Synopsis : Hannah est une petite fille sourde et muette, pourtant un jour elle est persuadée d’entendre un bruit dans un parc. Sa mère ne la croit pas et la petite fille devient vite mutique et solitaire, désormais persuadée que le parc veut lui communiquer quelque chose.
Le Festival Européen du Film Court de Brest, organisé par l’association Côte Ouest, s’est achevé le 16 novembre dernier. L’équipe de Format Court y était présente et a pu profiter pendant quelques jours d’un festival parmi les plus exigeants et les plus ouverts. Avec plus de 200 films projetés, représentant une trentaine de pays, le festival a enregistré pas loin de 30.000 entrées, avec 300 professionnels invités et une équipe de 200 bénévoles. Des chiffres vertigineux pour une ambiance toujours conviviale !
Cette ambiance est rendue possible tout d’abord par une équipe attentive et accueillante formée, entre autre, pour ne citer qu’eux, de Fabienne Wipf à la direction et de Massimiliano Nardulli à la programmation. Le Quartz, centre culturel de Brest, occupé par le festival pendant six jours, accueille les festivaliers dans une décoration entièrement refaite pour l’occasion.
La cérémonie de clôture festive, suivie d’un lâcher de ballons dorés dans la grande salle et d’un combat de programmateurs (deux programmateurs de festivals se sont affrontés à coups de courts-métrages et ont été départagés à l’applaudimètre) ont conclu ce festival riche en souvenirs d’une manière originale et réjouissante.
Les trois compétitions de films courts
Cette année encore, le festival de Brest a programmé plus de soixante films en compétition, répartis en trois groupes distincts. L’impérissable compétition européenne a proposé 40 films éclectiques représentant presque tous les pays d’Europe, la compétition française, active depuis trois éditions, a présenté 16 premiers films ou films d’école et 9 films expérimentaux ont été exposés dans la toute fraiche compétition OVNI, créée l’année dernière.
Pour la troisième année consécutive, notre équipe a attribué un prix au meilleur court métrage de la compétition européenne. Le jury a longuement débattu autour des films, toujours aussi habiles et novateurs. Les coups de cœur de chacun des membres du jury se sont portés vers des courts assez différents allant de « Discipline » de Christophe M.Saber, comédie satirique sur les débordements des comportements humains à « Stella Maris » de Giacomo Abbruzzese, adaptation onirique d’une vieille légende italienne en passant par « Habana » d’Edouard Salier, film d’anticipation sombre en période de guerre civile à La Havane (un des six films représentant la France dans cette compétition européenne) en passant par « Arena » de Martin Rath, film initiatique situé au fin fond d’un forêt polonaise, ou encore « I’ve been a Sweeper » de Ciarán Dooley, film poétique sur un vieil homme revenant sur sa vie passée lors sa dernière journée sur terre. Mais notre dévolu s’est jeté sur « Nashorn im galopp » d’Erik Schmitt, seul film ayant remporté l’unanimité, nous ayant touché par sa créativité, sa poésie, son rythme et son humour. Après « Prematur » de Gunhild Enger en 2012 et « Misterio » de Chema García Ibarra en 2013, le lauréat bénéficiera d’un dossier en ligne, d’une projection de son film au Studio des Ursulines (Paris, 5ème) et d’un DCP de son prochain film grâce à notre récent partenariat avec le laboratoire Média Solution.
Pour ce qui est de la compétition française, notre préférence est allée au film de Martin Razy, « Sans les gants » qui évoque le passage de l’enfance à l’âge adulte d’un jeune boxeur. Nous avions aussi repéré parmi cette sélection nationale des films originaux comme « Mona », film d’école d’Alexis Barbosa, mettant en scène des robots humanoïdes impliquant un travail presque chorégraphique autour du corps des actrices, ou encore « 15 francs, des fleurs et une culotte », film poétique sur la perte de mémoire dû à la vieillesse et « C’est le ciel qui vous envoie », légère comédie de Pierre Aboujaoude illustrant la rencontre imprévue entre un jeune paysagiste transformé en curé en prévision d’une soirée déguisée et un homme mourant, impeccablement interprété par Michel Galabru.
Le Festival du Film Court de Brest est aussi l’occasion de présenter des courts-métrages qui ne rentrent pas « dans les cases ». Depuis 2013, les inclassables du festival trouvent leurs places dans la compétition OVNI (Objets Vidéos Non Identifiés), auparavant présentés dans la sélection « Cocotte Minute », une façon de rappeler que le monde de l’imagination est sans frontières et que les extravagances ont encore leur chance dans le décor cinématographique.
Philosophiques, oniriques ou fantasmagoriques, les courts-métrages de la sélection OVNI ont un point commun, la singularité. Apartés délirantes, portraits loufoques, récits engagés ou métaphores surréalistes, les films de la sélection OVNI sont autant d’offrandes pour tous les curieux qui désirent s’évader, apprécier de nouvelles formes narratives et de nouvelles esthétiques.
Cette année, cette sélection comptait 9 courts-métrages de fiction, tous orientés vers une analyse comportementale et/ou psychologique des êtres humains. Les thématiques respectivement traitées dans chacun des films, ont fait apparaitre deux types de trames narratives : les courts-métrages « fictionnels », davantage portés sur la mise en scène d’individus en quête de savoirs (« Fracas » de Kévin Noguès), d’accès à l’extase sexuel (« Prehistoric Cabaret » de Bertrand Mandico), de relations interpersonnelles (« Balança » de Rui Falcao, « 30 minutes par jour » de Samuel Lampaert) ou encore d’identité (« Mona Blonde » de Grazia Tricarico, « Tiny Love » de Victor Vroegindeweij ). De ces fictions, ce sont distingués les courts-métrages « portraits » au sein desquels le spectateur assiste davantage à des scènes de vie comme « suspendues », hors du temps (« Ja Vi Elsker » de Hallvar Witzo, « Proavlio » de Rinio Dragasaki, « La Pasión de Judas » de David Pantaleón).
Les programmes Brest off
Projetés depuis plus de 20 ans, les programmes Brest off sont attendus aussi bien par le public que par les professionnels. Cette 29ème édition a proposé 25 films répartis en 5 programmes. L’idée de ces programmes est de faire la part belle à des films courts rarement vus en festival. Ces films de genre sont en « off » du circuit des festivals généralistes et ne sont montrés généralement que dans les festivals spécialisés.
Cette année, ce fut l’occasion de voir des films d’horreur, des films d’amour, des polars, des films historiques et des films de science-fiction. Nous détaillerons ici le programme « Drôles de frissons », qui nous a plus particulièrement interpellé.
Avec cette projection programmée en soirée, les spectateurs sont venus, tout excités, pour avoir peur. Le début de séance était accompagné de cris et d’applaudissements. Chacun se mettait déjà en condition, se nouant le ventre et attrapant la main de son voisin avant même les premières images des films, faisant ainsi monter progressivement l’ambiance. Avec sept films, les thèmes principaux du genre ont été abordés et les attentes des spectateurs comblées.
Sous une belle esthétique noir et blanc jouant sur les clairs-obscurs, « Ferdinand Knapp » d’Andrea Baldini traite du sujet profond et angoissant de la schizophrénie, cher aux films d’épouvante, en mettant en scène un acteur perdu entre toutes ses facettes. L’interprétation de Dominique Pinon dans le rôle d’un homme rendu fou est remarquable, avec un coup de cœur pour une scène en particulier où son personnage semblant totalement ivre, monte sur une scène pour récupérer son prix et insulte le public avant de s’écrouler en coulisse.
