Expérimental, 12’, 2015, Autriche, Sixpackfilm

Synopsis : Consentir à être manipulable à souhait, pourquoi pas ?

Toujours en parallèle de la 22ème édition de l’Étrange Festival (7-18 septembre 2016) et pour en fêter dignement la bonne tenue, voici notre « film de la Semaine », sélectionné l’année dernière pour la compétition internationale de courts métrages du festival.

Dispositif expérimental drôle et jouissif, travaillé comme une « tentative d’épuisement » physique, « Trafo » de l’autrichien Paul Horn met en scène plusieurs visages d’hommes et de femmes filmés de face et de profil, comme s’il s’agissait d’une arrestation policière, et malmenés et transformés en direct par plusieurs sévices et maltraitances corporels.

Le détournement par l’accumulation permet alors d’embarquer dans un voyage hypnotisant quelque part entre les délires picturaux d’Arcimboldo et les facéties existentielles d’un clown triste. Le film se double également d’une réflexion allégorique sur la dignité humaine et tout ce que peut représenter et véhiculer un visage, réceptacle désabusé de comportements asociaux troubles et parcouru de douleurs intenses.

Julien Savès

Alors qu’il sort tout juste de l’École de cinéma Krzysztof Kieślowski à Katowice, en Pologne, nous avons pu interviewer cet été Kordian Kądziela, que nous suivons depuis novembre dernier, suite à la découverte de son film d’école Larp, présenté au dernier Festival du court métrage européen de Brest et primé par Format Court.

Peux-tu nous parler de ta formation ? Comment t’es-tu dirigé vers la réalisation ?

En réalité, j’ai voulu être réalisateur dès l’âge de 5 ans. Je ne savais pas vraiment ce que faisait un réalisateur mais je savais que je voulais faire des films. Mon oncle, qui vivait juste à côté de chez nous, était le propriétaire d’une boutique de location de VHS, j’ai donc eu la possibilité de regarder beaucoup de films lorsque j’étais enfant. Le plus étrange, c’est que plutôt que de regarder plein de films les uns après les autres, je préférais regarder une petite poignée d’entre eux, comme Les Aventures du Baron Munchausen ou Willow, un nombre incalculable de fois. J’ai eu une période de doutes face à l’idée de devenir réalisateur lorsque j’étais au lycée car j’ai commencé à me dire que ce n’était qu’un rêve impossible à réaliser. J’ai pensé devenir critique musical, et j’ai commencé à écrire quelques articles, mais tout a changé quand je suis allé voir Kill Bill vol.1 au cinéma. Je pense qu’on peut voir dans ce film un pur amour pour le cinéma. J’ai tellement été ébahi par ce film que ça m’a décidé à m’inscrire en école de cinéma, à la Krzysztof Kieslowski Faculty of Radio and Television, à l’université de Silésie à Katowice.

Larp, court métrage réalisé dans le cadre de tes études, a pour toile de fond le monde du jeu de rôle grandeur nature, et crée un second univers qui vient s’imbriquer dans la fiction, une sorte de mise en abîme. Pourquoi cet univers en particulier ?

Pour Larp, j’ai choisi l’univers du jeu de rôle parce que j’adore les films dont les personnages sont tiraillés entre deux mondes – le monde réel et leur univers mental, comme c’est le cas dans l’un de mes films préférés La Science des rêves de Michel Gondry. Je voulais faire mon propre film avec ce genre de personnage et je voulais également raconter l’histoire d’un jeune garçon qui devient un homme. Peut-être parce que c’est ce que je vivais à ce moment là ? De plus, j’ai participé deux fois à des jeux de rôles grandeur nature par le passé. Mon ami d’enfance est aujourd’hui l’organisateur d’un des plus grands jeux de rôle grandeur nature en Pologne. Il y a quelques années, avant que je n’intègre l’école de cinéma, il m’a proposé de participer à l’un de ses jeux de rôles en forêt et je suis ainsi devenu, pendant trois jours, un propriétaire terrien qui souhaite récupérer sa terre par conspiration. C’était une expérience inhabituelle et inoubliable, si bien que quelques années plus tard, lorsque je cherchais un sujet pour mon film d’école, je me suis dis que le monde des joueurs grandeur nature (« larpers ») serait idéal pour construire une histoire. Lorsque j’ai créé le personnage de Sergiusz, je me suis beaucoup inspiré de mes souvenirs de jeu de rôle. Sergiusz est un assemblage de traits de personnalités de quelques personnes rencontrées dans ce contexte.

La première scène du film donne l’impression au spectateur qu’il est en train de regarder un film d’ « heroic fantaisy », est-ce un genre cinématographique (et littéraire) que tu affectionnes ?

Pas vraiment. Je n’ai pas de genre de film préféré. J’aime simplement le bon cinéma peu importe le genre. J’aime tout autant regarder des drames sociaux que les Batman à partir du moment où le réalisateur parvient à raconter l’histoire suffisamment habilement pour que je me prenne au jeu. J’aime les films qui me surprennent et c’était là le but principal de la scène d’introduction de Larp – surprendre les spectateurs en montrant le contraste entre l’imagination du personnage principal et la réalité.

Comment Lockjaw, film que tu as réalisé après Larp et dans lequel un trio d’artistes amateurs rêve de conquérir le monde de l’art a-t-il été produit ? L’École Polonaise de Mockumentaire mentionnée sur ton site internet existe-t-elle réellement ?

Lockjaw est un film d’école, mais nous n’avons pas eu l’argent alloué par celle-ci car nous n’avons pas démarré le tournage à temps, nous avons donc dû trouver les financements par nous-mêmes. Tous les membres de l’équipe ont travaillé bénévolement, y compris les acteurs. Ils aimaient tous le scénario et connaissent ce genre de situation. Au final, nous étions une bande de copains qui voulait faire ce film ensemble. On a tourné le film par étapes. Lorsque nous avons réuni un peu d’argent, nous avons organisé la première journée de tournage, puis nous avons attendu un mois avant de mettre en place les deux jours de tournage suivants, et plus d’un an s’est écoulé entre le premier et les trois derniers jours de tournage ! Michał Pukowiec, directeur de la photographie sur Lockjaw, et moi, avons créé un groupe qui s’appelle Polish School of Mockumentary (École Polonaise de Documenteur) et nous voulons réaliser d’autres films, émissions télévisées ou clips dans le style de la comédie « mockumentaire ». Nous venons de terminer le premier épisode d’une série « mockumentaire » intitulée Tyci Brat et notre producteur cherche désormais des chaînes de télévision ou en ligne qui soient prêtes à acheter une saison entière.

Peux-tu expliquer le concept de « mockumentaire » tel que tu le vois ?

Le concept du « mockumentaire » repose sur l’utilisation du récit documentaire pour raconter des événements ou développer des personnages totalement fictifs. C’est un peu ce qu’on pourrait appeler un faux documentaire. Je pense que c’est une très bonne façon de réaliser une comédie parce qu’on utilise la confiance que les gens peuvent avoir dans la réalité du documentaire. Ainsi, au bout de quelques minutes, une fois que le spectateur commence à croire à l’authenticité du personnage, vous pouvez commencer à placer ce dernier dans des situations étranges ou absurdes qui vont créer un effet comique, tandis que la même situation dans une comédie classique « non-mockumentaire » pourrait être peu crédible et sans effet comique.

Lockjaw questionne avec humour le monde de la performance artistique, et ce qui fait une œuvre d’art. Ce questionnement du statut complexe (et parfois ridicule) de l’art est-il quelque chose que tu appliquerais au cinéma ?

