I comme Itt Vagyok (Here I am)

Fiche technique

Synopsis : Viktor n’arrive pas à dormir, alors il erre dans la ville. Il rencontre des amis et des inconnus… A la recherche de quelque chose. Un peu comme chacun d’entre nous.

Genre : Fiction

Durée : 36′

Année : 2010

Pays : Hongrie

Réalisation : Bàlint Szilmer

Scénario : Bàlint Szilmer

Image : Marcell Rév

Son : Bence Bükki

Montage : Robert Gradvolt, Wanda Kiss

Interprétation : Viktor Vida, Szilvi Murànyi, Gàspàr Bonta

Production : SzFE (Zìnhàz ès Filmuvészeti Egyetem Szenrkiràlyi)

Article associé : la critique du film

Itt Vagyok (Here I am) de Bàlint Szilmer

Bàlint Szilmer a réalisé « Itt Vagyok » lors de sa troisième année d’étude à l’Université d’Art du Spectacle de Budapest. Le film raconte l’errance de Viktor (Viktor Vida) dans la capitale : ses rencontres, ses sorties, ses visites… En voyant la qualité tant esthétique que scénaristique de ce troisième court-métrage, on ne peut qu’être impatient de voir aboutir le nouveau film que le réalisateur a en projet : son premier long-métrage. En effet, déjà avec « Itt Vagyok », le jeune réalisateur prouve qu’il est capable de bien s’entourer.

itt-vagyok1

Dans un noir et blanc très contrasté, le chef opérateur Marcell Rév sculpte le clair-obscur pour faire ressortir avec beaucoup de finesse le trait particulier d’un visage, un espace précis de la scénographie ou l’atmosphère particulière des différents lieux dans lesquels il tourne. Que ce soit dans son travail sur la lumière, dans la composition des plans ou dans l’utilisation de la profondeur du champ, son savoir-faire est ici au rendez-vous pour le plus grand plaisir des yeux.

Les acteurs sont quant à eux excellents et donnent une bonne représentation de la jeunesse actuelle de la capitale hongroise. Viktor Vida, l’acteur principal, campe un personnage dont il laisse transparaître le caractère avec beaucoup de naturel : timide, gêné parfois, mais faisant pourtant preuve de beaucoup d’audace dans son habileté à provoquer les rencontres et à entretenir les liens d’amitié.

Si Viktor s’attache tant à son entourage, c’est peut-être qu’il n’a pas le choix. Le doute à son sujet plane tout au long du film sans que rien ne soit jamais clairement explicite. Dans le court laps de temps au cours duquel se passe le film, deux jours tout au plus, pas une seule fois nous ne nous éloignons de Viktor. Ses rapports aux autres nous invitent d’abord à nous questionner sur sa sexualité, puis, toujours à travers ses rapports aux autres, nous découvrons peu à peu son mode de vie. En observant les détails sur lesquels il porte son attention, on devine ce qu’il cache derrière ses mots ainsi que ses craintes les plus profondes.

Tout n’est que suggestion dans ce film. N’en disons donc pas plus et laissons sur cette œuvre suffisamment de flou pour que le spectateur, en voyant « Itt Vagyok », s’y enfonce et s’y attache.

Rémy Weber

Consulter la fiche technique du film

S comme Seule

Fiche technique

Synopsis : Amélie, une jeune fille de 20 ans, perd subitement son emploi, son logement…

Genre : Fiction

Durée : 34′

Pays : France

Année : 1996

Réalisation : Erick Zonca

Scénario : Erick Zonca

Image : Pascal Poucet

Son : Jean-Luc Audy

Montage : Jean-Robert Thomann

Décors : Brigitte Brassart

Interprétation : Florence Loiret-Caille, Véronique Octon

Production : Les Productions Bagheera

Article associé : l’interview de Florence Loiret-Caille

P comme La passerelle

Fiche technique

la-passerelle

Synopsis : Une reconstitution de scène de crime, la nuit. Florence, une comédienne d’une trentaine d’années, incarne la victime. Entre la minutieuse mise en scène de la reconstitution, la réalité d’une scène violente passée, la fatigue, les angoisses et les souvenirs, Florence se perd parmi ses émotions…

Genre : Fiction

Durée : 17′

Année : 2010

Pays : France

Réalisation : Juliette Soubrier

Scénario : Juliette Soubrier

Image : Isabelle Dumas

Montage : Saskia Berthod

Son : Stéphane Roché

Interprétation : Florence Loiret-Caille, Elise Berthelier, Vincent Ozanon

Production : 4a4 Productions

Articles associés : la critique du film, l’interview de Florence Loiret-Caille

Florence Loiret-Caille : « Quand je fais un film, il y a des portes qui s’ouvrent, des passerelles entre moi et ce que va traverser le personnage »

Florence Loiret-Caille fait partie de ces rares actrices qui n’ont pas de plan de carrière, pas de goût pour la compétition. En quinze ans, elle a déjà pourtant tourné avec Eric Zonca, Claire Denis, Michael Haneke, Benoit Jacquot, Xavier Giannoli et Jérôme Bonnel. Sa voix particulière, son physique gracile, sa justesse font d’elle une des plus belles présences du cinéma français.

