec les genres. Film d’horreur, néo-noir, bande dessinée, « The Weatherman and the Shadowboxer » est un film hybride inclassable, sur un sujet très personnel mais rendu ici universel. Le réalisateur montre une vraie maîtrise des outils de narration : un univers visuel qui enveloppe le spectateur, un texte d’une grande justesse, un son composé de bruits tonitruants et de musique interprétée au piano, participent à rendre ce portrait de deux âmes en peine poignant et incisif.
Synopsis : L’histoire envoûtante de deux frères profondément marqués par un événement dont ils se souviennent différemment. Alliant des images saisissantes à une direction artistique impressionnante, ce film est une ode élégiaque à l’appartenance et à la survie.
Réalisation : Randall Lloyd Okita
Durée : 10′
Année : 2014
Pays : Canada
Genre : Animation
Image : Samy Inayeh
Animation : Sam Javanrouh, Peter Auld, Helen Thach, Francis Goulet, Ferryanto Tantono, Marlon Castro, Blayke Nadeau, Benjamin Figueroa, Sol Friedman
Hier soir, tout le monde était aux Bafta (équivalent des César/Oscars au Royaume-Uni) : Julianne Moore, Léa Seydoux, David Beckam, Richard Linklater & tous leurs copains. Mais aussi Daisy Jacobs et Michael Lennox et Ronan Blaney, les trois réalisateurs de courts-métrages primés.
Syn. : Des personnages animés grandeur nature racontent avec un humour noir la triste histoire de l’accompagnement d’un parent âgé. « Tu veux la mettre dans une maison de retraite ? Alors, dis-le-lui ! » siffle un des frères à l’autre. Mais comme Mère n’entend pas partir, leurs vies se désagrègent à mesure qu’elle s’accroche à la sienne.
Meilleur court-métrage de fiction : Boogaloo et Graham de Michael Lennox et Ronan Blaney (Irlande, Royaume-Uni)
Syn. : Jamesy et Malachy sont sur la lune quand leur père au cœur tendre leur présente deux poussins. En élevant ces être minuscules, se déclarant végétariens et rêvant de gérant un élevage de poulets, les garçons sont en état de choc lorsque leurs parents annoncent que de grands changements sont à venir dans la famille.
Prix de la Meilleure Première Œuvre de Fiction (SACD) au dernier Festival de Clermont-Ferrand, le court-métrage « Son Seul » de Nina Maïni fait partie des films de fin d’études du dernier crû de la prestigieuse Fémis. La jeune cinéaste, issue du département son, livre un court-métrage humble, émouvant et drôle dont la qualité première est de prendre pour sujet le cinéma comme artisanat et pour héros deux figures discrètes et connues des plateaux de tournages : l’ingénieur du son et son perchman.
Gaby et Pierre, respectivement campés par Philippe Duquesne et Pascal Demolon, se retrouvent seuls après une journée de tournage pour enregistrer des «sons seuls» sur une plage, à savoir des sons d’ambiance destinés à alimenter le montage du film en cours de fabrication. Les deux quinquagénaires, amis de longue date ayant roulé leur bosse ensemble, profitent de ce moment d’intimité pour évoquer leur avenir en même temps qu’ils s’appliquent à enregistrer leurs sons seuls, en courant notamment après des cris de mouettes difficiles à obtenir.
Le court-métrage de Nina Maïni force l’admiration, d’abord parce que l’émotion qu’il produit n’excède jamais le cadre très simplement défini par la mise en scène : aucun ajout de musique, aucun effet ostentatoire produit par des mouvements d’appareils sophistiqués ne vient suppléer aux intentions affichés par le récit et la dramaturgie. La réalisatrice s’en remet essentiellement au jeu de ses interprètes, tout en déployant patiemment une mise en scène discrète, construite sur un jeu savant et ludique entre les différentes échelles de plans.