Bien sûr. Lockjaw n’est pas une critique de tout le monde de l’art mais une critique de tout ce qui peut être trop calculé dans l’art. Je voulais attirer l’attention sur les artistes qui pensent qu’on peut réaliser un chef d’œuvre simplement en assemblant des morceaux d’œuvres réalisées précédemment. Ce genre d’artistes existe dans tous les domaines de l’art – y compris dans le cinéma. Il y a quelques semaines j’ai vu The Lobster de Yorgos Lanthimos et j’étais en colère après la projection. J’ai eu la sensation que l’on cherchait à me tromper en me montrant un film qui prétend être plus que ce qu’il n’est réellement. Tadeusz Sobolewski – un très bon critique de cinéma polonais – appelle ce genre de film une «contrefaçon de chef d’œuvre ». C’est de cela que parle Lockjaw, de la réalisation de faux chefs d’œuvres.

De quoi parle le premier épisode de Tyci Brat ?

Tyci Brat parle d’une famille issue d’une petite ville et dont le plus jeune membre est aussi le plus riche. Le plus jeune des frères est le troisième vidéo-blogueur le plus populaire du pays. Le point positif, c’est qu’il gagne de l’argent pour toute la famille mais d’un autre côté, cela pose problème en terme de hiérarchie familiale, en particulier face à la fierté d’un père. Le fait que le père se retrouve à emprunter de l’argent à son fils de 14 ans ne favorise pas la bonne ambiance. Comme si cela n’était pas suffisant, le garçon a de plus grandes ambitions. Il veut être le premier vidéo-blogueur du pays, il a donc l’idée de créer une émission de télé-réalité sur sa famille. Il invite chez lui une petite équipe de tournage qui n’a précédemment filmé que des mariages, des bals de promo, des enterrements, etc… Le premier épisode parle d’une « visite d’intégration ». Chaque membre de la famille doit se présenter face au « metteur en scène de leur vie de famille ». Il devient très vite clair que c’est une véritable maison de fous face à une équipe de tournage tout aussi délurée. La visite d’intégration, et donc le premier épisode, se termine en désastre social.

Est-ce différent pour toi d’écrire pour la télévision par rapport au cinéma ? Aimes-tu ça ?

C’est différent d’écrire pour la télévision – il faut être plus clair, plus spécifique et penser constamment aux spectateurs avec une télécommande dans les mains. Au cinéma on peut s’essayer à de longues introductions de personnages par exemple. À la télévision, lorsqu’il s’ennuie ou ne comprend pas quelque chose, le spectateur peut simplement changer de chaîne. Mais en réalité j’aime ça, c’est comme une leçon de discipline pour les scénaristes.

La télévision et l’écran sont comme des leitmotivs dans tes films, car ils apparaissent toujours à l’image ou deviennent même le sujet du film, comme dans Tiwi. Comment expliques-tu cela ?

Je n’avais jamais réalisé que j’avais autant d’écrans de télévision dans mes films. Maintenant que tu le dis je dois bien reconnaître que c’est vrai mais je ne l’explique pas de façon rationnelle. Je n’ai plus d’écran de télévision depuis plusieurs années mais enfant, je la regardais beaucoup. C’est peut-être une sorte de désir inconscient.

Peux-tu nous parler de ton dernier court métrage, Dregs ?

Dregs est une comédie amère sur une diseuse de bonne aventure d’émission télévisée (comme celle-ci : https://www.youtube.com/watch?v=QlLjmJvnevw&app=desktop). Ces émissions sont très populaires aujourd’hui en Pologne. Elles sont diffusées tard dans la nuit et chaque minute d’appel coûte très cher. Quand vous appelez une voyante à la télévision au beau milieu de la nuit et que vous êtes prêt à dépenser beaucoup d’argent pour ça, c’est que cela doit sûrement être votre dernière option et que vous devez être extrêmement désespéré. Les gens y posent des questions très sérieuses concernant des problèmes avec leur époux, leurs enfants qui ont fait une fugue, etc…, et la partie la plus choquante c’est que ces voyantes regardent leurs cartes (ou leur boule de cristal, ou pierres, ou marc de café) et donnent des réponses très précises. Cela m’a choqué car de toute évidence il s’agit d’une arnaque mais le spectateur désespéré fera exactement ce que la voyante lui a dit. C’est une énorme responsabilité que de changer le cours de la vie de quelqu’un de la sorte, surtout lorsqu’il/elle vit un moment aussi important, mais ces voyantes ne semblent absolument pas s’en préoccuper. Je ne veux pas trop spoiler le scénario de Dregs mais il s’agit d’une voyante de télévision qui provoque accidentellement la tentative de suicide d’un de ses clients et qui tente de le retrouver afin de savoir s’il est toujours vivant. Nous terminons actuellement le montage et Dregs sera diffusé en 2017.

As-tu envie de te diriger vers le long-métrage ?

Oui, j’ai même commencé l’écriture d’un scénario de long-métrage mais il est encore trop tôt pour en dire plus. Croisons les doigts !

Propos recueillis par Agathe Demanneville

Articles associés : la critique du film & notre reportage : Kordian Kądziela, le vrai du faux

Pour en savoir plus sur le travail de Kordian Kądziela, consultez son site internet

Primé par notre équipe lors du dernier Festival du court métrage européen de Brest avec son film d’école « Larp », Kordian Kądziela est un jeune réalisateur polonais très prometteur qui n’en est pas à son premier coup d’essai. Avec bientôt cinq courts métrages et quelques clips et publicités à son actif, il semble obnubilé par notre rapport à la télévision et aux médias et utilise avec habilité la confusion entre réalité et fiction : personnages à cheval entre monde réel et imaginaire, absurdité de la télé-réalité, faux-documentaires, sont autant de sujets – et de genres, qui alimentent ses œuvres. Kordian Kądziela est aujourd’hui l’objet de ce focus qui nous permettra de découvrir ses films d’école tels que « Larp », « Tiwi » ou « Lockjaw » mais également d’évoquer ses films à venir. Après le court, la série, et peut-être le long métrage, on lui souhaite en tout cas de continuer sur cette (bonne) lancée !

Agathe Demanneville

Retrouvez dans ce dossier spécial:

– L’interview de Kordian Kądziela

– La critique du film

– Notre reportage : Kordian Kądziela, le vrai du faux

Le 73ème festival de Venise a dévoilé ses lauréats hier. Du côté des courts, deux films ont été primés parmi les 16 titres en lice dans la section Orizzonti.

Palmarès

Meilleur court métrage : La voz perdida de Marcelo Martinessi (Paraguay/Venezuela/Cuba, 11m)

Nomination EFA : Amalimbo de Juan Pablo Libossart (Suède/Estonie, 15m)

À l’occasion de la 22ème édition de l’Étrange Festival, nous avons demandé à Alain Burosse, vice-président du festival et responsable de la programmation courts-métrages de la manifestation, de nous proposer son propre film de la semaine, choisi parmi les 61 courts venus du monde entier et en lice pour le Grand Prix Canal+, ainsi que le Prix du Public. Voici son choix : « The Invitation of Armageddon » de Paul Hough.

Fiction, 15’50, 2016, États-Unis, LoS Productions LLC

Synopsis : Train d’enfer pour sauver le monde en chansons.

Après deux films plutôt violents (« The Backyard » en 2002 et « The Human Race » en 2012), Paul Hough revient au court métrage – on aime ce va-et-vient temporel – et s’ enivre dans les brumes rétrofuturistes du steampunk, genre plutôt rare dans la programmation du festival : en 1888, la League of S.T.E.A.M. (Supernatural and Troublesome Ectoplasmic Apparition Management) reçoit une invitation de l’ Enfer où se prépare l’apocalypse. Embarquée dans un train fantôme, elle part, la fleur au canon à vapeur et la chansonnette aux lèvres, rencontrer le maître du Mal.

La League of S.T.E.A.M. est à l’origine une troupe de théâtre/performance californienne – regroupant un cryptozoologue, un spécialiste en lycanthropie, un expert en sons d’outre-tombe, etc.- dont la mission est de rechercher ou neutraliser des créatures surnaturelles. Une web série en est née (c’est déjà la troisième saison) et ce film en est un épisode spécial.