Dans « La passerelle » de Juliette Soubrier, présenté au festival Premiers plans, elle joue Florence, une actrice qui se retrouve à jouer la victime d’un tueur pendant la reconstitution d’une scène de crime. Sa performance subtile porte le film de bout en bout. L’occasion pour nous de la rencontrer pour évoquer ce court métrage et son parcours d’actrice.

florence-loiret-caille

© AA

Comment s’est passée la rencontre avec la réalisatrice ? Est-elle venue te chercher ? Le film avait-il été écrit pour toi ?

Pas du tout. Elle est venue quand je jouais au théâtre de la Colline et après j’ai passé des essais.

Tu passes souvent des essais ?

Pour des courts métrages, non. Ça faisait longtemps que je n’en avais pas fait. Mais j’avais vraiment envie de faire le film. Je lis pas mal de scénarios de courts métrages et ces derniers temps, je n’en avais pas lus qui me parlaient. Celui-ci m’a intrigué, la mise en abyme surtout.

Au départ, la réalisatrice a lu dans Libération un article dans lequel de jeunes acteurs témoignaient de leur participation à des reconstitutions de meurtres. La police faisait en effet appel à eux car les policiers en avaient ras-le-bol de jouer les cobayes. L’article parlait de leurs expériences, notamment celle d’un jeune homme qui s’était retrouvé à faire le mort dans une baignoire.

J’aimais bien que tout soit amené par petites touches. Cette actrice dont on ne sait pas si elle est professionnelle ou amateur, qui essaye d’apprendre Phèdre, son mec qui l’appelle, mais on ne sait pas trop, et au fur et à mesure, les choses basculent…

la-passerelle3

Le film tourne autour de toi. Y a t-il plus de pression pour un film tourné aussi rapidement (deux nuits) que pour un long?

J’ai toujours peur de toute façon. Que ce soit un long métrage ou un court métrage, pour moi c’est exactement le même engagement. C’est quand on me dit : « J’ai vu ce que tu as fait, j’aimerais bien travailler avec toi » que j’ai encore plus peur car je me dis que si on m’a trouvée bien, on peut me trouver aussi mauvaise.

« La passerelle » raconte un peu le travail que je fais avant un tournage, c’est très étrange. Quand je fais un film, il y a des portes qui s’ouvrent, des passerelles entre moi et ce que va traverser le personnage. Dustin Hoffman avait dit que lorsqu’on joue, on donne vie à un cadavre en nous. Jouer c’est ça, c’est faire en sorte que ce cadavre se lève, la personne qu’on voudrait être, qui n’est pas nous, et nous à la fois.

La difficulté est de donner à voir ça. Je faisais tout pas à pas comme au moment d’un tournage, en me disant : « T’emballes pas, il faut attendre avant de tourner ». La réalisatrice savait très bien ce qu’elle voulait, elle me disait « plus » ou « moins ». Quand le personnage court à la fin, c’était un peu « quitte ou double ». Tout se mélange dans sa tête, je n’avais pas envie de répéter cette scène car tout se mélange dans sa tête. Ca m’est déjà arrivé sur des tournages.

[iframe http://www.6nema.com/page_export.php?id_film=3158&width=512&height=327 512 327]

Tu as tourné ton premier film en 1996 avec Eric Zonca dans son court métrage « Seule ». Comment s’est faite cette rencontre ?

A l’époque, je ne connaissais rien au cinéma. Pour moi, le cinéma c’était Daniel Auteuil dans « Manon des Sources » et Meryl Streep. J’arrivais d’Indonésie, j’étais complètement perdue. Mon prof de théâtre à St Germain en Laye m’a dit d’aller à un casting pour une série télé. A l’issue du casting, on m’a demandé si j’avais un agent. J’ai cru qu’on me parlait d’un agent immobilier ! J’ai dit que non, j’habitais chez mes parents. J’ai donc pris un agent et deux mois plus tard, je faisais le casting de Zonca. A l’époque, j’avais une espèce de rage, j’avais envie de témoigner de la vie. Je n’étais pas du tout dans la compétition, ça ne me parlait pas. Je ne comprenais pas pourquoi les autres filles ne m’adressaient pas la parole aux castings. Je m’appropriais les choses, c’était presque une question de vie ou de mort, je me disais « ce rôle, c’est moi qui doit le jouer ».