La maladie contagieuse est souvent un point de départ aux films d’horreur. Déjà repéré à Court Métrange, « Cólera » d’Aritz Moreno, est un plan-séquence audacieux de 6 minutes en extérieur dans un décor surréaliste avec beaucoup de personnages et de rebondissements. Il montre le rejet d’un homme malade, pustuleux et contagieux, par la société.
Puisqu’un programme sur les films d’horreur sans fantômes ou morts-vivants aurait été incomplet à Brest, ceux-ci sont présents dans trois films programmés. Dans « Breathe » de Toby Meakins, nous retiendrons le procédé utilisé pour représenter le fantôme lié au souffle de deux garçons le faisant apparaître et disparaître comme de la poussière qui s’envolerait. La respiration étant la chose la plus difficile à gérer et contrôler, ce film est une belle métaphore de la mort impossible à contrôler mais aussi de l’admiration que l’on peut lui porter car elle y est représentée par une belle jeune fille sexuellement attirante.
« A vif » de Guillaume Foresti est un film mélancolique sur le deuil. Il nous montre un homme qui ne veut pas réaliser que sa compagne est décédée. Il partage alors sa vie avec un fantôme qui lui semble très réel mais qui lui fait perdre son système sensoriel.
Le décor de « Ghost train » de Lee Cronin, également vu à Villeurbanne, est une fête foraine abandonnée depuis bien longtemps, avec tout ce qu’elle a d’effrayant ; les mots train et fantôme étant à prendre au sens propre. Ce court est un film d’horreur pur et dur où culpabilité et morts-vivants viennent hanter les vivants.
Enfin, parce qu’un film de genre, avec des codes bien définis, se parodie aisément, « Entre ange et démon » de Pascal Forney est la touche finale humoristique bienvenue auprès du public après 1h15 de frissons.
Le jeune public à Côte Ouest
Tout au long de l’année scolaire, l’association Côte Ouest fait un travail autour du jeune public en proposant des séances de courts-métrages, des ateliers et des accompagnements de groupes scolaires en festival. L’association se donne pour mission de promouvoir le court-métrage pour tous et de sensibiliser le public dès le plus jeune âge aux images. La programmation jeune public pendant le festival est à la fois la consécration et le point de départ du travail de l’année. Cinq programmes de films courts européens ont été proposés aux plus jeunes cette année.
La séance « Question de jeunesse » est le point de départ d’un programme jeune public créé par le festival et destiné à tourner cette année auprès des scolaires. Mise en place il y a quatre ans en partenariat avec le Ministère de la jeunesse et des sports et l’UFFEJ (Union Française du Film pour l’Enfance et la Jeunesse) pour le public lycéen, elle regroupe cinq films courts autour de la jeunesse et propose aux spectateurs de rencontrer et discuter avec l’un des réalisateurs présents et avec Violaine Guilloux, responsable jeune public du festival.
Après avoir laissé cinq minutes aux lycéens pour discuter entre eux des films qu’ils venaient de voir, la parole leur a été donnée. Ils ont perçu un lien fort entre les quatre premiers films (« 37°4S » d’Adriano Valerio, « 7 minutes in heaven » de Michiel Ten Horn, « No Kaddish in Carmarthen » de Jesse Armstrong et « El fin del mundo sera en Brasil » de Sergi Portabella) présentant des duos ou groupes de jeunes de leur âge, isolés du monde des adultes. Ils ont aussi distingué « Aïssa » de Clément Trehin-Lalanne qui les a interpellés. Film militant sur la condition des jeunes immigrés en France et l’austérité de l’administration française à leurs égards, il a soulevé de nombreuses questions auprès des jeunes spectateurs lors de la rencontre avec son réalisateur.
Les cinq films mettent en scène des adolescents auxquels les spectateurs peuvent s’identifier, leur montrant des histoires de jeunes aux problématiques à la fois proches et éloignées des leurs, les ouvrant ainsi à un monde qui leur est étranger et avec lequel ils peuvent alors dialoguer. Pour les quatre premiers films, les jeunes ont assez justement souligné le sujet principal comme étant la recherche de personnalité chez l’adolescent ainsi que leurs sentiments et leurs relations. Ce thème est universel, chacun des films se renvoie l’un à l’autre, même s’ils se situent dans des univers très différents.
Cette année encore le festival de Brest nous a conquis par la variété et la qualité des films présentés, la complémentarité des sélections, l’ouverture à tous les publics. L’année prochaine sera celle de la maturité, ce sera la trentième édition de l’événement. En attendant, retrouvez des films issus de la programmation brestoise lors de notre séance de mars 2015 au Studio des Ursulines, à Paris.
Avec raison, le Festival de Brest s’intéresse de près aux premiers films. « I’ve Been A Sweeper », film d’école irlandais, fait partie des jolies surprises de sa dernière édition. Réalisé par un jeune auteur, Ciarán Dooley, il évoque tout en finesse le dernier jour sur Terre d’un homme ayant balayé toute sa vie.
En l’espace d’une journée, un balayeur effectue un retour en arrière, dresse le bilan de sa vie, parle de ses 76 ans, de sa liberté et de son travail. Humble et professionnel, il observe les gens pressés, parle de ses rencontres, des lieux où il a travaillé et de sa place dans le monde.
Sous la forme d’un monologue, « I’ve Been A Sweeper » est une invitation à l’introspection, à la dignité et à la différence. Très bien écrit, le film est porté par la qualité de son interprétation (Eamon Morrissey, émouvant à souhait) et de sa musique (signée Stefan French). Au regard de nombreux de ses pairs peu dignes d’intérêt, la simplicité et la fraîcheur de ce premier film fait du bien, émeut, déchire même.
Film magnifique, « I’ve Been A Sweeper » rend visible les invisibles, les êtres et les métiers plus discrets, il redéfinit la notion même de marginalité et associe joie et dignité à une tâche en apparence simple.
Exploration du passé, réflexion sur les valeurs et la réussite, poésie filmée, regard touchant sur la vieillesse, beauté de la langue irlandaise, « I’ve Been A Sweeper » est un court métrage abouti qu’on aura plaisir à revoir en festival. Brest a eu raison de le sélectionner et de ne pas le balayer au profit d’un autre film. Il s’agit d’un des plus beaux titres de sa 39ème édition.
Info de dernière minute. L’appel à films du festival Regard sur le court métrage au Saguenay (au Québec) s’achève ce 1er décembre. Sa 19ème édition se déroulera du 11 au 15 mars prochain. Il a pour mission de promouvoir le court métrage d’auteur dont l’esprit novateur est le fruit d’une démarche artistique de qualité.
Pour information, ce festival présente plus de 200 films sur cinq jours et mets en avant de nombreuses activités reliées au court métrage. L’événement, via un jury professionnel et un jury public, attribue une dizaine de prix dont un Grand Prix International et un Grand Prix National.
La manifestation accueille également le seul Marché du court métrage au Québec. Ateliers de discussion, tables rondes, forums, masterclasses de maître, 5à7 de réseautage, vidéothèque comprenant tous les films soumis au Festival et plus encore.
► GRAND PRIX INTERNATIONAL
► GRAND PRIX NATIONAL
► PRIX DU PUBLIC
► PRIX MEILLEURE RÉALISATION QUÉBÉCOISE
► PRIX MEILLEUR SCÉNARIO CANADIEN DE LANGUE FRANÇAISE
► PRIX MEILLEUR COURT MÉTRAGE D’ANIMATION
► PRIX MEILLEUR COURT MÉTRAGE DOCUMENTAIRE
► PRIX TOURNER À TOUT PRIX!