D’autant plus spécial qu’il est musical, et même en partie chorégraphié – autre originalité de ce film. Costumes wild wild west, armes uchroniques attrape-méchants, lumière soignée, effets spéciaux variés (l’ infernale plongée, par exemple) : Paul Hough nous entraîne dans une comédie qui invite à découvrir les exploits passés et futurs de ces sympathiques chasseurs paranormaux. À suivre sans doute, à toute vapeur…

Alain Burosse

Retrouvez « The Invitation of Armageddon » de Paul Hough dans le cadre du Programme 3 de la compétition de l’Étrange Festival : « Dans quel état j’erre » (mardi 13 septembre 2016 – 22H15 – Salle 100 – Séance réservée à un public de plus de 16 ans).

Super nouvelle ! « Dans les eaux profondes », le très beau film de Sarah Van Den Boom, produit par Papy3d et l’Office National du Film du Canada, présélectionné aux derniers César et programmé il y a près d’un an dans le cadre de nos soirées Format Court, est en ligne depuis quelques jours !

On ne peut que vous recommander de (re)voir le film, de le partager, de vous intéresser au travail de Sarah Van Den Boom (ses autres films sont également visibles sur le net) et de (re)lire nos articles associés : la critique du film et l’interview de la réalisatrice. Enjoy !

Synopsis : Trois personnages ont en commun un vécu intime et secret qui semble déterminer leur vie.

Le festival Côté Court a fêté sa vingt-cinquième édition en juin dernier, à l’intérieur et hors des murs du Ciné 104 de la ville de Pantin qui l’a vu naître et accueillir plusieurs générations de cinéastes et leurs courts-métrages, devenant au fil des années une référence en la matière. En plus de reconduire le programme habituel partagé entre les séances consacrées aux différentes sélections de films (compétition officielle, panorama, rétrospectives…) et les live mêlant concerts et projections (ceux de Barbara Carlotti, du groupe Slip ou encore de Zombie Zombie), cette édition a inauguré une nouvelle série de rencontres sobrement intitulée « Conversations » et qui, comme son nom l’indique, devait réunir et faire dialoguer des réalisateurs appartenant à différentes générations du cinéma français. Une initiative qui, si elle a dû faire face à quelques avaries cette année, confirmait bien la vigueur d’un festival toujours soucieux d’élargir le champ pour mieux libérer la parole, quitte à charger encore un peu plus son programme.

De l’air

Pour inaugurer cette nouvelle édition et introduire ces fameuses « Conversations », un premier film fut projeté lors de la cérémonie d’ouverture : le portrait du cinéaste Paul Vecchiali par Laurent Achard, réalisé dans le cadre de la célèbre série des « Cinéastes de notre temps » dirigée par André S. Labarthe. Le film, intitulé « Un, parfois deux », documente le dernier tournage de Vecchiali au cours duquel le réalisateur tourna simultanément ses deux longs-métrages « C’est l’amour » et « Le Cancre » dans sa villa au Plan-de-la-Tour. Si Achard respecte la commande qui lui est faite en dressant un admirable portrait du cinéaste vieillissant au travail, il s’applique également à faire apparaître un deuxième film dans le creux du premier, en ménageant suffisamment d’espace dans ses cadres composés au cordeau pour qu’une étrange mécanique se révèle. Filmer le temps des répétitions, de la mise en place puis du tournage des scènes devient moins pour Achard le moyen de restituer le processus de fabrication d’un film qu’une occasion de traquer des fantômes, de guetter la matérialisation de ces entités invisibles autour desquelles s’agitent les acteurs et les techniciens. La dernière séquence du film, bâtie sur le suspens de l’apparition de Catherine Deneuve, en est la parfaite illustration : les moments de la mise en place du cadre, de la répétition du texte puis du mouvement de la caméra sans la présence de l’actrice donnent à sentir, lorsque la star apparaît enfin pour jouer sa scène, qu’une présence plus intense, plus forte qu’elle occupe l’espace depuis le début et dirige les regards et les mouvements de chacun. Ce sentiment sera confirmé par cet ultime plan du film, sublime, où Vecchiali enregistre les sons seuls de la scène en faisant refaire les déplacements et les gestes de Deneuve à une jeune assistante, achevant de mettre tout le monde sur un pied d’égalité devant cette force invisible.

L’ironie voulait que, le lendemain de la soirée d’ouverture et de la projection du film, le siège de Laurent Achard demeure vide lors de la rencontre avec Paul Vecchiali qui devait ouvrir la série des « Conversations », la cause avancée par l’intéressé étant une indisposition médicale. On se plaît pourtant à ne deviner dans ce geste démissionnaire qu’un débordement dans le réel de la pensée d’un grand réalisateur qui sait, à l’instar d’un Hang Song-soo, que le cinéma réside littéralement dans l’air, dans ces espaces vides où se manifestent de malicieux fantômes.

Il s’agissait dès lors de chercher parmi les films sélectionnés à Côté Court cette année ceux qui ménageaient suffisamment d’espaces dans leurs cadres et leurs récits pour que le cinéma puisse s’y faire, tranquillement, une place. L’entreprise ne fut pas toujours aisée, au moins au sein de la compétition fiction qui a fait la part belle aux films de meutes, dont les récits faisaient de la dynamique de groupe leur principal (et parfois unique) enjeu de fiction. On pense notamment aux films « La bande à Juliette » d’Aurélien Peyre (découvert et déjà critiqué à l’occasion de la dernière édition du festival de Brive), à « Opium » de Pablo Dury ou encore à « Fanfreluches et idées noires » d’Alexis Langlois. Ces courts-métrages portés par de très jeunes réalisateurs affichaient tous la même envie de débarquer en bande, de s’imposer dans l’écran à plusieurs en remplissant les cadres de corps et de visages juvéniles prêts à s’offrir à la caméra. Des films qui s’avançaient en n’ayant, peu ou prou, que cela a proposer : une jeunesse résolue à se donner en spectacle, ou plutôt à faire spectacle de sa jeunesse, en se livrant au regard des spectateurs sans jamais craindre d’irriter.

« Fanfreluches et idées noires » s’ouvrait pourtant avec l’un des plans les plus saisissants des films de la compétition : on y voit le couloir d’un grand appartement parisien envahi par une foule bigarrée venue du dehors, une multitude de corps de toutes tailles, de tous sexes et de tous genres se bousculant dans le passage étroit et défilant à la queue leu leu avant de disparaître du cadre. La concentration de ces corps dans l’espace produisait un effet d’annonce excitant, en présentant cette faune dans toute son excentricité et en la contenant en même temps, laissant présager d’un feu d’artifice pour la suite du métrage. Mais à l’explosion, le cinéaste préfère la dispersion et prend le parti de filmer un after de soirée en temps réel, balayant rapidement les possibles enjeux de fiction au profit de la restitution d’une sorte de happening. Dès lors, il ne reste plus que de l’épuisement à filmer, celui des corps qui s’étalent et s’entassent les uns sur les autres, du langage progressivement tari et vidé de toute substance, jusqu’aux quelques procédés de mise en scène dont le réalisateur finit par abuser (de longs panoramiques parcourant la masse inerte des corps nus nappés d’une musique synthétique assez redondante). Si Langlois n’exclut pas la dimension mortifère de ses images, de loin la plus intéressante, il ne se résout pas à l’investir totalement et lui préfère celle, nettement plus confortable, de la récréation mi-inquiète mi-je-m’en-foutiste, plus « fanfreluches » qu' »idées noires » en fin de compte.