Zonca avait une façon assez dingue de faire du cinéma, ce film-là était tourné à la façon d’une caméra cachée et c’était comme si c’était moi à l’époque. Je l’ai revu il y a peu et j’étais sidérée. Je n’avais aucune distance.

Est-ce que tu suis le travail de certains réalisateurs de courts ? Est-ce un format que tu vois beaucoup ?

J’en vois de moins en moins car j’ai arrêté d’aller dans les festivals en tant que membre du jury car je n’ai plus envie de voter, de juger les films. Comme les festivals sont un des seuls endroits où on peut en voir, j’en vois beaucoup moins. Je vois quand même les films sur les DVD des Lutins et des César.

En quinze ans, tu as tourné dans une quinzaine de courts, et en 2010, tu as participé au film de Blandine Lenoir, nommé aux César, « Monsieur l’abbé ».

Blandine faisait en fait une apparition dans « Seule ». C’est là où je l’ai rencontrée, j’ai appris un peu plus tard qu’elle faisait des films. Je les ai vus et adorés.

Tu reçois souvent des scénarios de courts ?

C’est très rare mais je lance un appel !

Propos recueillis par Amaury Augé

Article associé : la critique de « La passerelle »

Consulter les fiches techniques de « La passerelle » et « Seule »

Angers, le palmarès court 2011

GRAND PRIX DU JURY COURTS METRAGES EUROPEENS : THE SHUTDOWN de Fyzal Boulifa (Royaume-Uni)

PRIX DU PUBLIC COURTS METRAGES EUROPEENS : PHILIPP de Fabian Möhrke (Allemagne)

PRIX ARTE COURTS METRAGES EUROPEENS : SIEMIANY de Philip James McGoldrick (Pologne – Belgique)

GRAND PRIX DU JURY COURTS METRAGES FRANCAIS : LA DAME AU CHIEN de Damien Manivel (France)

PRIX DU PUBLIC COURTS METRAGES FRANCAIS  : PARIS-SHANGHAI de Thomas Cailley (France)

PRIX CCAS COURTS METRAGES FRANCAIS :AGLAEE de Rudi Rosenberg (France)

PRIX DES BIBLIOTHECAIRES COURTS METRAGES FRANCAIS : ON NE MOURRA PAS d’Amal Kateb (France)

GRAND PRIX DU JURY PLANS ANIMES : CANICHE de Noémie Marsily et Carl Roosens (France)

GRAND PRIX DU JURY FILMS D’ECOLES EUROPEENS, Mention spéciale : MAK de Géraldine Zosso (Suisse)

GRAND PRIX DU JURY FILMS D’ECOLES EUROPEENS : JESSI de Mariejosephin Schneider (Allemagne)

PRIX DU PUBLIC FILMS D’ECOLES EUROPEENS : DEN JEDNOHO HERCE de Radim Filipec (République Tchèque)

PRIX CINECOURTS / CINE CINEMA FILMS D’ECOLES EUROPEENS : USAK HESABIde Yusuf Emirdar (Turquie)

PRIX DES ETUDIANTS D’ANGERS – FILMS D’ECOLES EUROPEENS : UNFINISHED ITALY de Benoit Felici (Italie)

PRIX DE LA CREATION MUSICALE COURT METRAGE FRANCAIS ET EUROPEENS / FILMS D’ECOLE : Elina Talvensaari
et Pinja Kuusela pour MITEN MARJOJA POIMITAAN d’Elina Talvensaari (Finlande)

PRIX D’INTERPRETATION FEMININE COURTS METRAGES FRANÇAIS : Géraldine Martineau pour AGLAEE de Rudi Rosenberg (France)

PRIX D’INTERPRETATION MASCULINE COURTS METRAGES FRANÇAIS : Rémi Taffanel dans LA DAME AU CHIEN de Damien Manivel (France)

P comme La Petite Sirène

Fiche technique

Synopsis : Une étrange et dégoûtante petite créature marine sème le trouble et la mort au sein d’une famille de la bourgeoisie de province française, au début du XXème siècle.

Genre : Fiction

Durée : 10′

Année : 2010

Scénario : Adrien Beau

Image : Antoine Aybes-Gille

Son : Jimmy Sert

Montage : Alan Jobard

Production : Love Streams Agnès b. Productions

Article associé : la critique du film

La Petite Sirène d’Adrien Beau

Ce court-métrage muet semble tombé d’une étagère poussiéreuse de l’un des premiers bureaux de production cinématographique. Tout prête en effet à croire qu’il date d’une période révolue : le noir et blanc, les intertitres, les décors, les costumes… Cet OVNI nous plonge un siècle en arrière et s’il n’était pas de 2010, on jurerait que David Lynch se serait passé la bobine avant de réaliser « Eraserhead ».