La grammaire du cinéma burlesque à laquelle se réfère la jeune cinéaste a toujours reposé sur un traitement égal de l’image et du son, les films de Jacques Tati ou de Luc Moullet constituant de lointains modèles. Nina Maïni fait à son tour preuve d’inventivité en exploitant la dimension comique de sa situation de départ, où l’effet burlesque n’est pas seulement produit par les mouvements physiques des personnages mis en perspective dans des cadres élargis, mais également par la proximité que produisent les sons enregistrés par les protagonistes à l’intérieur des scènes. La place accordée aux éléments sonores ambiants est prépondérante et le film y trouve son équilibre dans l’économie qu’il fait des dialogues entre les personnages, où le peu de mots qu’ils échangent livrent l’essentiel sans verser dans la psychologie.
Le mérite en revient aux interprètes, le couple Duquesne/Demolon parfaitement accordé, dont nous avions découvert et apprécié l’alchimie dans un précédent court-métrage comique : « Les Chiens verts » de Mathias et Colas Rifkiss (2012). La bonhomie délicieuse de Philippe Duquesne contraste ainsi avec le tempérament de chien fou de Pascal Demolon, les deux acteurs se rejoignant néanmoins au même endroit dans leur jeu, celui de l’enfant, joueur et primesautier, qui s’exprime dans le regard désarmant de tendresse et d’innocence de Duquesne et dans les moues boudeuses de Demolon. Cette qualité de jeu apporte la dernière touche essentielle au constat qu’énonce le film : les artisans du cinéma ne cesseront jamais d’être des enfants, recherchant sans cesse le plaisir dans le travail.
Et le film de se clore de la plus belles des façons, en laissant défiler son générique alors qu’un montage sonore fait se succéder des amorces de prises de sons, les voix des techniciens anonymes s’agglomérant pour constituer un cœur dans un ultime sursaut burlesque. L’élégance et l’humilité dont fait preuve la jeune cinéaste ravit et nous rend curieux d’une prochaine réalisation.
Synopsis : Seule dans l’agitation urbaine humide et persistante, Jeanne tente de retrouver le nord.
Lauréat du Grand Prix, du Prix de la presse ainsi que du Prix d’interprétation féminine lors de la dernière édition du Festival Côté Court de Pantin, le moyen-métrage « Bruocsella ! » de Ian Menoyot avait su convaincre les différents jurys et tiré son épingle du jeu parmi d’autres films en compétition. Fruit d’une auto-production laborieuse portée de bout en bout par un jeune cinéaste exigeant dont la précision et la rigueur transparaissent à chaque instant, « Bruocsella ! » s’impose avant tout comme un geste fort dont le titre résonne comme un cri du coeur, un cri d’amour.
Cri d’amour pour une ville et pour un visage : celui de Flora Thomas, grande fille au regard magnétique et impénétrable qui fait corps avec la cité, jungle froide et éteinte mais bouillonnante de l’intérieur. Le parcours de Jeanne dans les rues de Bruxelles, aux confins de la solitude et du désenchantement, culmine dans une scène de dialogue bouleversante entre la jeune femme et un rat des villes dostoievskien (Boris Kish, sublime) qui dresse le portrait amer et désabusé de notre société moderne et de ses capitales qui broient les individus. Un film fort et un geste de cinéma qui augure les plus grandes espérances pour son auteur.