► PRIX CRÉATIVITÉ
Comme les années passées, le cinéma Le Balzac vous propose de découvrir les courts métrages en lice pour le César 2015 du meilleur court métrage. Ces séances sont destinées en priorité aux membres de l’Académie des Césars, mais elles sont également ouvertes au public (tarif unique : 5 euros).
Deux projections sont organisées pour les 12 films de fiction sélectionnés, ces samedi 29 novembre et 6 décembre. Enjoy !
Le Poitiers Film Festival (ex-Rencontres Henri Langlois) débute demain. Jusqu’au 7 décembre, il met en valeur les films d’écoles et les jeunes réalisateurs. Pour cette 37ème édition (déjà !), pas moins de 52 films, 34 écoles et 23 pays sont représentés. Voici les films en compétition, répartis en 12 programmes.
Compétition 1
Eric, Australie
Bär, Allemagne
Irene, Costa Rica
The Bigger Picture, Royaume-Uni
Hors autoroute, Suisse
Compétition 2
To the One I Love, Afrique du Sud
Magma, Pologne
Meteoritenfischen, Suisse
(Null), Allemagne
Brother, Chine
Compétition 3
Montaje anónimo, Chili
Les Collines sont comme des éléphants blancs, Grèce
Tea Time, Allemagne
Y otro año, perdices, Espagne
Bobby, République Tchèque
Compétition 4
Gloria, Israël
A Paradise, Cuba
Insolation, France
Fragmenty, Pologne
Idle, Roumanie
Compétition 5
Love You, Ukraine
Karama, Karama, France
Ziegenort, Pologne
Von Faltbooten und Heringen, Suisse
Compétition 6
Adieu petit carnet, France
Los Resentidos, Chili
Floats, Israël
L.H., République Tchèque
Compétition 7
The Lullaby, Russie
Mouth Wide Open, Ears Shut Tight, Israël
Paul et Virginie, Belgique
Kanyekanye, Afrique du Sud
Compétition 8
Runa Mula, Chili
My Stuffed Granny, Royaume-Uni
Journey of a Freedom Fighter, Palestine
Even Cowboys Get to Cry, Pays-Bas
Compétition 9
What Remains, Suisse
Port Nasty, Royaume-Uni
Juillet électrique, France
High Wool, Allemagne
Mould, Corée du Sud
Compétition 10
Washingtonia, Grèce
Mend and Make Do, Royaume-Uni
Memor Mortis, Chili
Killing Auntie, Pologne
Travellers Into the Night, Pays-Bas
Compétition 11
La Vida después, Mexique
Compétition 12
La Tierra de Nod, Mexique
La Paô, France
Hi, I’m Doing Fine, République Tchèque
Ioa, Suisse
Sprout, Corée du Sud
Scénariste à l’origine, Martin Razy s’est lancé à 30 ans dans sa première réalisation professionnelle avec « Sans les gants », présenté au dernier Festival Européen du Film Court en compétition française. Vainqueur du prix Beaumarchais qui récompense un film francophone, il est revenu en compagnie du producteur du film, Benoit Danou (Pharos Productions) sur son rapport au public, à l’écriture et à la réalisation.
Peux-tu me parler de votre parcours et de ce qui t’a emmené jusqu’à « Sans les gants » ?
Martin Razy : J’ai fait un bac audiovisuel à Annecy en Haute-Savoie et suis monté à Paris directement après pour mes études où j’ai fait un master de cinéma. En 2008, j’ai écrit mon premier long métrage qui a été sélectionné en finale du prix junior du meilleur scénario du concours Sopadin. Ca a été un formidable tremplin qui m’a donné une belle visibilité et qui m’a permis de rencontrer mes premiers producteurs et mon agent. Je recommande ce concours à tout le monde !
Le film a été produit mais on n’a pas réussi à le monter financièrement ; il est mis de côté pour l’instant. J’ai retenté le concours Sopadin en 2011 avec un autre scénario qui est aussi allé en finale mais qui n’a malheureusement pas été produit car c’est un film plus compliqué et plus cher. Ce projet est aussi de côté pour l’instant. J’ai une envie de réécriture sur les deux scénarii mais j’attends un peu.
Depuis ma prime jeunesse, en tant qu’amateur, j’ai écrit et réalisé des courts-métrages. Il y a deux ans et demi, un ami, Mathias Pardo, m’a demandé d’écrire le scénario de son court-métrage, « Les grandes marées », produit par Benoit Danou. Le film était à Brest dans la section « Made in Breizh » l’année dernière.
Après cela, Benoit et moi avons voulu monter un projet ensemble. J’avais envie de réaliser et n’y étais pas revenu depuis longtemps parce que je m’étais ancré dans l’écriture. Ca a donc été le premier tour de manivelle pour « Sans les gants » dont l’idée a plu à Benoit. J’ai ensuite développé un scenario, dont Benoit a suivi l’avancée, pendant un an.
Ces jours-ci, « Sans les gants » a été présenté à Brest en compétition française. La projection s’est très bien passée : la salle était gigantesque, il y avait beaucoup de monde et le public était très réactif. C’est très appréciable pour un réalisateur quand un public rit au moment où il est censé le faire ou quand on ressent la tension sur la fin du film. Ce qui me plaît, c’est l’interaction entre ce travail de deux ans et demi et les spectateurs assis dans leurs fauteuil et qui regardent ton film.
Quand ton film est projeté, tu restes donc dans la salle ?
Martin Razy : Oui, toujours. Il y a une petite pointe de stress juste avant que le film commence, même sur la première image, puis, le stress se transforme très vite en excitation. Je suis très fier du résultat, je n’ai pas de honte à montrer mon film, au contraire, je veux qu’il soit vu. C’est le but d’un film, que les gens le voient, qu’ils viennent te parler, te dire ce qu’ils ont aimé et moins aimé. C’est agréable d’avoir ces retours de spectateurs.
Benoit Danou : Depuis le début de la carrière de ce film, on a eu des retours positifs, il a déjà été montré dans d’autres festivals et on espère que ça va continuer. Le retour négatif, ce serait l’absence de retour.
Martin Razy : Certaines personnes m’ont dit qu’elles avaient moins aimé telle ou telle chose. C’est très bien parce que c’est comme ça qu’on apprend et j’ai encore tout à apprendre dans ce métier. Quand la critique négative est constructive, c’est parfait, je l’accepte. Elle me fait avancer et me booste pour les prochains sujets, me permet d’avoir une meilleure compréhension du public et de ce que j’ai envie de dire.
Le film s’intéresse au parcours d’un jeune boxeur confronté à des choix. Qu’est-ce qui t’a donné envie de parler de ce passage de l’enfance à l’adolescence ?
Martin Razy : C’est même un passage de l’enfance à l’âge adulte ou en tout cas à une forme de maturité. Je n’ai pas la source. J’ai réfléchi à cette question très longtemps. Ca me taraude depuis pas mal de films parce que les courts-métrages que j’ai écrits et mes deux longs-métrages traitent en filigrane de cette façon de vieillir d’un coup. C’est un sujet qui me touche beaucoup, la façon dont on devient un homme au sens large du terme, dont on grandit, dont on passe de l’enfance à certaines responsabilités.
Comment as-tu écrit tes personnages ?