Avec ce premier film, le réalisateur Adrien Beau dresse le tableau d’une famille du début du XXème, modèle de la bourgeoisie d’alors. Lorsqu’une créature à la fois terrifiante et envoutante, la petite sirène, vient s’imposer en maître dans la maison, l’ordre et la rigueur qui régnaient dans les lieux cèdent rapidement la place à l’hystérie.

En revisitant la figure mythique de L’Odyssée, Adrien Beau prend un malin plaisir à détruire le conformisme de nos ancêtres. « La Petite Sirène » est déroutante et l’on peut dire qu’avec ce premier film, Adrien Beau frappe fort. Il ne fait aucune concession et use à merveille de son talent de styliste (il assiste John Galliano et Christian Dior dans leur créations), de metteur en scène de théâtre et de chef décorateur. A choisir entre le langage parlé et le langage cinématographique, Adrien Beau a pris parti : le 7ème art prime.

Rémy Weber

Consulter la fiche technique du film

U comme Unfinished Italy

Fiche technique

Synopsis : Benoît Felici part en Sicile à la découverte des ruines modernes d’Italie: l’architecture de l’inachevé. Symboles d’une époque douteuse et fruits de la corruption politique, ces bâtiments sont désormais récupérés par des Italiens inventifs. Quand l’inachevé devient source de créativité…

Genre : Documentaire

Durée : 32′

Année : 2010

Pays : Italie

Réalisation : Benoit Felici

Scénario : Benoît Felici

Image : Bastian Esser

Son : Philip Griess

Montage : Milena Holzknecht

Compositing : Rosa Balistreri, Pasquale Bardaro

Production : ZeLIG

Articles associés : la critique du film, l’interview de Benoît Felici

Unfinished Italy de Benoît Felici

Trop peu de documentaires retiennent l’attention des programmateurs de festivals bien implantés. Parfois, pourtant, ce triste état des choses change grâce à quelques films. À Angers, par exemple, seulement deux documentaires apparaissent parmi les 41 films en compétition. Comme il y en a peu, on les traque, on les repère, on les regarde. Et on aime, et on s’émeut pour « Unfinished Italy » de Benoît Felici.

Ce film d’école (ZeLIG, spécialisée dans le documentaire) est une balade en minibus à travers la Sicile et les vestiges de ses bâtiments inachevés, de ses chantiers désertés, craquelés, habités par une nature sauvage qui reprend ses droits, et fréquentés par des individus qui prennent petit à petit possession des lieux.

Ponts, stades, gradins, barrages, hôpitaux, et autres terrains « sans passé, sans avenir » : Benoît Felici recense ce que l’Italie aurait pu être mais ce que le pays n’est pas. En filmant les lieux, les traces, le béton figé et en recueillant la parole d’une paire d’observateurs attentifs, philosophes, nationalistes, déçus par leur gouvernement.

Ode à l’inachevé, autoportrait d’un réalisateur qui se raconte en off, diaporama d’une architecture non aboutie, enfilade de ruines contemporaines, symbole d’une Italie profonde et mélodieuse, sentiment d’abandon d’un peuple, c’est de tout cela que « Unfinished Italy » parle, c’est une toute autre histoire que l’officielle qu’il nous montre. Et cette histoire colle étonnamment avec celle d’un certain sens politique qui semble avoir oublié son peuple.

C’est le propre du documentaire de surprendre, d’émouvoir, de filmer la vérité et de toucher le cœur des gens. Un cheval au galop sans cavalier, un pont collectif transformé en jardin personnel, un problème de distinction entre le polo et un pull-over, un chien qui se gratte alors que les étoiles sont sous ses pattes, … : le film de Felici nous attrape, nous retient, par ces moments esthètes, inattendus, cocasses et authentiques.

Katia Bayer

Consulter la fiche technique du film

Article associé : l’interview de Benoît Felici

Damien Manivel. Présence, combat & obsession des corps

Damien Manivel ne passe pas inaperçu. Sa chevelure fougueuse et rousse le distingue facilement parmi la foule. Son film « La Dame au chien », Grand Prix du jury à Vendôme en décembre dernier, est à son image puisqu’il dénote et surprend dans le paysage du court métrage. Rencontre faiblement alcoolisée par un après-midi d’hiver.

damien-manivel1

© AA

La structure de « La Dame au chien » est assez étonnante. Dès le début, on arrive au beau milieu d’une scène où l’histoire a déjà commencé. Comment s’est passé le travail d’écriture ?