Le film de Pablo Dury affiche, lui, une ambition plus romanesque de prime abord en suivant une troupe de militaires perdus dans un monde post-apocalyptique obéissant à des règles pour le moins étranges. En effet, les lois qui régissent l’univers d’« Opium » semblent s’ajuster au désir du réalisateur d’éprouver des effets de mises en scène empruntés à droite et à gauche, les multiples énigmes qui jalonnent le récit devenant un prétexte pour ne pas raconter d’histoire et faire baigner les personnages dans une espèce de formol cinéphile. Ainsi, un personnage vaguement désigné comme le héros vit dans sa chambre la romance d’un film de Tsai-Ming Liang à travers de longues scènes d’onanisme contre le mur qui le sépare d’une jeune femme, tandis qu’à l’extérieur le groupe de militaires multiplie les séances d’entraînement en attendant la venue de mystérieux « dragons » (sont-ce ceux de « Game of Thrones » ?). Les citations les plus embarrassantes concernent un autre court-métrage sorti il y a quelques années et dont le retentissement a fini par faire école : le film de Caroline Poggi et Jonathan Vinel « Tant qu’il nous reste des fusils à pompes », auquel Pablo Dury emprunte notamment la séquence de fête sous forme de pogo frénétique et solitaire. Le seul ajout que Dury apporte à cette citation est d’ailleurs assez révélateur de la finalité de sa démarche : des projections de motifs de papier peint sont faites sur les corps des militaires qui se contorsionnent au son d’une musique électro, et terminent de figer ce petit monde dans la tapisserie cinéphile. Gageons que c’est précisément la cinéphilie éclairée du jeune homme et la gourmandise maladroite de sa mise en scène que le jury de Côté Court a salué en lui décernant le Grand Prix de la compétition fiction, et qu’à l’avenir le cinéaste parviendra à trouver sa place à l’intérieur de ses propres films.

À ces court-métrages gorgés de sucre et de références mal digérées, répondaient les propositions d’autres cinéastes qui ont élaboré des films plus nus, dépouillés de tout apparat et qui creusaient leur matière avec une certaine violence. Plusieurs figuraient en compétition, bien sûr, mais il fallait en chercher d’autres dans les sections parallèles comme le Panorama, bien souvent délaissé alors qu’y atterrissent chaque année quelques uns des meilleurs films du festival.

Le film de Soufiane Adel « Vincent V » détonnait sérieusement au milieu des autres courts-métrages de la compétition fiction de part son dispositif minimaliste et singulier, qui voit le cinéaste s’inventer un alter-ego qu’il campe lui-même et dont l’itinéraire se construit au rythme des années (le tournage débuté en 2005 s’est achevé dix ans plus tard) et des transformations du paysage politique de la France. Le film s’ouvre d’ailleurs sur un changement de visage, celui de Vincent qui, après avoir fait défiler sur un écran de télévision une série de portraits d’illustres barbus (Karl Marx côtoie aussi bien Stanley Kubrick que Ben Laden), décide de raser sa propre barbe. Cette scène inaugurale expose le principe autour duquel s’articuleront chacun des épisodes du parcours de Vincent, en faisant reposer l’enjeu de chaque séquence sur une lutte entre le protagoniste et une image à laquelle il se confronte et se doit de réagir à l’intérieur du cadre. Il s’agit de produire une image pour lutter contre celles que la société française fabrique, comme ces hordes d’adolescents qui fêtent la victoire de Sarkozy en 2007 et auxquels Vincent oppose la fixité de son corps en marge du plan qui enregistre leur célébration. D’autres événements politiques sont aussi convoqués à travers les monologues furieux que Vincent profère en pleine rue ou cloîtré entre quatre murs, comme les manifestations contre la loi C.P.E ou encore les émeutes de 2005. À cet instant, la parole ne devient plus seulement le moyen d’exprimer une rage ou une pensée contestataire, elle se transforme en matière qui remplit l’espace et agite l’air à l’intérieur des plans. C’est parce qu’il se rend compte qu’il ne peut en définitive agir que sur cela, sur cet air qui l’entoure à l’intérieur du cadre, que Soufiane Adel finit par inventer une écriture filmique d’une force peu commune, en supprimant progressivement toute possibilité de hors-champ pour comprimer l’air dans les images qu’il fabrique et les mener à l’implosion. De cette irrésolution propre au médium cinématographique, le cinéaste est parvenu à extraire le soufre qu’il lui fallait pour élaborer une véritable bombe.

Présenté parmi les films du Panorama, le « Bachaumont » de Martial Salomon procédait également d’une économie minimaliste pour conter un récit réduit lui aussi à l’essentiel. Le film met en scène une figure solitaire, celle d’un jeune homme campé par Arnaud Gravade, que l’on accompagne une journée durant, de son réveil à l’aube à celui du lendemain. Les quelques pièces de l’appartement parisien qui constituent le décor principal et quasiment unique du film (le protagoniste ne s’en absentera que le temps d’une très brève séquence de rue) circonscrivent un espace-temps particulier, à l’intérieur duquel le récit glissera et ce, dès les premiers plans dans un registre fantastique. À la faveur de plusieurs apparitions de fragments d’un corps étranger dans les plans (des mains qui entrent dans le champ pour s’approcher du corps du protagoniste), une présence fantomatique se manifeste progressivement et raconte, sans qu’aucune parole ne soit prononcée, la survivance d’un amour perdu. Aussi, les apparitions et disparitions du fantôme s’opèrent toujours au moyen d’un raccord entre deux plans, par des changements d’échelles ou d’axes qui découpent l’espace et ouvrent des brèches à l’intérieur desquelles le fantôme peut s’engouffrer. Le fait que Martial Salomon soit également monteur (notamment des films de Pierre Léon et d’Emmanuel Mouret) n’est pas anodin, puisqu’il fait dans ce film du raccord même le lieu d’un rendez-vous impossible entre les anciens amants. Ils devront attendre que la nuit passe et que la lune se fende en deux, figurant ainsi leur séparation irrévocable, pour pouvoir échanger à l’aube un nouveau et peut-être dernier regard apaisé et plein de tendresse. Au fond, ce qui donne à ce seul effet spécial «visible» toute sa force (la séparation progressive de la lune en deux boules lumineuses distinctes), c’est bien le rappel que Martial Salomon fait dans son film de cette donnée essentielle : l’ellipse que fabrique inévitablement tout raccord entre deux plans ne saurait être tout à fait ignorée, et en acceptant sa qualité fondamentale d’artifice, on peut en faire l’effet spécial le plus puissant qui soit.

Marc-Antoine Vaugeois

Fiction, 2011, États-Unis

Le court-métrage « Slow » n’est pas, à proprement parler, un film gay. Et tant mieux. Réalisé par Darius Clark Monroe en 2011, il ne fait pas du désir homophile l’occasion d’une chronique généraliste aux accents tragiques mais plutôt le tremplin d’une critique politique touchant à la condition sociale des afro-américains. Mais peut-être serait-ce là enfermer le film dans une visée qu’il n’a pas. Faisons un pas en arrière en décrivant l’action préliminaire : un homme est dans sa cuisine en train de préparer le dîner. Les tâtonnements qui dirigent ses gestes, la fixité de son visage (souvent filmé de profil) et l’absence de fluidité du regard, nous indiquent que l’homme ne voit pas; il est aveugle. Une tension naît lorsque quelqu’un s’engouffre par la porte d’entrée de l’appartement; sans ménagement, un homme à la musculature saillante s’engouffre dans la cuisine. À partir cette situation de base intrigante, on est en droit d’attendre une suite rugueuse et puissante. Et on ne sera pas déçu.

Huis clos assumé et râpeux, « Slow » filme cette rencontre en tentant de retirer toute l’improbabilité qui aurait pu en émaner. Au contraire, par la radicalité de la mise en scène, investissant des plans longs, laissant aux acteurs la tâche d’exhumer une étrangeté reconnaissable à travers un palpable tension amoureuse, le film invente un espace de réalité et se tourne vers une problématique morale; la question est moins de savoir si les deux hommes vont partager sexuellement leurs sentiments (le film s’ingénie à bafouer ce stéréotype) que de voir ce qui interrompt le lien lui-même. Car si le voyeur (au sens qu’il voit son amant sans que ce dernier ne puisse le faire) se dénude littéralement assez vite, la pudeur de l’aveugle semble le retenir dans l’attente froide du dîner amoureux. Son silence revêt l’aveuglement d’une violence sourde, presque insoutenable. Du fait de ne pas voir découlerait-il ici une résistance existentielle ? Ou plutôt la question est-elle : sa déficience oculaire est-elle respectée par l’amant voyant ? En fait, son aveuglement ne serait-il pas plus clairvoyant que l’élan impulsif, voire compulsif, de l’amant ?