Martin Razy : J’avais envie de créer une forme de dualité dans tous les personnages, les principaux comme les secondaires. Dans le personnage de Dylan, je voulais qu’il y ait à la fois son regard enfantin et à la fois, de par sa position au sein de cette famille monoparentale et du cadre dans lequel il évolue, son attitude d’adulte. Il a besoin d’être aussi un mari absent et un confident pour sa mère. On retrouve aussi cette dualité chez la mère, puisque elle est la meilleure copine mais aussi évidemment la mère, et chez l’entraineur, qui joue en même temps le rôle de père de substitution et peut-être celui de meilleur ami, plus âgé.
Est-ce que tu peux nous parler de tes influences ?
Martin Razy : Pour l’image, on est partis d’influences picturales avec mon chef opérateur, Thomas Walser. On se connaît depuis quinze ans, il a participé à tous mes courts-métrages amateurs. En poursuivant cette belle collaboration, on se connaît tellement bien qu’on a plus tellement besoin de parler : il sait ce que je veux et ce que j’aime. Même si j’essaie de me renouveler à chaque fois, des points de références culturelles et picturales reviennent quand même à chaque fois.
Etant donné que j’ai peu de références, je pourrais plutôt dire ce que je n’avais pas envie de faire. Le film se déroule dans une cité ; je n’avais pas du tout envie de reprendre les codes de ce cinéma, c’est-à-dire une caméra épaule et une lumière très crue, avec un côté naturaliste. Ma caméra est sur pied, elle est en mouvement régulièrement, il y a des grands mouvements, en plans-séquences très souples, très longs. Je voulais aussi une lumière très travaillée, quelque chose de chaud dans deux lieux : le cocon familial de l’appartement et les scènes de parc qui sont une forme de respiration quand Dylan sort de sa cité. On ne cherche pas forcément à la montrer à l’image puisqu’on se situe sur une seule barre d’immeubles mais en fait mon personnage y est enfermé entre cette barre et le positionnement de la caméra. Son seul secteur d’avenir est la salle de boxe. Picturalement, j’avais besoin que la cité soit très travaillée, pas crue, pas naturelle. Même en extérieur, mon chef opérateur met de la lumière.
En fait, je n’aime pas vraiment donner de références cinématographiques précises, ça ne me parle pas. Je vais chercher à faire la lumière que j’ai en tête en dialoguant en continu avec le chef opérateur.
Pouvez-vous me parler de votre collaboration ?
Benoit Danou : La collaboration s’est toujours très bien passée, on a dès le départ réussi à instaurer une belle confiance et un respect mutuel. On a commencé à travailler ensemble très en amont sur le projet.
Martin Razy : Et c’est très agréable ! Ce que j’aime dans le travail avec Benoit, c’est qu’il a vraiment suivi le développement depuis l’écriture. Il a été présent, il a toujours lu très rapidement, il m’a fait des retours précis. C’est quelqu’un qui s’y connaît dans la dramaturgie. Le duo réalisateur/producteur est le cœur du film. Je n’aurais jamais pu faire ce film tout seul, la présence de Benoit a été cruciale dans le développement. Seul, pendant l’écriture ou même au montage, on perd de l’objectivité car on n’a plus assez de recul. Le regard du producteur est donc important. Quand en plus, il y a une vraie discussion et que chacun se bat pour le projet c’est agréable, vraiment !
Vous avez encore des projets ensemble ?
Martin Razy : Notre collaboration s’est tellement bien passée qu’on fait un deuxième court-métrage ensemble qui est en cours d’écriture et de financement. J’ai encore envie de traiter du passage à l’âge adulte mais dans un univers complètement différent. Ça n’aura rien à voir avec « Sans les gants » mais je filmerai toujours des adolescents. J’ai envie de sortir du cadre, de sortir du genre aussi.
Ultime sélection de la vingtième édition de l’Etrange Festival, le programme 5 des courts métrages en compétition présentait en début d’année pas moins de onze films, tous très différents, avec de nombreux films très courts, faisant la part belle à l’expérimental et l’animation. Petit florilège de quelques courts marquants de cette sélection, allant de l’ours en peluche belliqueux au robot dépressif, en passant par des visions sataniques démentes.
Requiem for a Robot de Christoph Rainer (États-Unis)
Rob est un robot défectueux qui a quelques problèmes de mémoire : il ne se souvient pas ce qu’il a pu faire de mal… Pour comprendre son état, il décide de retourner voir son créateur.
Tourné par Christoph Rainer lors de ses études à la Columbia University de New York, « Requiem for a Robot » a été réalisé avec $200, de la débrouille et quelques bonnes idées. A la manière des personnages de Michel Gondry dans « Be Kind Rewind », le réalisateur a décidé de transformer les problèmes de budget en force, créant un robot avec ce qui pouvait lui passer sous la main, pariant ainsi que ses imperfections le rendrait d’autant plus sympathique auprès du public. Le pari est réussi, le film a un beau parcours en festivals aux quatre coins du globe et a même remporté le Emerging Filmmaker Award au TIFF (Toronto International Film Festival).
Nebenan d’Andreas Marterer (Allemagne)
« Nebenan » est un court métrage d’animation en 3D qui s’insinue subrepticement dans l’intimité des habitants d’un immeuble. La caméra pénètre successivement dans chacun des appartements et révèle les secrets qui y sont dissimulés. Pour incarner les personnages de ces petites histoires anonymes, Andreas Marterer choisit d’utiliser des automates accompagnés des mécanismes apparents qui les font fonctionner, chacun de ces pantins répétant ainsi l’action qui finit par se confondre avec eux-mêmes.
De par son dispositif, Nebenan parvient à rendre explicite à la fois les tourments qu’abritent ces murs et dans le même temps la nature machinale de ces personnages. Un premier film aussi inquiétant que maîtrisé.
Beauty of Mathematics de Yann Pineill & Nicolas Lefaucheux (France)
En à peine 100 secondes, le duo Yann Pineill & Nicolas Lefaucheux nous donnent à voir quelques événements anodins de la vie quotidienne à travers le prisme des mathématiques. Divisant l’écran en trois parties, les réalisateurs ont choisi de mettre en parallèle un objet quelconque avec la formule mathématique qui le définit et le schéma descriptif qui le représente, offrant ainsi une lecture alternative des phénomènes qui nous entourent grâce à leur interprétation simultanée en termes mathématiques. Comme l’indique la citation de Bertrand Russell qui ouvre le film, les mathématiques possèdent “une beauté froide et austère” que ce court métrage parvient habilement à mettre en lumière. « Beauty of Mathematics » trouve le bon équilibre entre l’exercice conceptuel et la tentation de l’esthétisme, le film parvenant à offrir aux néophytes un aperçu de la “beauté suprême” des mathématiques.
Invocation de Robert Morgan (Grande-Bretagne)
Comédie noire à l’ironie mordante, mélangeant animation image par image et film live, « Invocation » du britannique Robert Morgan prend comme point de départ le tournage d’un film d’animation en stop motion que prépare minutieusement un passionné de cinéma en installant d’un côté une caméra Super 8 et de l’autre, l’interprète principal de son futur film, un ours en peluche. Seulement, au cours de cette préparation, l’homme se blesse au doigt et une goutte de sang perle et se loge dans le compartiment caméra. Au début, tout se passe bien, l’homme bouge l’ours patiemment pour enregistrer image par image toutes les décompositions de ses gestes. Mais, alors qu’il commence à martyriser l’ours, une sorte de blob informe apparaît à la base de la caméra et cette dernière se met à enregistrer des images très spéciales qui créent un double monstrueux de l’ours à l’intérieur même du compartiment. Ce double s’échappe et s’en prend sauvagement à l’homme, le transformant en un pantin sanguinolent inanimé qu’il peut ensuite filmer et tourmenter à son tour.