Rémi Esterle, le coscénariste du film, est venu me voir avec une nouvelle de Murikami « La Dernière pelouse de l’après midi ». Ça faisait des années que je lui parlais d’adapter cet écrivain. Il m’a dit : « Il ne se passe rien mais c’est une histoire qui te reste. C’est fait pour toi ». Nous sommes partis de là non pas en l’adaptant mais plutôt en s’en inspirant. J’en ai retenu la rencontre entre une personne plus âgée et un adolescent introverti mais la femme n’était pas noire, il n’y avait pas de chien, pas de huis clos. Le matériau préexistant nous a donné confiance et envie de faire ce film. On l’a écrit très facilement en quatre mois. On s’est amusé à l’écrire, ce film.

Comment s’est fait le choix des acteurs ?

La première personne que j’ai rencontrée était Elsa. C’est mon co-scénariste qui me l’a présentée. Je ne pouvais pas ne pas la prendre. Elle m’a tout de suite pris dans ses bras, je ne l’avais jamais vue, un truc très fort s’est produit tout de suite. A partir du moment où on a eu Elsa pour le film, qui a une vraie présence, une particularité physique, il s’agissait de trouver un adolescent qui puisse lui répondre, avoir autant de présence qu’elle. Le film est un peu construit comme un combat.

Je n’ai rencontré que deux jeunes, avec Rémi, ça a aussi été immédiat. Pour le chien par contre, j’ai fait un casting et on a trouvé un chien non professionnel. Je l’ai vu au bois de Vincennes et je l’ai adoré tout de suite. Physiquement, il était très présent notamment via sa maigreur.

la-dame-au-chien1

Comment s’est passé le travail avec eux, y a t-il eu des répétitions ?

Pour l’anecdote, Elsa se trouve être la prof de danse de la mère de Rémi, ce qui est une pure coïncidence. On a fait une répétition qui a d’ailleurs été décisive car j’ai pas mal changé les dialogues après. Elsa et Rémi se sont rencontrés une seule fois, j’avais peur sinon que quelque chose se perde. Je crois que ça sent d’ailleurs dans le film que Rémi et Elsa se découvrent.

Vous disiez qu’Elsa était chorégraphe. Vous-même, vous avez été danseur. Vos précédents films « Viril » et « Sois sage ô ma douleur » étaient d’ailleurs tous deux chorégraphiés. Comment avez-vous utilisé la danse dans votre mise en scène et la chorégraphie de ces deux corps que tout oppose ?

Ce que je garde de la danse, c’est l’obsession des corps en mouvement, le sens du rythme. C’est ce que je préfère au cinéma. Je suis plus sensible au rythme qu’à la lumière par exemple. En ce qui concerne les scènes, je m’adapte. Mon rêve, c’est la chorégraphie mais je travaille avec des acteurs non professionnels. J’essaye de coller à mon idéal. Diriger Elsa était très différent de diriger Rémi. Il m’a beaucoup étonné, il avait un naturel tout en agissant comme un pro en refaisant les scènes de façon identique. Elsa, elle, avait déjà des techniques de jeu et beaucoup d’expérience.

dame

Le film provoque parfois une certaine gêne chez les spectateurs, notamment lors de la scène où Rémi est invité à monter dans la chambre d’Elsa. Quelles étaient vos intentions ?

Oui, on est vraiment sur le fil, et j’ai essayé de m’y maintenir mais ça aurait pu ne pas fonctionner. Je voulais créer un malaise mais pas un malaise gratuit. On est surtout proche du malaise du jeune homme. Il est clair qu’il pense à l’éventualité d’un rapport sexuel et en même temps il se dit que non. Il est perdu entre toutes ces questions propres à l’adolescence. C’est comme un moment comprimé. Je voulais surtout créer une ambigüité. Les installer comme un couple dans une chambre, tout en sachant que le spectateur se dit « non ça n’est pas possible, ils ne vont pas passer à l’acte ». Ce qui m’intéresse c’est pour quelles raisons le spectateur pense à ça. Est-ce dû à leurs physiques si différents, à leur âge ? Cela rejoint la question du corps et mon envie de filmer des gens pas forcément beaux comme au cinéma.

On m’a souvent reproché de ne pas être assez clair sur les intentions du personnage féminin, je maintiens le fait que je ne sais rien de ses motivations. Du point de vue du jeune homme, elle est opaque et mystérieuse. Pour moi aussi.