Dépassant le flou érotisant pour montrer la brutalité nette d’une relation bancale, le dialogue physique offert par « Slow » brise ainsi toutes les attentes. Ne tombant pas dans le cliché de la rencontre interéthnique (les deux hommes sont de peau noire), ni dans celui de l’escapade sexuelle à sens unique (ce à quoi « Grindr » voudrait soustraire tout rapport), il dresse le portrait d’une résistance et d’une volonté contre la consommation et la normalité. C’est l’éventualité d’un regard que l’on croit impossible, qui lentement s’élabore à travers l’asymétrie et la frustration, et dont le dernier plan donne une présence épaisse. Une perspective qui interroge. Et qui pose au spectateur une question rarement évoquée : quel est le sens de ce refus sexuel sinon l’étrange signe d’une éthique devenue angoissante ? Que filmer l’homosexualité, au centre de laquelle deux corps se cherchent — et ne se trouvent pas toujours, nous surprenne encore.

Mathieu Lericq

Édité par Qwazar en coproduction avec 8 Mont-Blanc, le aVD « Le Cinéma d’Animation en France » s’intéresse au paysage de l’animation en France à travers une série documentaire de Romain Delerps et Alexandre Hilaire, complétée par 17 court-métrages réunissant autant de jeunes talents que de maîtres établis. Cette sélection pointue des années 60 à nos jours regroupe des cinéastes célèbres comme Jean-François Laguionie, Michel Ocelot ou Florence Miailhe ainsi que de nouveaux créateurs comme Oleshya Shchukina ou Cécile Rousset.

Les films présentés couvrent un demi-siècle d’animation française, juste après la figure majeure du « réalisme poétique » de Paul Grimault jusqu’aux cinéastes contemporains. Regroupant presque la totalité des techniques animées, cette production dresse un panorama général de l’animation française grâce aux films de référence, aux témoignages de créateurs et de producteurs, à leurs méthodes de travail (dessins préparatoires, représentations de personnages et décors, sujets dédiés aux créateurs filmés en pleine action, dessinant, peignant, animant, …), aux écoles et aux studios les plus représentatifs.

La première partie du DVD intitulée « Le Dessin animé après Paul Grimault » se centre d’abord sur la lignée « d’artisans poètes », représentée par les figures majeures comme Émile Reynaud, Paul Grimault et Jean-François Laguionie, pour poursuivre avec « le tournant du siècle ».

La deuxième partie se caractérise par les rencontres avec des studios comme Folimage, Les Armateurs, Prima Linea où chaque représentant défend son savoir-faire et ses principales caractéristiques, comme la liberté artistique, la systématisation des co-productions et la collaboration avec des auteurs reconnus. De plus, la richesse pédagogique et la diversité des écoles comme Les Gobelins, La Poudrière et l’EMCA, réparties sur tout le territoire national, forment aussi un véritable réseau de fabrication de films d’animation à partir d’une formation spécialisée.

Enfin, la troisième partie du documentaire intitulée « Un cinéma de tous les possibles » relate des approches des expressions artistiques différentes telles que la bande dessinée ou le cinéma de genre et traite également de l’évolution des techniques.

En complément du DVD dédié aux documentaires, 17 courts-métrages illustrent des techniques d’animation et d’autonomie créative. Cet abrégé de films d’animation de courte durée invite à explorer les différents domaines d’animation en volume, (marionnettes, pâte à modeler) traditionnelle classique (cut-out ou papier découpé, dessins animés, peinture ou sable sur verre, animation d’épingles), par ordinateur (image de synthèse, généralement sous la forme 3D, mais également 2D avec des logiciels tels que Photoshop).

Les périodes les plus importantes de l’animation cinématographique française du deuxième milieu du XXe et du début du XXI siècle sont représentées notamment par une sélection de iconographique. Ainsi, nous pouvons voir l’intimiste « La Demoiselle et le Violoncelliste » (Grand Prix à Annecy 1965) de Jean-François Laguionie. Le film est considéré comme l’un des premiers courts-métrages d’animation d’auteur faits dans la lignée de Paul Grimault, qui a détonné par son univers poétique très personnel. Réalisé en papier découpé au style naïf, ce film est un chef d’œuvre. Un violoncelliste provoque accidentellement une tempête en mer, faisant glisser une jeune fille qui pêche sur la rive. Pour essayer de la sauver, il se retrouve à combattre une série de créatures marines. Bien que l’animation puisse apparaître comme un peu lente par rapport aux normes hollywoodiennes d’aujourd’hui, les scènes de vagues et la résistance de la demoiselle et le violoncelliste sont très puissantes, faisant appel à un graphisme inspiré des œuvres de Matisse.

Développé avec la même technique, le court-métrage, « Le Vélo de l’Éléphant » de la cinéaste russe Oleshya Shchukina, a été produit par le vétéran studio Folimage. L’histoire est celle d’un éléphant urbain qui travaille comme balayeur. Un jour, il voit le panneau d’affichage vantant les mérites d’une petite « reine » (vélo) et fournit de nombreux efforts pour l’obtenir. Le film s’intéresse aux tentations de la société de consommation grâce à une histoire amusante et un message frappant. Une stimulante production destinée en priorité aux enfants.

D’autres courants d’animation sont aussi compilés dans ce DVD, comme le documentaire animé « Paul » de Cécile Rousset produit par Les Films Sauvages. Il s’agit de la biographie du propre voisin de la réalisatrice, un vieil homme de 83 ans qu’elle a enregistré, racontant sa vie avec des dessins animés esquissés qui conservent l’irrégularité du croquis et des images de prise de vue réelle en noir et blanc qui composent le portrait raconté à la première personne. On y voit une relation de camaraderie avec ce personnage, qui interpelle lui-même le spectateur. Dans ces histoires du passé et du présent qui se mélangent, ce qui se reflète est le quotidien, l’anecdotique, la proximité et la complicité entre la réalisatrice et son voisin.

En jouant également avec les dessins animés, ayant une esthétique plus achevée, on trouve également « Monstre Sacré » de Jean-Claude Rozec (réalisateur de « Cul de bouteille » et « La Maison de poussière »), produit par JPL Films. Ce court-métrage raconte comment un dragon inoffensif accidentellement né dans un nid de canards, devient à contre-cœur une super vedette Hollywood. Une comédie douce amère montrant l’ascension sociale et la tromperie des apparences.

Quant à la peinture animée sur plaque de verre rétroéclairée, où l’image est modifiée en s’aidant des mains pour étaler les couleurs, on distingue « Shéhérazade » de Florence Miailhe, coécrit avec Marie Desplechin. Dans cette œuvre, Shéhérazade  » est une narratrice d’histoires qui captive son mari par la parole, en étant une voix off féminine qui illustre le récit. Ce court-métrage d’animation conçu comme un tout chorégraphique de la peinture, du pastel et du sable animés sous la caméra, utilise un graphisme très sensuel et une animation de transformation du corps des plus intéressantes.

À destination des enfants, le film en pâte à modeler « Le Petit Cirque de Toutes les Couleurs » réalisé par Jacques-Rémy Girerd est un conte d’atmosphère onirique. Animé dans une station de métro, il laisse entrevoir un message pacifiste dans un style enfantin bien mené.

Autre technique en volume présentée, celle de l’écran d’épingles, à savoir un tableau blanc percé de milliers de trous dans lesquels coulissent autant d’épingles. La technique brevetée par les cinéastes Alexandre Alexeieff et Claire Parker a permis de nombreux essais expérimentaux et recherches graphiques, à l’image du « Cadavre Exquis » présenté dans ce DVD, par divers artistes sous la direction de Michèle Lemieux, avec le soutien du CNC.