Réflexion malicieuse sur le cinéma et la capture du vivant à travers l’image, mais également comédie frivole à la cruauté délicieuse, « Invocation » jongle aisément entre légèreté revancharde et violence graphique outrancière pour créer, en quelque sorte, une variation gore et filmique de « L’Arroseur arrosé ».
Baskin de Can Evrenol (Turquie)
Film d’ambiance, moite et poisseux, venu de Turquie, « Baskin » suit un groupe de policiers répondant à un appel de routine en pleine nuit, et découvrant sur place un culte satanique ayant invoqué rien de moins que “l’enfer”. Au cours d’un affrontement aussi inégal que particulièrement sanglant, les policiers sont assaillis par des créatures surpuissantes qui ne leur laissent aucune chance. Utilisant les codes classiques du genre fantastique, le film arrive à créer un suspense tout en montée, grâce à la découverte progressive d’un lieu saumâtre et des activités sordides auxquelles s’adonnent ses occupants. Particulièrement efficace dans sa mise en images, « Baskin » joue sur des peurs ancestrales avec un certain brio, allant jusqu’à convoquer l’imagerie lovecraftienne dans le culte infernal pratiqué.
Le Forum des images accueille du 4 au 7 décembre la 12e édition du Carrefour du cinéma d’animation avec des avant-premières, des courts métrages, des films d’écoles, des séances familiales et des rétrospectives.
Format Court, partenaire du festival et du Forum des images, vous offre 15 places pour 3 séances programmées. Intéressé(e)s ? Contactez-nous !
Jeudi 4 décembre, 18h. Rencontre avec Andreas Hykade animée par Alexis Hunot, consultant en cinéma d’animation. Durée : 2h. 5×2 places à gagner
Accueilli en 2010 pour une carte blanche, Andreas Hykade revient cette année au Forum des images en tant qu’invité et parrain du Cadavre exquis animé. Une nouvelle occasion de découvrir le talent du réalisateur allemand, son style unique, par son parcours et ses oeuvres les plus récentes dont son nouveau court métrage, « Nuggets », présenté en avant-première.
Au programme : Ring of Fire (2000) / Myself Head (2014) / The Runt (2006) / Myself shot (2014) / Walkampf (2004) / Myself Smoke (2014) / Nuggets (2014) / Myself Universe(2014) / Love & Theft (2010).
Dimanche 7 décembre, 16h30. Rétrospective Okamoto Tadanari animée par Ilan Nguyên, spécialiste du cinéma d’animation japonais. Durée : 2h.5×2 places à gagner
Découverte d’un grand nom de l’animation japonaise, largement méconnu hors de son pays : Okamoto Tadanari (1932-1990). Des années 60 aux années 80, il a signé plus de quarante films : marionnettes en tous genres, éléments en semivolume les plus divers, papier découpé, animation de laine, de pâte à modeler, dessin et graphismes de styles variés…
Au programme : Dix petits indiens (1968) / Chant de décembre (1971) / Chiko-tan, ma promise (1971) / Le Singe et le crabe (extrait, 1972) / Les Fleurs de sarrasin du Pic-du-démon (extrait, 1979) / Du matériau à l’image finale (doc., 1985) / Prière pour la vie à un mal (1973) / Les Voyages sont faits d’imprévus, la vie, de charité (1973) / Cinq petites histoires (1974) / Le Chant du renard (1982).
Dimanche 7 décembre,17h30 : Retour de Flamme spécial trésors de l’animation. Ciné-concert au piano par Serge Bromberg. Durée : 1h30. 5×2 places à gagner
À l’heure où l’on présente le cinéma aux frontières du réel et de la sciencefiction, avec des effets spéciaux phénoménaux, le Carrefour du cinéma d’animation accueille Retour de Flamme pour une féérie d’images qui ravira petits et grands.
Au programme : The Sinking of the Lusitania de Winsor McCay (1918), Whoozit de Charley Bowers (1928), Petites causes grands effets de O’Galop (1918), The Snowman de Ted Eshbaugh (1932), Symphonie bizarre de Segundo de Chomón (1909), Tubby the tuba de George Pal (1947), Porky’s Preview de Tex Avery (1941), Koko dessinateur (Cartoon Factory) de Dave Fleischer et Max Fleischer (1924), Ain’t She Sweet ? de Dave Fleischer (1933) + film surprise
Repéré au 29ème Festival Européen du Film Court de Brest, le film « Discipline » est un huis clos d’une dizaine de minutes dont la majeure partie de l’intrigue se déroule dans une épicerie. Dans ce film, l’action anodine d’un enfant provoque une succession de réactions de la part de chacun, emmenant à réfléchir sur les problèmes d’éducation, de racisme et de jugement de l’autre. Lauréat de trois prix au 29ème Festival Européen du Film Court de Brest, « Discipline » y a notamment touché les jeunes et le public. Son jeune réalisateur, Christophe M. Saber, sort tout juste de l’école ECAL à Lausanne ; « Discipline » est son film de fin d’étude. Nous l’avions rencontré pendant la semaine du festival, à Brest.
Quels ont été tes débuts ?
Ils sont tout simples. Je regardais beaucoup de films quand j’étais plus jeune et je m’amusais toujours à regarder les making-of et le film commenté du réalisateur sur les DVD. Celui qui m’avait vraiment surpris était celui du « Seigneur des anneaux ». Je voyais à quel point l’équipe avait fait attention à tout, les armes, les costumes, les décors,… . J’ai trouvé incroyable qu’à partir de tant d’éléments faux, on puisse créer une réalité comme celle du film, qu’à partir du moment où la caméra était placée au bon endroit, que la lumière était juste, que les acteurs étaient bons, tout faisait très vrai mais que si on se décalait ne serait-ce que d’un centimètre, tout deviendrait faux. Cela m’a toujours fasciné, c’est comme un gros tour de magie. Le début est aussi lié au fait que j’adore les histoires, j’aime en raconter et qu’on m’en raconte.
« Discipline » est un film d’école, coproduit par Box Productions, comment se passe une telle coproduction ?
Avant, l’Office Fédéral de la Culture (l’OFC), finançait les films d’école et depuis deux ans, il a décidé de réduire les sommes allouées. La seule manière de financer les films est donc de faire intervenir des coproducteurs extérieurs. Cette année, c’était la deuxième fois que des producteurs venaient entendre des présentations de films à l’école.
J’ai écrit mon projet de septembre à décembre. Début décembre, une trentaine de producteurs sont venus à l’école et chacun d’entre nous avait vingt minutes pour pitcher son projet. Box Productions a été intéressé par le mien. Ils avaient produit le film d’un de mes amis l’année passée et ils avaient une filmographie très impressionnante donc je me suis dit que ça collerait bien avec mon genre de film. Puis, on a travaillé ensemble pour finir le scenario et la production s’est mise en route. Ce sont les producteurs majeurs du film, c’est-à-dire que l’école n’est pas intervenue autant que Box Productions.
Comment en es-tu venu à écrire cette histoire ?
L’idée du film est venue de plusieurs endroits. Je suis moitié suisse moitié égyptien. J’ai grandi en Égypte jusqu’à l’âge de 18 ans puis, je suis venu en Suisse pour faire cette école de cinéma. Ça fait quatre ans maintenant que je vis en Suisse et ce qui m’a toujours fasciné, c’est le nombre de langues que l’on peut entendre dans la rue : le portugais, l’espagnol, l’italien, l’allemand, l’arabe, … . Bien sûr, on entend aussi le français mais on l’entend avec plein d’accents différents et pour ma part, je trouve que ce multiculturalisme n’est pas assez abordé dans le cinéma suisse. Dès le début, je voulais avoir plein de nationalités, de cultures et de dialectes dans mon film.