Amaury Augé

Article associé : la critique du film

Consulter la fiche technique du film

D comme La dame au chien

Fiche technique

la-dame-au-chien-damien-manivel2

Synopsis : Par une chaude après midi d’été, un jeune homme trouve un chien égaré dans un parc municipal. Il décide de le ramener à son propriétaire. Une grosse dame noire, à moitié ivre, lui ouvre et lui propose d’entrer pour le remercier. Ils s’installent au salon. Le jeune homme est très mal à l’aise. La dame lui sert un grand verre d’alcool, il se trouve obligé de boire avec elle…

Genre : Fiction

Durée : 16′

Année : 2010

Pays : France

Réalisation : Damien Manivel

Scénario : Damien Manivel, Rémi Esterle

Image : Julien Guillery

Son et montage son : Jérôme Petit

Montage image : Erika Haglund

Mixage : Emmanuel Desguez

Décors : Jannick Guillou

Interprétation : Elsa Wolliaston, Rémi Taffanel, Stiki

Production : Le G.R.E.C.

Articles associés : la critique du film, l’interview de Damien Manivel

La Dame au chien de Damien Manivel

Présenté cette semaine en compétition au festival Premiers plans d’Angers, « La Dame au chien » étonne par sa construction frontale mais élégante, en abordant la rencontre improbable entre deux corps que tout oppose dans un huis clos moite et alcoolisé.

Regarde-le, il est vieux et un peu pute. C’est la dame qui parle ainsi de son chien. Mais c’est elle que le jeune homme qui ramène l’animal égaré fixe, fasciné par ce corps affalé, sexué, imposant et passablement ivre. C’est elle la dame au chien et nous sommes dans son salon.

Elle est grosse, noire et plus âgée. Lui est un blanc-bec chétif à peine pubère. Les contraires s’attirent et les regards se perdent. Entre une citation de Shakespeare (Mon corps est un jardin et mon esprit son jardinier) et une démonstration de développé couché, le garçon enchaîne les verres de rhum, encouragé en cette chaude après midi d’été par le regard approbateur de son hôte.

Le vieux chien un peu pute les quitte et part en éclaireur devant la porte de la chambre, suivi peu de temps après par le jeune homme éméché et enfin par la maîtresse de maison qui finit par s’échouer sur le lit, comme épuisée par autant de tergiversations.
« Tu veux faire quoi ? lui dit-elle.
-Dans la vie ?
-Non, tout de suite. »

Il ne sait pas. C’est bien ça le problème. Il a beau se raccrocher à son verre à moitié vide ou à moitié plein, il ne sait plus. Le désir monte et le malaise s’installe. Y aller ou pas ? La femme n’a pas attendu qu’il se décide et finit par s’endormir en chien de fusil. Bien entendu. Lui décide de s’éclipser même si en oubliant son sac à dos, il revient pour quelques instants à l’intérieur de ce pavillon de banlieue, champ éphémère des possibles.

Le tour de force de Damien Manivel est de nous installer directement dans l’action de son histoire sans que l’ellipse du début ne pose problème. Il construit son récit de manière resserrée et tendue, ce qui confère au film une sorte d’urgence propre à l’adolescence ici décrite. L’ambiguïté de la situation rend le malaise palpable mais jamais Manivel ne tombe dans la provocation gratuite ou la facilité. Toujours sur le fil.

La dualité des corps, la léthargie de l’un face à l’éveil de l’autre apporte au film sa beauté étrange voire inquiétante. L’auteur donne à voir des corps de cinéma habituellement invisibles ou masqués, mais filmés ici avec pudeur et fierté.

Amaury Augé

Consulter la fiche technique du film

Article associé : l’interview de Damien Manivel

S comme Siemiany

Fiche technique

Synopsis : Comme chaque été, Andrzej et Michal se retrouvent dans la villégiature polonaise de Siemiany pour y passer les vacances. C’est dans l’ennui de cette campagne et entourés des autres jeunes s’y trouvant qu’en pleine puberté ils tentent leurs premières expériences amoureuses.

Genre: Fiction

Durée : 18′

Pays : Pologne, Belgique

Année : 2009

Réalisation : Philip James McGoldrick

Scénario: Philip James McGoldrick

Image : Nicolas Karakastanis

Son : Antoine Vandendriessche

Musique : Raf Keunen

Montage : Tom Denoyette

Mixage : Yves De Mey

Interprétation: Damian Ul, Michal Wlodarczyk, Aleksandra Radwanska, Kamil Grenda, Joanna Opozda

Production : Blondinka

Le site du film : www.siemianythemovie.eu

Article associé : la critique du film

Siemiany de Philip James McGoldrick

« Siemiany » est un petit village situé dans la campagne polonaise. C’est aussi l’histoire de deux jeunes adolescents, qui, comme chaque année, se retrouvent dans ce même village pour y passer les vacances d’été.

Depuis fin 2009, le film a fait le tour de bon nombre de festivals. En 2010, il a remporté plusieurs prix, en Allemagne, en Belgique, en France et même au Pérou. 2011 lui réserve certainement bien d’autres récompenses car, bien qu’étant un court-métrage, qui plus est, un premier film, « Siemiany » est bel et bien un grand film.