Toujours autour de l’animation en volume, on retrouve la dynamique du court-métrage numérique 3D avec « Le Petit Dragon » de Bruno Colet, empruntant des références à Bruce Lee, Robert Clouse et Lou Wei, qui contraste avec la délicate animation de marionnettes « La Femme Papillon » de Virginie Bourdin et le chamanique « Le Printemps » de Jérôme Boulbès, basé sur la chorégraphie de Nicolas Vladyslav autour d’une cérémonie de masques pour célébrer l’arrivée du printemps.

Enfin « Vasco » de Sébastien Laudenbach (qui vient de réaliser son première long-métrage « La Jeune Fille sans Mains » brossé en pinceaux) utilise la technique du sable sur verre pour la première fois. Le film raconte l’histoire d’un homme qui rêve de s’échapper vers un horizon qui le fascine. Cependant, ses perspectives sont contrecarrées par une femme très attirante qui le retient. Une pièce minimaliste et organique qui tend des liens avec la métaphysique.

Pour finir cette série de courts-métrages, on retrouve l’exquis film de silhouettes en noir sur fond transparent « La Belle fille et le Sorcier » de Michel Ocelot, dans lequel un magicien montre ses pouvoirs magiques à un jeune villageois en le transformant en une belle princesse. Une fable sur l’importance accordée à l’apparence physique grâce aux magnifiques jeux d’ombres chinois, comme l’avait déjà proposé la réalisatrice allemande Lotte Reiniger auparavant (« Les Aventures du prince Ahmed », « Hansel and Gretel », …)

Avec son documentaire en trois parties et ses 17 courts en bonus, « Le Cinéma d’animation en France » s’intéresse aux grands noms et aux titres de référence du secteur de l’animation nationale, du plus traditionnel au plus innovateur. À noter cependant qu’il s’exprime un peu trop brièvement sur la qualité et de la diversité de cet “art total” qu’est le septième art bis et que l’échantillon de courts-métrages est considéré non comme une partie substantielle de ce pack DVD, mais comme un complément de la série documentaire. Les courts, proposés comme bonus, sont regroupés par techniques et ne proposent pas un témoignage suffisamment fort d’esthétiques et de plastiques possibles, ce qui est malheureusement regrettable.

Adriana Navarro Álvarez

Le Cinéma d’Animation en France (2 DVD) : série documentaires en trois volets + 17 courts métrages ! : Édition Doriane Films

Pour sa 11ème édition parrainée par Reda Kateb, le festival Cinébanlieue lance son nouvel appel à films. Âgés entre 18 et 35 ans, vous avez réalisé entre 2014 et 2016 un film d’une durée maximum de 30 minutes ? Soumettez-le au festival avant le 8 septembre 2016 !

Inscription et infos sur le site du festival : http://www.cinebanlieue.org/festival/actualite

Afrique Tenga Zamasdo (Rêve d’Afrique) de Seb Houis, Burkina Faso, 2011, expérimental, 3′

Ce film très court a été réalisé par Seb Houis en moins de 72 heures lors du premier Kino Kabaret du Burkina Faso, en 2011. Créé à Montréal en 1999, Kino est un mouvement de cinéastes et de vidéastes basé sur le principe de création spontanée et de liberté. Le Kino Kabaret est un événement qui réunit des réalisateurs du monde entier pour produire des courts métrages dans un délai court (allant de 24h à quelques jours).

Ici, Seb Houis nous fait partager son rêve africain, et nous emmène dans une déambulation chaotique, dans les rues d’un village Burkinabé. Dans une tentative de recréer les visions qui s’accumulent au cours du rêve, « Afrique Tenga Zamasdo » est une errance poétique où la terre est un élément qui fait office de fil rouge, au plus proche du sol et des matériaux qui le composent. Sable, terre et asphalte brûlés par le soleil sont frôlés de si près qu’on en ressent la chaleur et la rugosité. La caméra vagabonde de personnages errants, criants, dansant, à d’autres figures et parties du corps qui deviennent de plus en plus claires : nous sommes bien en Afrique, au cœur d’un voyage fait de rencontres inattendues et d’expériences sensorielles nouvelles.

Le touché et l’ouïe y ont une place de choix : tel un poème, le rêve nous est conté en langue moré tandis que peu à peu la musique de Tumi & the Volume, groupe d’Afrique du Sud, se fait entendre. « La Tête savante », c’est ainsi que s’appelle le morceau qui accompagne ce « Rêve d’Afrique », puisque comme l’illustre cette vidéo, nos rêves se nourrissent d’un savoir que parfois seul l’inconscient peut révéler.

Spécialiste de la « raw video », c’est à dire des images brutes sans montage, Seb Houis a réalisé de nombreux clips et vidéo de voyages. « Afrique Tenga Zamasdo » est un condensé de ces deux formats et nous amène à nous demander comment transcrire nos rêves en images réelles. Pour en savoir plus sur son travail : seb-houis.squarespace.com.

Agathe Demanneville

Achevé il y a quelques jours, le festival de Locarno a primé bon nombre de jeunes réalisateurs en compétition internationale : Ralitza Petrova a obtenu le Pardino d’Or, Radu Jude a glané le Prix Spécial du Jury et João Pedro Rodrigues celui du meilleur réalisateur. Du côté de la compétition « Cinéastes du Présent », Eduardo Williams a reçu le Pardo d’or, Yuri Ancarani a remporté le Prix Spécial du Jury, Mariko Tetsuya, celui du meilleur réalisateur émergent, Kiro Russo, une mention spéciale et Maud Alpi, celui du Swatch Art Peace Hotel. Bonne nouvelle : tous ont fait leurs armes en court-métrage et bon nombre d’entre eux ont été repérés par notre équipe !

Locarno se distingue toutefois par sa compétition très sélect de courts-métrages nommée « Pardi di domani ». Le palmarès de cette année a révélé de nouveaux auteurs du côté de la compétition internationale et nationale (suisse).  Des auteurs à suivre à Locarno ou ailleurs !

Compétition internationale

Pardino d’or, Nomination pour les European Film Awards : L’Immense retour de Manon Coubia, Belgique, France

Pardino d’argent : Cilaos de Camilo Restrepo, France

Premio Film und Video Untertitelung : Valparaiso de Carlo Sironi, Italie

Mention spéciale : Non Castus de Andrea Castillo, Chili

Compétition nationale (suisse)

Pardino d’or : Die Brücke über den Fluss de Jadwiga Kowalska

Pardino d’argent : Genesis de Lucien Monot

Best Swiss Newcomer Award : La Sève de Manon Goupil

Le festival CourtsCourts, 7ème du nom, ayant eu lieu fin juillet dans le charmant village de Tourtour, a dévoilé son palmarès. Le voici, avec en  bonus, le Premier Prix, également lauréat du Prix du Jury au dernier Festival de Clermont-Ferrand.

Malon d’or du Jury : La baignoire (Die Badewanne) de Tim Ellrich, Allemagne, 2016

Malon d’argent du Jury : La nuit tous les chats sont roses, de Guillaume Renusson, France, 2015

Malon d’or du Public : Première séance, de Jonathan Borgel, France, 2016

Malon d’argent du Public : French touch , de Xiaoxing Cheng, France/Chine, 2015

Malon d’or des Pichoun : La rentrée des classes, de Vincent Patar et Stéphane Aubier, France/Suisse, 2016

Malon d’argent des Pichoun : Celui qui domptait les nuages, de Nicolas Bianco-Levrin, France , 2015

Kordian Kądziela, le réalisateur-scénariste, primé par Format Court avec son Larp à la trentième édition du festival du film court de Brest, instille chez le spectateur d’abord, et chez ses personnages ensuite, un doute entre le vrai et le faux. Pour ce faire il a su créer un concept innovant : « la comédie Mockumentaire », il s’agit d’utiliser les caractéristiques propres au documentaire pour raconter des histoires entièrement fictionnelles. Il s’efforce ainsi, de chambouler le régime de croyances qui conditionne notre capacité à recevoir une œuvre cinématographique.