Prix Egalité et Diversité : Leftover de Tibor Bànòczki, Sarolta Szabo
Prix de la Meilleure Musique Originale (SACEM) : Philippe Dubernet et Guillaume Durrieu pour Black Diamond de Samir Ramdani
Prix de la Meilleure Photographie (Nikon) : Anaïs Ruales Borja pour Burundanga
Prix de la Meilleure Première Œuvre de Fiction (SACD) : Son seul de Nina Maïni
Prix Adami d’Interprétation/Meilleure comédienne : Julie Chevallier, dans Ton cœur au hasard de Aude-Léa Rapin
Prix Adami d’Interprétation/Meilleur comédien : Daniel Vannet, dans Perrault, La Fontaine, Mon Cul ! de Hugo P. Thomas, Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma et dans Ich bin eine Tata de Ludovic et Zoran Boukherma, Marielle Gautier et Hugo P. Thomas
Prix Etudiant de la Jeunesse : Perrault, La Fontaine, Mon Cul ! de Hugo P. Thomas, Ludovic Boukherma, Zoran Boukherma
Prix Canal + : Le dernier des Céfrans de Pierre-Emmanuel Urcun
Prix de la Presse Télérama : Vous voulez une histoire ? de Antonin Peretjatko
Prix du Rire « Fernand Raynaud » : Tarim le Brave contre les Mille et Un Effets de Guillaume Rieu
Prix Procirep du Producteur de Court Métrage : Takami Productions
Mention spéciale du jury à l’acteur Jonathan Couzinié, dans Ton cœur au hasard de Aude-Léa Rapin
Compétition internationale
Grand Prix : Hole (Le trou) de Martin Edralin (Canada)
Prix Spécial du Jury : Minsu Kim In Wonderland (Minsu Kim au pays des merveilles) de Chan-yang Shim (Corée du Sud)
Prix du Public : Père de Lotfi Achour (Tunisie, France)
Prix du Meilleur Film d’Animation : Somewhere Down the Line (La ligne de vie) de Julien Regnard (Irlande)
Prix du Meilleur Film d’Animation Francophone (SACD) : Deep Space de Bruno Tondeur (Belgique)
Prix Etudiant de la Jeunesse : Futile Garden (Terrain stérile) de Ghazaleh Soltani (Iran)
Prix Canal + : De Smet de Wim Geudens, Thomas Baerten (Pays-Bas, Belgique)
Prix des Médiathèques : Thread (Le fil) de Virginia Kennedy (Malaisie)
Mentions spéciales du Jury : Père de Lotfi Achour (Tunisie, France), That Day of the Month (Ce jour du mois) de Jirassaya Wongsutin (Thailande), Démontable de Douwe Dijkstra (Pays-Bas), The Beaten Path (Les sentiers battus) de Phurba Tshering Lama (Inde), Salers de Fernando Dominguez (Argentine)
Compétition Labo
Grand Prix : Sieben Mal am Tag beklagen wir unser Los und nachts stehen wir auf, um nicht zu träumen (Sept fois par jour nous pleurons sur notre sort et nous nous levons la nuit pour ne pas rêver) de Susann Maria Hempel (Allemagne)
Prix Spécial du Jury : Cams de Carl-Johan Westregård (Suède)
Prix du Public : S de Richárd Hajdú (Royaume-Uni, Angleterre, Hongrie)
Prix Canal + : Ser e Voltar de Xacio Baño (Espagne)
Mentions spéciales du jury : My Dad de Marcus Armitage (Royaume-Uni, Angleterre), Ser e Voltar de Xacio Baño (Espagne), S de Richárd Hajdú (Royaume-Uni, Angleterre, Hongrie)
Autres prix
Nomination European Film Awards : Smile, And the World Will Smile Back (Souris et le monde te sourira) de Abdelkarim Al-Haddad, Ehab Tarabieh, Yoav Gross, Diaa Al-Haddad, Shada Al-Haddad, Ahmad Al-Haddad (Israël, Palestine)
Coup de cœur Canal+ Family : Indah Citra de Sarah Feruglio, Anthony Oliveira, Pierre-Antoine Naline, Maxime Orhnial (France)
Prix Orange : One Man, Eight Cameras (Un homme, huit caméras) de Naren Wilks (Royaume-Uni, Angleterre)
Le 37ème Festival de Clermont-Ferrand s’est terminé ce soir. En voici un premier aperçu animé croqué par les réalisateurs que nous avons rencontrés, en prélude de leurs interviews.
Chris Landreth, réalisateur multi-primé (« Ryan », « Subconscious Password), membre du Jury international
Daisy Jacobs et Chris Wilder, réalisatrice et animateur de « The Bigger Picture » (nommé aux Bafta, aux Oscars, …)
Et pour le lien animé, voici une illustration envoyée par Tomasz Siwiński, le réalisateur de « Une Chambre Bleue », Prix France Télévisions du Court-métrage 2015 ex aequo. Le film, projeté jeudi 12 février à 20h30 aux Ursulines, lors de la Soirée Format Court dédiée au Festival du Nouveau Cinéma, en présence de l’équipe, fera l’objet d’une exposition de dessins et de croquis préparatoires.