On y retrouve le jeune Damian Ul, qui avait remporté au Tokyo International Film Festival le prix d’interprétation pour le très remarqué « Un Conte d’Eté Polonais » (Andrzej Jakimowski, 2007). Son jeu est ici encore irréprochable, tout comme celui de ses autres partenaires. C’est d’ailleurs en grande partie de ses acteurs que le film tire sa force. Ils apportent à l’histoire une véracité rare, fruit d’une liberté d’improvisation soigneusement capturée par la caméra du réalisateur.

La justesse de ton dont fait preuve Philip James McGoldrick procure toute sa vraisemblance au film. Au travers de pauses narratives, les comédiens peuvent s’exprimer, face caméra, sur l’extradiégétique. Par ce procédé de mise en scène emprunté au documentaire, le spectateur se voit rejeté du film, dans sa réalité, où il est invité à réfléchir sur ce qu’il voit.

Ce qu’il voit, c’est l’adolescence de jeunes polonais désœuvrés, l’ennui de leur séjour en campagne et leur découverte de la sexualité. L’alternative de l’homosexualité, sous-jacente tout au long du film, fait écho à une réalité récemment mise en lumière dans les médias polonais. Néanmoins, le film propose une autre problématique, celle-ci plus généraliste et universelle : la construction identitaire, qui, justement au moment de l’adolescence, est un enjeu fondamental.

Dans « Siemany », les adultes sont quasiment absents. Par leurs rares interventions, ils n’expriment que la haine qu’ils éprouvent envers la jeunesse. Livrée à elle-même et le plus souvent délinquante, cette jeunesse en quête d’identité. n’a pour repère que les groupes qu’elle se constitue et les codes imposés au détriment de l’individu. En se focalisant sur la relation développée par ses deux personnages principaux, Philip James McGoldrick souligne le poids du regard des autres quand le partage des sentiments entre en conflit avec l’image que l’on donne de soi.

Cette année, « Siemiany » est en compétition européenne au Festival Premiers Plans d’Angers (du 21 au 30 janvier, alors ne manquez pas l’occasion d’aller y voir le premier film de ce réalisateur prometteur qu’est Philip James McGlodrick.

Rémy Weber

Consulter la fiche technique du film

Angers 2011

Actuellement, se déroule la 23ème édition du Festival d’Angers. Des premiers courts européens et français en compétition, des “figures libres” (réalisées hors contraintes et formats), des “plans suivants“ (réalisés par des cinéastes découverts au festival) y sont projetés jusqu’au 30 janvier. À Angers, les premiers plans, les premiers pas sont souvent les premiers courts.

Retrouvez dans ce Focus :

L’interview d’Amal Kateb

L’interview de Rudi Rosenberg

La critique de « La passerelle » de Juliette Soubrier (France)

L’interview de Florence Loiret-Caille

La critique de « tt Vagyok » (Here I am) de Bàlint Szilmer (Hongrie)

La critique de « La Petite Sirène » d’Adrien Beau (France)

La critique d’ « Unfinished Italy » de Benoît Felici (Italie)

L’interview de Damien Manivel

La critique de « La dame au chien » de Damien Manivel (France)

La critique de « Siemiany » de Philip James McGoldrick (Pologne, Belgique)

Le palmarès court 2011

Les films d’écoles & autres Plans animés en compétition

Les courts français & européens sélectionnés

Et nos sujets déjà publiés en lien avec le festival :

La critique d' »Aglaée » de Rudi Rosenberg (France)

La critique d' »Aprilis Suskhi » (Fraîcheur d’avril) de Tornike Bziava

L’interview de Tornike Bziava, réalisateur de « Aprilis Suskhi » (Géorgie)

Joachim Lafosse : Avant (et après) les longs

La critique de « Miramare » de Michaela Müller (Suisse, Croatie)

La critique de “Pour toi je ferai bataille” de Rachel Lang (Belgique)

La critique de “Vasco” de Sébastien Laudenbach (France, Belgique)

L’interview de Sébastien Laudenbach

La critique de “Monsieur l’abbé” de Blandine Lenoir (France)

L’interview de Pierre Etaix

N comme Nous trois

Fiche technique

Synopsis : Si c’était un mot, on dirait incertitude. Si c’était une image, on y verrait la lumière. Si c’était une voix, ce serait celle d’une femme. Si c’était une histoire, ce serait une histoire d’amour, un fragment de vie à trois dans un lieu indéfini, dans un temps fuyant.