Son dernier film Lockjaw reste la meilleure illustration de ce concept. Ce faux documentaire donne l’impression d’un vrai – les acteurs qui s’adressent à la caméra, l’absence de filtres cinématographiques (du moins dans la majeure partie du film) et l’apparition de l’équipe du tournage à l’écran – et nous plonge dans l’univers artistique de trois individus, Igor, Baton et Laura qui rêvent de conquérir le monde de l’art. Ils se préparent nuit et jour pour le festival de performance artistique Prowokalia. Comme son nom l’indique, ce festival – qui n’existe en réalité que dans l’imagination du cinéaste – promeut la performance artistique sous sa forme la plus scandaleuse. Lorsque Baton, partisan de l’art qui fait scandale sans nécessairement faire sens, expose, fier, à Igor – l’intellectuel – sa toute dernière trouvaille (un homme à moitié nu, qui s’enveloppe la tête dans un ballon géant), l’incompréhension d’Igor au même titre que celle du spectateur est palpable. Ainsi cette façon authentique de filmer cette fiction permet au réalisateur de mettre le doigt sur une tendance parfois dommageable de toute une génération de nouveaux artistes (et cela vaut pour le cinéma aussi) qui choisit cette forme d’art dit « art-performance » comme zone de confort. À bien lire les images du film, il semblerait que l’idée d’un art ayant pour objectif d’être scandaleux voire bizarre pour atteindre à une efficacité ne suffit peut-être pas à produire un chef d’œuvre.

Cette difficulté à démêler le vrai du faux est également présente dans ses autres films. Il s’incarne à l’intérieur même des personnages que crée le réalisateur. Prenons Tiwi (en français : TV) qui raconte l’histoire d’un couple d’âge mur menant une vie plus qu’oisive, littéralement scotché à cet écran de télévision jusqu’au jour où l’appareil se met à bugger pour ne plus fonctionner du tout. Le vrai : leur foyer, leur relation qui brasse des souvenirs de longues dates. Le faux : Leur télévision. L’imbrication des deux éléments donne lieu à des personnages qui ne sont plus qu’aliénés. Esseulés et enfermés dans les quatre murs d’une maison perdue dans la campagne, le rythme de leurs journées se confond à celui des programmes télévisés. Quand la TV dort, le couple aussi. C’est donc la télévision, constitutif d’un univers factice qui souligne l’éloignement des protagonistes. Et même si le film propose des retrouvailles touchantes du couple, il n’en reste pas moins que la critique est faite : l’existence des individus est aujourd’hui fortement opprimée par une instance qui se veut réelle, mais n’est que virtuelle et semble agir comme une vérité absolue.

Avec Larp, son film de fin d’études, Kordian Kądziela relate la vie de Serguisz, un adolescent timide et incompris. Sa passion, le Live Action Role Playing, ne faisant pas l’unanimité auprès de sa famille témoigne de son imagination débordante. Mais cette activité, qui désigne à l’écran l’espace restreint que lui réservent ses proches, lui vaut également un rejet marqué de leur part. Comme acculé dans ses retranchements, il est toujours placé au centre de ce rectangle familial, lieu de supplice où railleries, regards gênés et honteux lui sont, hostilement, prodigués. Par conséquent le jeune homme ne se sent pas vraiment appartenir à cette famille et préfère croire à un ailleurs médiéval, à un ailleurs enchanté. Là, il se forme alors chez l’adolescent l’impression de recevoir un attachement, certes, illusoire mais vif de la part de ses compagnons de jeu. Enfermé dans ce monde imaginaire, Serguisz semble cultiver un rapport faussé du réel. En effet, après avoir délivré Helena des bras d’un goujat lors d’une partie de larp, le garçon tente de reproduire son geste héroïque dans sa « vraie vie ». Dans un restaurant à Kebab où tout paraît bien plus rude et féroce, un homme en colère apparaît et commande à manger. Sa vulgarité et ses gestes impulsifs sont alors la preuve d’une réaction bien moins calculée que celle du goujat dans la partie de larp, se rapprochant un peu plus d’un comportement humain. Nous sommes face à une agression dont l’authenticité paraît tout à fait probable. Et pourtant, cette dernière réplique du jeune homme, « Easy mama, it’s just artificial blood, used for the game, don’t worry », a en elle une puissance ironique qui dévoile au spectateur l’artificialité des jeux de rôles mais plus encore, celle du cinéma.

C’est peut-être dans son second film professionnel Muka que Kordian Kądziela s’emploie le plus à faire resurgir le vrai du faux. À travers la vie terne et solitaire de Joseph, le réalisateur nous expose l’absurde dans ce qu’il a de plus édifiant. Accusé à tort, son père lui réclame la preuve de son innocence. Mais trouver un ‘certificat d’innocence’ relève de l’impossible. Cette histoire inspirée de l’œuvre de Kafka Le Procès peut se lire comme une parabole d’une existence dépourvue de toute liberté. Joseph est au même titre que son hamster, en cage. Là encore, on tient pour vrai, ce qui reste infondé, et par conséquent, faux. Sans avoir été jugé, il est d’emblée considéré comme coupable. Les deux hommes aux costumes gris, qui ne sont pas sans rappeler les duos de détectives inhérents aux nombreuses séries policières américaines, semblent porter l’autorité de cette décision. En réalité ils ne sont que des pions lâchés sur le terrain, chargés de maintenir l’ordre auprès de la population et si cette mission suggère l’oppression et l’exécution d’une logique de terreur, qu’il en soit ainsi. Derrière les deux hommes, se cachent peut-être des instances supérieures, qui tout en ayant une emprise sur l’ensemble de la société, semblent pourtant invisibles dans le film. Nous pensons ici, d’abord aux instances judiciaires et au-delà, au gouvernement, faiseur de lois. Avec Muka, c’est une sensibilité existentialiste prégnante que nous ressentons.

Le jeune réalisateur diplômé de la faculté Krzytsztof Kielowski de radio et de télévision à l’université de Silesia en Katowice, perpétue ce cinéma de l’inquiétude morale caractéristique d’un des courants majeur du cinéma polonais en y affirmant son statut d’artiste décadent. De la réalisation de clips vidéo tels que Monkey, Monkey du groupe Slutocasters, à celle de spots publicitaires minimes (que l’on peut retrouver sur son site web), Kądziela déploie son savoir-faire dans divers exercices ayant attraits à l’audiovisuel. Mais c’est surtout par ses films d’une substance philosophique forte qu’il marque. Ces œuvres sonnent alors comme des critiques fabuleuses où l’absurde éveille le rire et où l’impuissance de ses personnages face à l’oppression de leur entourage éveille la compassion. Il pose, dès lors, son regard averti sur l’individu dans son rapport aux autres. Et comme disait Sartre dans son Huit Clos : « L’enfer, c’est les autres ».

Marie Winnele Veyret

Articles associés : la critique de Larp & l’interview de Kordian Kadziela

Rechercher sur Internet des courts-métrages réalisés par des artistes plasticiens ne permet pas souvent d’en trouver d’aussi faciles accès. Francis Alÿs, artiste belge expatrié au Mexique depuis plusieurs années, en a une opinion différente. Exposé notamment à la Tate Modern à Londres ou encore au Centre Pompidou à Paris, il laisse ses vidéos visualisables en ligne et disponibles en Creative Commons. Pratique qui en dit long sur sa vision du cinéma, proposition volontariste d’obtenir une portée aussi large que possible.