Pour le côté plus sombre, par contre, je ne sais pas d’où ça vient. Je me suis dit que ça plairait au public. C’est toujours plus intéressant de voir des gens se battre mais mes personnages ne le font pas de manière gratuite. La Suisse est assez divisée politiquement, les gens ne sont pas d’accord par rapport à l’immigration par exemple, certains ont des attitudes parfois xénophobes. Il y a une sorte de fragilité de la paix suisse en elle-même. J’ai voulu rendre compte de ces différentes manières contradictoires de penser dans mon film.
Toi, tu n’as pas une vision aussi pessimiste de l’homme ?
Non, non, bien sûr que non ! En tant qu’égyptien et suisse, j’ai une double perspective : celle de l’immigré qui arrive en Suisse mais aussi celle des Suisses. Je côtoie aussi bien la partie de la famille de mon père venue s’installer en Suisse et qui essaie de s’y intégrer que la famille de ma mère qui est très rigide. La famille de ma mère est très suisse et celle de mon père est très égyptienne. J’aime bien jouer avec deux perspectives, avec le contraste des deux cultures qui se rencontrent.
Tu avais fait un documentaire avant, « La vie en rose comme dans les films ». Tu peux nous en parler ?
Oui. J’ai trouvé des images d’archives qui appartenaient à une famille et qui dataient de 1969. C’était des vidéos de famille, d’anniversaires et de voyages tournées à Lausanne. Je suis parti à la recherche de la famille pour leur rendre ces images. La personne que j’ai rencontré n’en a pas voulu, elle m’a répondu que c’était le passé et m’a demandé de me mêler de mes affaires. C’est très suisse de dire une chose pareille. C’est une différence avec les égyptiens qui eux sont très ouverts où dès qu’il y a un problème, tout le monde s’en mêle et vient voir ce qu’il se passe. Cette idée aussi a un peu influencé l’écriture de « Discipline ».
Pourquoi passer à la comédie ?
Pour moi, les thématiques lourdes comme l’immigration, le racisme ou les différences sociales sont à aborder avec légèreté. Je pense que si on se lance là-dedans très lourdement, les gens vont décrocher alors que quand c’est emmené avec humour, on est beaucoup plus ouvert et qu’il faut pas prendre ça trop au sérieux non plus. Mon film n’est pas un film politique ou militant. J’essaie de rester le plus neutre et suisse possible mais je pense qu’il fait réfléchir à la façon dont on se comporte vis-à-vis des autres et dont les autres se comportent vis-à-vis de nous.
Pourquoi as-tu souhaité tourner un huis clos ?
Les fictions que j’ai écrites se sont toujours déroulées sur un seul lieu et en temps réel. C’est un truc que je me suis imposé depuis le début parce que j’ai remarqué que ça marche toujours, surtout dans le court-métrage. Quand le film se passe en un lieu unique et en temps réel, ça permet de conclure. On n’a pas l’impression qu’il aurait dû se passer quelque chose après. Beaucoup de films se terminent sur une fin frustrante; on se dit qu’ils auraient pu se prolonger ou même être des longs-métrages. Et puis en terme de production, c’est plus simple de s’organiser quand on est juste sur un lieu, même si ça rajoute d’autres difficultés de continuité par exemple. Quand on tourne sept jours dans un seul lieu, la lumière change et tout se dérègle, mais au résultat, tout doit être assez continu et il faut bien tout refaire en post-production.
Le huis clos demande aussi des cadres particuliers, plus proches des personnages.
Oui. Ça demande aussi de ne pas épuiser le nombre de plans que l’on possède parce que dans un huis-clos, on n’a pas des milliers de possibilités. Il faut toujours essayer de réinventer et redécouvrir le lieu en reconstruisant et déconstruisant le décor pour essayer d’apporter ce qu’on n’a pas, de donner un nouvel espace au lieu. C’est pour ça que j’ai glissé un plan-séquence dans l’épicerie pour montrer un peu plus l’espace mais sinon, ce sont principalement des champs/contre-champs. J’essaie toujours de ramener un ou deux plans un peu plus complexes en terme de techniques comme le premier plan à l’extérieur. Ces plans-séquences que j’ai insérés de manière ponctuelle dans le film permettent de faire respirer le découpage.
Quelles sont tes influences de réalisation et de mise en scène ?
Je pense à « Babel « de Alejandro González Iñárritu où un tout petit évènement en déclenche un beaucoup plus large ou à « Carnage » de Roman Polanski à propos du comportement des parents qui dégénère quand on leur dit qu’ils éduquent mal leur enfant. Après, j’aime les films avec beaucoup de dialogues. Souvent, on entend que proposer moins de dialogues, c’est donner plus d’importance à l’image, mais personnellement j’aime beaucoup entendre les gens discuter. Bien sûr, si le dialogue tourne en rond, ça n’est pas intéressant. On a d’ailleurs dû couper beaucoup de dialogues dans le film parce que ça parlait trop et ils ne faisaient pas évoluer les personnages mais seulement le débat sur l’éducation des enfants. Pour ça, je pense aussi à Quentin Tarantino car les gens parlent beaucoup dans ses films.
Et puis, une autre référence un peu moins visible c’est Christopher Nolan. Il finit toujours ses films sur une note assez large, avec le titre à la fin par exemple. Mon film se conclut sur un plan sur la petite fille qui avait inconsciemment déclenché tous les problèmes. Je me suis inspiré de Nolan pour cette coupe nette, le titre à la fin et la musique.
Comment as-tu travaillé avec tes comédiens pour trouver la justesse de la comédie ?
Il y avait cinq personnages que j’avais vraiment écrits avec des comédiens déjà en tête. Par exemple, les deux Égyptiens qui tiennent le magasin sont mes cousins. Ils ne sont pas comédiens, ils n’avaient jamais joué et jamais été sur un tournage. J’ai voulu créer une sorte de Laurel et Hardy. L’un est assez gentil et l’autre s’énerve assez vite, l’un est gros, l’autre est maigre. J’ai toujours voulu créer des contrastes entre les personnages mais aussi des similitudes entre eux. Par exemple, le gros égyptien ressemble un peu à l’italien qui essaie toujours de calmer la situation mais qui à la fin s’énerve aussi.
Sinon, le processus de casting a été assez long, surtout pour le personnage de l’avocate qui a été dur à trouver. J’ai dû voir vingt ou vingt-cinq comédiennes pour ce rôle et puis au final, je l’ai choisie car elle arrivait à rester très agaçante, sans jamais s’énerver en contraste avec les autres. À partir du moment où on trouve la personne la plus juste, qui correspond le plus au rôle, la réalisation devient plus simple. Pendant le tournage, je n’étais pas à la recherche d’un type de jeux d’acteur mais plutôt dans l’ajustement de rythme. On avait fait des répétitions avant, les acteurs comprenaient très clairement ce qu’ils devaient jouer et puis, c’est parti comme sur des roulettes. J’ai eu beaucoup de chance avec mes comédiens.
Tu parles de rythme, justement, comment s’est passé la collaboration avec Jonathan Vinel (ndlr : co-réalisateur de « Tant qu’il nous reste des fusils à pompe ») au montage ?