Genre : Documentaire

Durée : 4′

Année : 2007

Pays : Belgique

Réalisation : Annick Ghijzelings

Scénario : Annick Ghijzelings

Montage : Roberto Ayllon

Production : Gsara, Traces

Article associé : la critique du film

Nous trois de Annick Ghijzelings

En regardant « Nous trois », on ne peut s’empêcher de penser au cinéma d’avant-garde français des années 1920 ou même au réalisme poétique des années 1930, justement pour ce que ce documentaire a d’expérimental et de poétique. La politique n’est cependant pas l’objet de « Nous trois » mais les sentiments, l’amour, l’attachement, le détachement et, encore, les sentiments.

La voix-off sur laquelle le film se construit n’est, quant à elle, dans sa diction, pas sans rappeler la justesse de jeu dont fait preuve Françoise Lebrun dans une célèbre scène de l’un des derniers films de la Nouvelle Vague, « La Maman et la Putain » (Jean Eustache, 1973), quand Veronika expose à ses deux amours l’idée qu’elle se fait de la vie de couple. De plus, la thématique centrale de « Nous trois » est identique à celle de « La Maman et la Putain », et à bon nombre d’autres films de la Nouvelle Vague d’ailleurs : le triangle amoureux.

Les images pour leur part sont pures métaphores. On y voit trois barques dont l’une, celle du milieu – à la fois la figure centrale du récit et l’objet du désir de la narratrice – bien qu’amarrée, est portée par le courant, tangue, va et vient de l’une des deux barques voisines à l’autre, ou tente parfois de s’échapper vers le large, pour finalement revenir, inlassablement, à l’une, puis à l’autre.

Un avis est purement personnel. A chacun de faire l’expérience du visionnage de « Nous trois » pour trouver quelles émotions ou quels souvenirs le film réveille en lui. Dans tous les cas, cette expérience devrait se révéler positive.

Rémy Weber

Consulter la fiche technique du film

61ème Berlinale : les courts retenus

15 iulie, Cristi Iftime, Romania, 12’ (WP)

Apele Tac, Anca Miruna Lăzărescu, Germany/Romania, 31’ (WP)

Ashley/Amber, Rebecca R. Rojer, USA, 23’ (WP)

Återfödelsen, Hugo Lilja, Sweden, 28’ (IP)

Back by 6, Peter Connelly, Belgium, 28’ (WP)

Cleaning up the Studio, Christian Jankowski, Republic of Korea, 10’ (IP)

Erdö, György Mór Kárpáti, Hungary, 12’ (WP)

Fragen an meinen Vater, Konrad Mühe, Germany, 11’ (WP)

Green Crayons, Kazik Radwanski, Canada, 10’ (IP)

Heavy Heads, Helena Frank, Denmark, 8’ (WP)

La Calma, Fernando Vílchez Rodríguez, Peru, 20’ (WP)

La Ducha, Maria José San Martín, Chile, 10’ (IP)

PARANMANJANG, PARKing CHANce (PARK Chan-wook, PARK Chan-kyong), Republic of Korea, 33’ (IP)

Pera Berbangê, Arin İnan Arslan, Turkey, 15’ (WP)

Planet Z, Momoko Seto, France, 10’ (WP)

Pu-Seo-Jin Bam, Yang Hyo-joo, Republic of Korea, 23’ (IP)

Rao Yi Sheng, Alexej Tchernyi, Wu Zhi, Germany, 7’ (WP)

Scenes From The Suburbs, Spike Jonze, USA/Canada, 28’ (WP)

Sju dagar i skogen, Peter Larsson, Sweden, 6’ (IP)

Stick Climbing, Daniel Zimmermann, Austria/Switzerland, 14’ (IP)

Sudsanan, Pimpaka Towira, Thailand, 30’ (IP)

Susya, Dani Rosenberg, Yoav Gross, Israel/Palestinian Territories, 15’ (WP)

Świteź, Kamil Polak, Poland/Switzerland/France/Canada/Denmark, 21’ (WP)

Tomorrow Everything Will Be Alright, Akram Zaatari, Lebanon/Great Britain, 7’ (IP)

Woman Waiting, Antoine Bourges, Canada, 15’ (IP)

Consultez le site du festival.

A comme Amerikan Psyko

Fiche technique

Synopsis : Tourné avant l’élection de Barack Obama et filmé avec une petite caméra stylo durant un voyage improvisé, ce documentaire donne la parole à des Américains qui ont peur, qui doutent,qui prônent une Amérique forte, en bref, à une Amérique conservatrice.

Genre : Documentaire

Pays : France

Durée : 39′

Année : 2010

Réalisation : Çiva de Gandillac

Scénario : Çiva de Gandillac

Image : Çiva de Gandillac

Son : Çiva de Gandillac

Montage : Çiva de Gandillac

Production / Diffusion : Çiva de Gandillac

Article associé : Pointdoc : Parcours en terres réelles