Reel Unreel (2011) de Francis Alÿs. En collaboration avec Julien Devaux et Ajmal Maiwandi. Vidéo, 20 min. Une production du Musée Jenisch Vevey (Suisse)

« Reel Unreel » évoque autant d’allégories que de vérités sur une situation chaotique en Afghanistan. Francis Alÿs rappelle par bribes, une situation, un état. Un fil rouge, incarné par la bobine de film (reel), à travers la capitale de l’Afghanistan qui nous questionne sur ce qu’est le « réel » et « l’irréel » !

Personne ne songe à arrêter ces enfants traversant la ville via des rues parfois délabrées. Quelques curieux par-ci par-là regardent le déroulement du film. Et c’est par celui-ci que l’on découvre la vie, les habitants, les hélicoptères tournoyant, les soldats, le marché de la ville, une roulotte et ses chevaux, une djellaba, des cyclistes, un 4×4 ou encore la police. Comme un visionnage abstrait, une non projection de cette pellicule. C’est une projection de l’état d’un Etat, C’est le « réel » qui est ici présent. La guerre est là, les rues sont sales et la poussière est vivace.

Lorsqu’un brûlot enflamme une partie de la pellicule, les enfants continuent sur leur lancée, et l’on ne peut s’empêcher de penser aux talibans qui brûlèrent, en 2001, les films de la Cinémathèque de Kaboul et qui déclenchèrent un incendie de 2 semaines. Ce passage marque une rupture dans le processus d’enroulage et de déroulage du film. Commence alors dans notre regard de spectateur l’ « unreel », et toutes ses métaphores qui nous viennent alors, les allégories à cette guerre. La vie qui se déroule sous nos yeux est un film implicite. Le film est brûlé, mais il continue de tourner dans sa bobine (reel en anglais). L’unreel, c’est tout ceci, tout ce qui est évoqué en arrière, d’une manière abstraite et que l’on comprend.

Kaboul est une salle de cinéma dans lequel le spectateur, par la course de ces enfants, regardent la vie se dérouler. La bobine de film est métaphore de la vie, la vie est métaphore du film.

Clément Beraud

Après plus de 4 ans de programmation en salle, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème), Format Court inaugure, dès le jeudi 13 octobre 2016, un tout nouveau cycle de séances.

Nouvelle formule, nouveaux partenariats, nouvelles cartes blanches, nouveaux réalisateurs invités (notamment de l’étranger), nouvelles expos et pots associés : retrouvez nos événements de la rentrée dans les prochaines semaines.

« Feest » de Paul Verhoeven

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La conférence de presse de la 73ème Biennale de Venise (31 août-10 septembre 2016) s’est tenue hier à Rome. 16 courts-métrages, figurant dans la section Orizzonti, ont été retenus par le sélectionneur Enrico Vannucci. 14 films sont en compétition (dont « Ce qui nous éloigne », le nouveau court de Hu Weï, avec Isabelle Huppert) et 2 en hors-compétition.

Films en compétition

Le reste est l’oeuvre de l’homme de Doria Achour (France/Tunisie, 14m)

Dadyaa de Bibhusan Basnet, Pooja Gurung (Népal/France, 17m)

Stanza 52 de Maurizio Braucci (Italie, 13m)

Samedi Cinema de Mamadou Dia (Sénégal, 11m)

Colombi de Luca Ferri (Italie, 20m)

On the origin of fear de Bayu Prihantoro Filemon (Indonésie, 12m)

Good News de Giovanni Fumu (Corée du sud/Italie, 17m)

Ruah de Flurin Giger (Suisse, 18m)

Ce qui nous éloigne de Hu Weï (France, 18m)

Srecno, Orlo! de Sara Kern (Slovénie/Croatie/Autriche, 14m)

Amalimbo de Juan Pablo Libossart (Suisse/Estonie, 15m)

La voz perdida de Marcelo Martinessi (Paraguay/Venezuela/Cuba, 11m)

500.000 Pee de Chai Siris (Thaïlande, 15m)

Prima Noapte de Andrei Tănase (Roumanie/Allemagne, 17m)

Hors compétition

Molly Bloom de Chiara Caselli (Italie, 20m)

Midwinter de Jake Mahaffy (USA/Nouvelle-Zélande, 17m)

Fiche technique

Synopsis : Dérogeant à ses habitudes, Asgeir, accepte la présence de Woré, une jeune femme africaine, à bord de son camion. Réunis le temps d’une journée sur les routes d’Islande, ces deux êtres enfermés dans leur solitude vont découvrir, malgré eux, une part de l’autre mais aussi d’eux-mêmes.

Genre : Fiction

Durée : 12′

Pays : Belgique

Année : 2014

Réalisation : Monique Marnette, Caroline D’Hondt

Scénario : Monique Marnette, Caroline D’Hondt

Image : Léo Lefèvre

Montage : Damien Keyeux

Interprétation : Ingvar Eggert Sigurðsson, Babetida Sadjo

Production : Man’s Films Productions

Article associé : la critique du film

Prix du meilleur court métrage au FIFF (Namur) en 2015 et présenté au Court en dit long à Paris cette année, « The Hidden Part » de Monique Marnette et Caroline d’Hondt est en quelque sorte un road-movie détourné, un portrait subtil et réflexif de l’exil et de la solitude.

Le film présente la rencontre entre Asgeir, un camionneur taciturne et solitaire, et Woré, une autostoppeuse africaine menacée de déportation, sur fond de paysages islandais désertiques. Au fil de leurs pérégrinations, un lien de confiance se noue entre les deux personnages, apparemment diamétralement opposés mais réunis dans leur fragilité.

Faisant fi de toute exposition explicite des événements antérieurs ou de la très probable suite romantique de l’aventure racontée, les réalisatrices privilégient le ressenti des émotions à un récit basé dans l’action. Elles prennent le temps de poser les personnages dans les situations, de laisser se déployer les scènes de confrontation, de reconnaissance et de connivence. Le sentiment du vide, au sens propre comme figuré, est appuyé par la poésie du décor : des paysages polaires majestueux qui sont en quelque sorte un personnage à part entière.

C’est entre cette nature ample, généreuse, englobante, et le huis-clos du véhicule restreint d’Asgeir que la mise en scène vacille, symbolisant la double sensation d’enfermement et d’errance vécues par les protagonistes. Les cinéastes usent habilement du cadrage pour bien diviser à l’écran les deux individus, destinés à appartenir à deux mondes distincts malgré leurs tentatives de rapprochement.

S’ajoute à cela un jeu d’acteur remarquable, autant de la part de l’Islandais Ingvar Eggert Sigurðsson – vu dans « Sparrows », le deuxième long-métrage de Rúnar Rúnarsson, que la comédienne belge Babetida Sadjo, qui parviennent tous deux à s’exprimer parfaitement à l’aide d’une gestuelle et d’un jeu de regards maîtrisés, permettant ainsi un scénario quasiment épuré de dialogues superflus. Somme toute, c’est cette part cachée des relations humaines – que le cinéma n’a nullement besoin d’expliciter – que Monique Marnette et Caroline d’Hondt font si bien ressentir dans ce film touchant et éloquent par son silence.

Adi Chesson

Consultez la fiche technique du film

« Hotaru », le film de William Laboury produit par la Fémis, est en ligne depuis quelques jours sur le site d’Arte +7. Le film, à découvrir en ligne jusqu’au 31 juillet 2016, a été programmé par la chaîne dans une émission spéciale Court-Circuit consacrée à la science-fiction.

Lauréat cette année du Prix spécial du Jury à Clermont-Ferrand et du Prix des étudiants et de la création musicale à Angers, le film a fait l’objet d’une critique publiée sur Format Court au moment de sa sélection au Festival IndieLisboa, en mai dernier. L’occasion de découvrir ce film étonnant, si vous ne l’avez pas vu, et d’en (re)lire notre regard critique en ligne.

Synopsis : Ils m’ont dit : « Tu as un don, Martha. Ici, ce don ne te sert à rien. Alors on te montrera les plus belles choses. Tu ne te réveilleras jamais. Mais tu porteras les souvenirs les plus précieux. »