Il y a un partenariat entre l’ECAL et la Fémis et chaque année, des étudiants de la Fémis viennent en Suisse faire le montage des films de diplôme. C’est un peu du hasard si Jonathan est tombé sur mon projet. Au début, ce n’était pas facile, étant donné qu’il est lui-même réalisateur, que nos films sont très différents et qu’ils ont deux univers qui n’ont rien à voir. Je suis plus dans le respect d’une trame narrative classique, alors que lui, il est plutôt dans quelque chose de plus moderne qui brise tous les codes du cinéma. C’est très admirable ce qu’il arrive à faire.
Au bout d’un moment, il a vraiment su trouver un rythme très juste. Il coupait les gens au milieu de leurs phrases puis on les retrouvait dans un autre plan alors que moi au début, j’étais plutôt dans le respect des répliques. Il faisait passer les scènes les unes au-dessus des autres, les répliques étaient un peu en off mais restaient quand même audibles.
On a dû pas mal couper. C’était la première fois que je travaillais avec un monteur. Ça a été un processus assez douloureux parce que je suis très attaché à tout ce que je tourne, mais un monteur n’a pas le même attachement aux images et c’est normal. Son rôle, c’est d’être le plus cruel envers les images pour que le film soit le mieux possible, donc au final j’étais très content de mon travail avec Jonathan.
Pour conclure, quels sont tes futurs projets ?
Je vais me lancer dans l’écriture d’un long très prochainement. Je suis en train de finir un long-métrage documentaire assez personnel sur mes parents et l’Égypte. Ça a un rapport avec la révolution en Égypte et la manière dont mes parents la vivent en Égypte en tant que chrétiens. C’est un film que j’avais tourné il y a deux ans mais je n’avais jamais pris le temps de faire quoi que ce soit des images. Après avoir fini « Discipline », j’ai apporté ce projet à Box Productions et ils ont été intéressés donc je suis en train de le monter et en recherche du financement. Ensuite, dès que je l’aurai fini, je vais me lancer dans un long et peut-être que je ferai un autre court aussi. J’ai quelques idées bien plus simples à réaliser que « Discipline ».
Synopsis : 21h50, dans une épicerie de Lausanne tenue par des Egpytiens. Excédé, un père de famille perd patience et corrige son enfant désobéissante. Une cliente choquée exprime son désaccord. D’autres clients interviennent, chacun y met son grain de sel et le personnel est dépassé. La conversation se transforme en débat, le débat en dispute.
Cette année, 23 courts métrages seront en compétition nationale au prochain Festival du film de Vendôme (5-12 décembre 2014). Pour la 4ème année consécutive, un Jury Format Court (composé de Carine Lebrun, Mathieu Lericq, Lola L’Hermite, Zoé Libault et Marc-Antoine Vaugeois) élira le meilleur film de la compétition. Celui-ci bénéficiera d’un focus en ligne, sera projeté dans le cadre des séances Format Court, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème) et bénéficiera d’un DCP doté par le laboratoire numérique Média Solution.
La 35ème édition du Festival du Film Court de Villeurbanne s’est clôturée hier soir. Format Court y a récompensé pour la première fois un film en compétition européenne. Le Jury Format Court (Katia Bayer, Azziza Kaddour, Mathieu Lericq, Françoise Mazza) a décerné son prix (publication d’un focus en ligne, achat & diffusion du film au Studio des Ursulines/Paris, création d’un DCP doté par le laboratoire numérique Média Solution) au film « Le Sens du toucher » réalisé par Jean-Charles Mbotti Malolo, un premier film subtil et vibrant à la croisée du mouvement, des couleurs et des sentiments.
Le Jury a également attribué une Mention spéciale à « Stella Maris » de Giacomo Abbruzzese, un très beau film traitant de tradition et de cinéma, porté par une mise en scène de qualité et un sujet extrêmement original.
Prix Format Court : Le Sens du toucher de Jean-Charles Mbotti Malolo (Animation, 14′ 31″, France, 2014, Folimage Studio, La Fabrique Production, Nadasdy Film)
Synopsis : Chloé et Louis s’aiment secrètement. Leurs gestes se substituent aux mots, chaque parole est une chorégraphie. Louis se décide enfin à inviter Chloé à dîner et accepte de la laisser entrer accompagnée de chatons, malgré son allergie. Le dîner va alors révéler ses côtés les plus sombres.
Mention spéciale : Stella Maris de Giacomo Abbruzzese (Fiction, 26’37 », France, 2014 La Luna Productions)
Synopsis : Un village perdu au bord de la Méditerranée. À l’occasion d’une fête populaire, tous les habitants se rassemblent sur le bord de mer dans l’attente de l’arrivée par les eaux d’une statue illuminée, la Stella Maris, vierge de la mer. L’histoire d’un artisan de la lumière et de sa fille, d’un maire borgne, de feux d’artifice comme une bombe et du street art comme révolution.
Le 35ème Festival du Film Court de Villeurbanne s’est achevé hier soir. En voici le palmarès complet rendu par les différents jurys dont l’officiel composé de Mélanie Baxter-Jones, Gabriel Gauchet, Jonathan Hazan, Katia Bayer et Pierre-Loïc Precausta.
Palmarès
Grand Prix : La Petite Casserole d’Anatole d’Éric Montchaud (France)
Prix de Région Rhône-Alpes : Rhino Full Throttle de Erik Schmitt (Allemagne)
Prix des Industries Techniques du Cinéma Rhône-Alpes à la meilleure production, Mention spéciale Format Court : Stella Maris de Giaccomo Abbruzzese (France)
Le 4ème Paris International Fantastic Film Festival (PIFFF) s’ouvre ce mardi 18 novembre au Gaumont Opéra Capucines avec « The Mole Song : Undercover Agent Reiji », le dernier film du réalisateur japonais Takashi Miike.
Jusqu’au 23 novembre, le festival accueillera le meilleur du fantastique en salle. Deux séances de courts métrages participent à la programmation le même jour, le samedi 22 novembre : la compétition française (à 16h30) et internationale (à 11h). Format Court, partenaire du festival, vous offre 10 places pour cette dernière séance.
A(r)men de Thomas Lunde (Fiction, 14′, Norvège, 2013)
Bon fils et bon chrétien, Arne perd son bras dans un accident de travail. Alors qu’il tente de s’adapter à sa nouvelle vie, il va être témoin d’un miracle.
Autumn Harvest de Fredrik S. Hana (Fiction, 17′, Norvège, 2014)
Sur le point de mettre fin à ses jours, un marin terrassé par le décès de sa femme reçoit un mystérieux appel de la mer.
Bad Guy #2 de Chris McInroy (Fiction, 10′, États-Unis, 2014)
Un jeune « bad guy » plein de bonne volonté découvre que grimper dans l’échelle du crime comporte aussi des risques. Après avoir accepté une promotion, il va devoir montrer l’exemple… ou en devenir un.
He Took His Skin Off For Me de Ben Aston (Fiction, 11′, Royaume-Uni, 2014)
Pour faire plaisir à sa petite amie, un homme décide de retirer sa peau. Au départ, tout est merveilleux. Mais la réalité rattrape les tourtereaux.
Invaders de Jason Kupfer (Fiction, 6′, Royaume-Uni, 2014)
Juste avant de commettre une agression, deux psychopathes soucieux de la forme discutent de la façon idéale d’entrer en scène.
Nocturne de David F. Geiser (Fiction, 15′, Suisse, 2014)
A l’issue de la dernière séance, l`opérateur éteint le projecteur du cinéma. Mais quelque chose ne tourne pas rond…
Suche Nach Liebe de Hans Kaufmann (Fiction, 13′, Suisse, 2014)
Un tueur en série terrorise Zurich. Chaque nuit, il rend visite à une jeune fille travaillant dans une station service. Ses sentiments à son égard sont partagés…
The Boy with a Camera for a Face de Spencer Brown (Fiction, 14′, Royaume-Uni, 2013)
Madame pousse, Monsieur lui tient la main, le nouveau-né se présente bien. Soudain le visage de la sage-femme se fige de stupeur : en guise de tête, l’enfant a un appareil photo !