Lors du 37ème Festival International du court-métrage de Clermont-Ferrand, Tony Gatlif et les membres du Jury ont remis jeudi 5 février, le Prix France Télévisions du Court-métrage 2015 ex aequo à « La Maison de Poussière » de Jean-Claude Rozec et « Une Chambre Bleue » de Tomasz Siwiński. Le jury a également attribué une mention spéciale pour l’interprétation féminine à Laure Calamy pour « La Contre-Allée » de Cécile Ducrocq.
Ces trois films seront projetés dans le cadre des Soirées Format Court, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème). « Une Chambre Bleue » sera visible sur grand écran dès la semaine prochaine, jeudi 12 février à 20h30, lors de la Soirée Format Court dédiée au Festival du Nouveau Cinéma (FNC) de Montréal. Le film sera présenté par son équipe et fera l’objet d’une exposition de dessins et croquis préparatoires.
Depuis 2009, le Prix France Télévisions du court-métrage est décerné chaque année à un film choisi parmi les achats ou préachats de France 2 et France 3, de l’année précédente et de l’année en cours. Cette année, le jury, présidé par Tony Gatlif, était composé de Katia Bayer (Format Court), Caroline Constant (L’Humanité), Isabelle Gibbal-Hardy (Grand Action), Daniel Goudineau (France 3 Cinéma), Nathalie Jacquet (Télé Câble Hebdo), Jacques Kermabon (Bref Magazine), Frédéric Prallet-Dujols (France Télévisions) et Pascal Sennequier (France 2 Cinéma).
Synopsis : Le film nous projette dans un paysage fantastique, une transposition architecturale de deux villes, Téhéran et Los Angeles, dans laquelle les néons grésillants de la capitale iranienne s’incrustent de façon anarchique sur les vues aériennes des quartiers de la Cité des Anges.
Incroyable plongée dans un territoire fantastique, le film d’écoles d’Arash Nassiri s’attache à transposer une certaine image de Téhéran dans le paysage urbain de Los Angeles créant ainsi une utopie cinématographique des plus envoûtantes.
Et si l’Iran n’avait pas connu la Révolution islamique? Et si le modèle américain que l’on projetait sur tous les murs de la ville dans les années 70 avait gagné la capitale iranienne, quel visage offrirait-elle aujourd’hui aux yeux du monde ? Autant de questions qui resteront sans réponse puisque l’Histoire en a décidé autrement. Il n’empêche que dans son film « Tehran-Geles », Arash Nassir, issu du Studio des arts contemporains Le Fresnoy, né en Iran et ayant grandi en France, a imaginé une ville à la croisée des chemins, un univers improbable qui répondrait au fantasme démiurgique de création d’une nouvelle Persepolis.
Aussi, dans ce court métrage expérimental, incruste-t-il des enseignes de la capitale iranienne sur les gratte-ciel de la Cité des Anges. Des témoignages téléphoniques d’hommes et de femmes commentant leur quotidien d’avant la Révolution contrastent avec les images aériennes qui évoquent une réalité contemporaine. Des arrestations par la police du Shah en passant par la mode vestimentaire, les souvenirs renvoient à un mode de vie disparu. On devine que ces personnes ont fui leur pays après la Révolution pour venir s’installer à Los-Angeles où l’on retrouve la plus grande communauté iranienne du monde.
Le résultat est curieux et la démarche reste interpellante à plusieurs niveaux. Car loin d’être anecdotique, elle est au contraire une réflexion intelligente sur la manière de s’approprier le passé révolu de son pays d’origine et de lui imaginer un futur illusoire. Le jeune réalisateur exprime par là son attachement à ses racines tout en questionnant les bouleversements provoqués dans la société iranienne depuis la Révolution de 1979.
Il crée volontairement un décalage entre la fiction d’une réalité revisitée et la réalité des commentaires et joue habilement avec la notion de frontière et de territoire, tellement ancrés dans la mémoire de tout apatride. Avec cette projection futuriste où la musique de Flavien Berger pousse à s’enfoncer dans les abysses labyrinthiques d’une ville inexistante, Arash Nassiri signe ici une exploration vertigineuse et hypnotique de l’âme exilée.