Infos
– Paris International Fantastic Film Festival : compétition internationale de courts métrages
– Samedi 22 Novembre 2014, 11h
– Gaumont Opéra Capucines : 2 boulevard des Capucines, 75009 Paris
Ce mois-ci, Short Screens accorde sa chatoyante programmation aux couleurs de l’automne en vous proposant une séance « Feeling Good » composée de pas moins de 9 courts métrages comiques et légers, burlesques et absurdes, grinçants et hilarants. Venez profiter d’un pur moment de détente et de bonne humeur avec en invité vedette un Charlot joliment éméché en cure thermale. Rendez-vous le jeudi 27 novembre au cinéma Aventure, Galerie du Centre, Rue des Fripiers 57, 1000 Bruxelles. PAF 6€.
TACHAAAN de Carlos del Olmo, Miguel Ángel Bellot et Rafael Cano/ Espagne/ 2009/ Animation/ 5′
Dans un cirque, un homme-canon déclare la guerre à un éléphant.
THE CURE de Charlie Chaplin/ USA/ 1917/ Fiction/ 19′
Un alcoolique arrive dans une paisible station thermale, encore chancelant, la malle pleine d’alcools de toutes sortes.
PRKTRNIC de Julien Patry/ France/ 2014/ Docu-fiction/ 4’44
La rencontre entre le sommet de la French Touch et l’excellence de la gastronomie charcutière française.
10 WAYS TO GET OVER AN ARTIST’S BLOCK de Demian Albers/ Pays-Bas/ 2007/ Animation/ 5′
Dix trucs et astuces pour sortir de la dépression artistique.
POULET-POULET de Damien Chemin/ Belgique/ 2006/ Fiction/9’30
Choisir un plat est parfois très compliqué. Un casse-tête chinois, à la française.
OH MY DOG! de Chloé Alliez/ Belgique/ 2013/ Animation/ 6’25
Quelque part du côté de la salle des fêtes de Brétigny-sur-Bizet, devant un public déchaîné s‘affrontent des chiens aux talents plus exceptionnels les uns que les autres. Face à eux, Choupette, encouragée par son meilleur et bruyant public.
TOUS EN SCÈNE de Valérie Mréjen/ France/ 2013/ Documentaire/ Production Parc de La Villette/ 4’44
Des enfants répondent face caméra à des questions sur le cinéma et parlent des films qu’ils aiment.
30 MINUTES PAR JOUR de Samuel Lampaert/ Belgique/ 2013/ Fiction/ 5′
Ils sont vieux, regardent la télévision toute la journée sauf quand il est temps de faire les 30 minutes d’activité par jour. C’est une prescription médicale. La minuterie est lancée. Chacun, de son côté, fait des exercices pour entretenir la musculation et le dos. Et l’amour dans tout ça?
INSTEAD OF ABRACADABRA de Patrick Eklund/ Suède/ 2008/ Fiction/ 22’30
Tomas est un peu âgé pour continuer de vivre chez ses parents, mais son rêve de devenir magicien ne lui laisse pas le choix. Son père voudrait simplement qu’il grandisse et qu’il trouve un vrai travail.
Du 27 au 30 novembre, le 2ème Film Noir Festival aura lieu au cinéma Le Vincennes. Premier et seul festival en France consacré au film noir, il proposera 3 programmes de courts métrages internationaux. Format Court, partenaire du festival, vous offre 10 places pour honorer le cinéma de genre. Intéressé(e)s ? Contactez-nous !
Vendredi 28 novembre
13h30 : Compétition de courts métrages – Programme #1
▪ Great Capers and Other Stories from New City (Anthony Clemente – 8’18’)
▪ Pity (John Pata – 7’07 »)
▪ La Dette (Mike McNeese – 13′)
▪ Le Moment est venu (Fabio Moreno- 2’12’’)
▪ The Last Round (Ted Atherton- 10’25’’)
▪ The Trunk (Mragendra Singh – 9’12’’)
▪ Games People Play (Dawn Westlake- 7’54’’)
▪ Noir (Nicolas Vernet – 11′)
15h : Compétition de courts métrages – Programme #2
▪ Three-O-Seven (Spencer Howson – 8’54’)
▪ Chiropractor For Hire (Phillip Abraham – 7’08 »)
▪ La Belle Gueule (Thierry Sausse – 14’57 »)
▪ La Numéro Un (Alex Moreu Garriga- 1’17’’)
▪ D.T.Tive (Fernanda Do Canto & Javier Di Benedictis – 11’12’’)
▪ Absinthe (Sandeep Balhana – 3’15’’)
▪ Girl #9 (Nick Scott & Gary Roberts- 8’08’’)
▪ Plume fatale (James Lark – 10’18 »)
Samedi 29 novembre
11h : Compétition de courts métrages – Programme #3
▪ Corto (Alexis de Vigan – 9’40’)
▪ Copenhague Noir (Thash Mose – 4’09’)
▪ Teinté en rouge (Jess Weiss – 14’59 »)
▪ Ombres noires (Paula Morales Plaza- 1’30’)
▪ Killer’s Sight (Antonio La Camero – 6’18’’)
▪ La Visite de Medrano (Álvaro H. Blanco – 10’07 »)
▪ Dinner Party (Steve Yager – 5’42’’)
▪ Only John Welles Wears Leather (Jarno Harju – 11’27 »)
La 29ème édition du Festival Européen du Film Court de Brest s’est clôturée hier soir. Le Jury Format Court (Camille Monin, Katia Bayer, Zoé Libault, Lola L’Hermite) a attribué pour la troisième année consécutive un Prix Format Court au sein de la compétition européenne. Après Gunhild Enger (« Prematur », Norvège) et Chema García Ibarra (« Misterio », Espagne), c’est au tour d’Erik Schmitt de bénéficier du prix avec son film « Nashorn im Galopp » (Allemagne). Le film, choisi parmi les 40 films européens sélectionnés, a séduit notre équipe par sa créativité, sa poésie, son rythme et son humour.
Comme à l’accoutumée, un dossier spécial sera consacré au film primé et celui-ci sera diffusé en mars prochain, lors de la séance Format Court « Spéciale Brest » au Studio des Ursulines (Paris, 5ème). Le réalisateur bénéficiera également d’un DCP (relatif au film primé ou au prochain dans un délai de deux ans) crée et doté par le laboratoire numérique Média Solution.
Prix Format Court 2014 : Nashorn im Galopp d’Erik Schmitt (Allemagne, Fiction, Animation, 15′, 2013, Detailfilm)
Synopsis : Bruno erre dans les rues de Berlin, la tête pleine d’interrogations, à la recherche de ce qui se cache derrière les innombrables façades et édifices. Il cherche à saisir l’âme de la ville, ce petit quelque chose que les autres ne remarqueront peut-être jamais. Au moment où il s’y attendait le moins, il rencontre une alliée.
La 29ème édition du Festival Européen du Film Court de Brest s’est achevée hier soi . En voici le palmarès complet rendu par les différents jurys dont l’officiel composé de Chema García Ibarra (Prix Format Court à Brest l’an passé), Ana Ularu, Mathieu Bompoint, Angélica Sarre et Leonardo Valenti.
