Angers, le 22ème Palmarès

Prix Du Jury

Grand Prix du Jury courts métrages européens : Whore de Fyzal Boulifa – Royaume-Uni

Grand Prix du Jury films d’écoles européens : Blifj Bij Me, Weg de Paloma Aguilera Valdebenito – Pays-Bas

Grand Prix Du Jury courts métrages d’animation : O’moro de Christophe Calissoni et Eva Offredo – France

Mention Spéciale : Katrine De Malik Thomas Spang Bruun – Danemark

Prix d’interprétation féminine courts métrages français : Laetitia Hadri et Yeliz Alniak dans C’est gratuit pour les filles de Marie Amachoukeli et Claire Burger – France

Prix d’interprétation masculine courts métrages français : Julien Lucas dans Le Naufrage de Guillaume Brac et Adieu Molitor de Christophe Régin – France

Mention Spéciale : Vincent Macaigne dans Le Naufrage de Guillaume Brac – France

Grand Prix du Jury courts métrages français : 8 et des Poussières de Laurent Teyssier – France

Prix Du Public

Prix du Public films d’écoles européens : Benigni d’Elli Vuorinen, Pinja Partanen et Jasmiini Ottelin – Finlande

Prix du Public courts métrages européens : Red-End and The Seemingly Symbiotic Society de Robin Noorda et Bethany De Forest – Pays-Bas

Prix du Public courts métrages français : Mission Socrate de Bertrand Lanclos et Jackie Berroyer – France

Prix du Public à un scénario de court métrage (Lectures de scénarios) : Les Parapluies Migrateurs de Mélanie Laleu – France

Autres Jurys

Prix des étudiants d’Angers films d’écoles européens : Kid de Tom Green – Royaume-Uni

Prix Cinecourts / Cine Cinema Films d’écoles européens : Bingo de Timur Ismailov – Pays-Bas

Prix Arte courts métrages européens :  Rita d’Antonio Piazza et Fabio Grassadonia – Italie

Prix Ccas courts métrages français : Lost Paradise de Mihal Brezis et Oded Binnun – France

Mention spéciale : Madagascar, carnet de voyage de Bastien Dubois – France

Prix des Bibliothécaires courts métrages français : Lost Paradise de Mihal Brezis et Oded Binnun – France

Prix de la création musicale court métrage français et européens / Films d’école : Bertrand Lenclos pour Mission Socrate de Bertrand Lenclos et Jackie Berroyer – France

Mention spéciale : Ronen Shapira pour Lost Paradise de Mihal Brezis et Oded Binnun – France

A comme A Family Portrait

Fiche technique

Synopsis : Un portrait de famille tourne mal à mesure que jalousie et soupçons se font jour, sous le regard implacable du photographe. Le malaise règne à la fin de la séance, laissant présager une journée mémorable.

Genre : Animation

Durée : 5’

Pays : Royaume-AUni

Année : 2009

Réalisation : Joseph Pierce

Scénario :Joseph Pierce

Images : Liam Iandol

Son : Dominic Fitzgerald

Montage : Robbie Morrison

Production : Fifty Nine Productions, Film London, Channel 4, UK Film Council

Voix : Robert Bathurst, Sarah McVicar, Jack Laskey, Mitch Turner et Danica Moore

Articles associés : la critique du film, l’interview de Joseph Pierce

A Family Portrait de Joseph Pierce

Double candidat aux Festivals d’Angers et de Clermont-Ferrand cette année, « A Family Portrait » est un court animé britannique remarqué pour sa singularité. Osé et impertinent, il s’inscrit non sans humour dans la pure veine des films Channel 4, dont il est une coproduction avec Fifty Nine Productions, Film London et le UK Film Council.

Une séance de portrait familial – événement bien banal – dérape progressivement dans le délire total lorsque la famille presque parfaite en apparence se révèle querelleuse, dysfonctionnelle et, pire, peu photogénique. Devant le diapositif du portraitiste aussi ambitieux qu’incompétent, se joue dès lors un spectacle d’infidélité, de mensonges, de haine et de rapports œdipiens.

Dans « A Family Portrait », Joseph Pierce construit son récit autour de détails au lieu d’une narration conventionnelle. Ces détails visuels, il les laisse apercevoir brièvement mais surement, qu’ils soient réels, imaginés  (un cheveu blond sur la veste du mari, une cravate se transformant en culotte de femme, un sourire espiègle cachant une orange,…), répliqués ou provocateurs (« votre garçon ne ressemble pas au laitier, j’espère », « – quel est ton plat préféré ? – PAPA ! »).

Inspiré par le gag classique du môme espiègle qui sabote les photos, Pierce va carrément jusqu’à une mise à mal du paradigme domestique traditionnel, qu’il renforce par un travail hybride sur l’image. Tandis que la technique de rotoscopie anime la live action et créé une image plus souple, les dessins grotesques permettent, eux, un va-et-vient constant entre un réalisme sobre et un expressionnisme tordu. Les traits faciaux deviennent par conséquent des rides et des fêlures selon l’humeur ou la paranoïa des personnages. Plus vignette que drame, « A Family Portrait » livre un tableau psychologique des rapports familiaux insolents et insolites, avec perspicacité, originalité et un humour bien excentrique.

Adi Chesson

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Article associé : l’interview de Joseph Pierce

Z comme Zeitriss

Fiche technique

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Synopsis : Dans le salon, la femme est assise à côté de l’homme et ne dit rien. C’est la fin, et en même temps cela marque le début d’une transformation de la suite logique des événements.

Genre : Fiction, Expérimental

Durée : 11’

Pays : Allemagne

Année : 2009

Réalisation : Quimu Casalprim i Suárez

Scénario : Quimu Casalprim i Suárez

Images : Rasmus Sievers

Musique : Markus Zilz , Oliver Salkic

Son : Quimu Casalprim I Suárez

Montage : Quimu Casalprim I Suárez

Production : Dagmar Ege

Interprétation : Heike Trinker , Klaus Nierhoff

Articles associés : la critique du film, l’interview de Quimu Casalprim i Suárez

Zeitriss de Quimu Casalprim i Suárez

Le charme brutal de la bourgeoisie

Présenté au Festival Premiers Plans d’Angers dans la section ‘’ Figures libres’’ et bientôt en compétition dans la section Labo à Clermont Ferrand « Zeitriss » fait partie de ces films inclassables que l’on appelle, par commodité, ‘’expérimental’’. Dans un beau noir et blanc, le réalisateur, de Quimu Casalprim i Suárez, nous embarque pour une expérience filmique qui laisse toutes portes ouvertes à l’imagination.

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Dans un salon année 70, chez Monsieur et Madame, on s’emmerde ferme. La pendule fait tic-tac, Madame, dans sa jolie robe blanche, tripote un vase, regarde ce qui se passe par la fenêtre (rien), s’assoit dans le Chesterfield pendant que Monsieur, lui, lit son journal, imperturbable, se lève de son fauteuil, revient sans un mot et commence à manger une pomme. Et ça dure… et c’est parti pour durer jusqu’à la fin des temps… Dans ce cadre figé et hyper stylisé, les deux personnages, cadrés de manière à ce que n’apparaissent pas leurs têtes symbolisent tout l’immobilisme d’une bourgeoisie prise dans un quotidien sans événement. Non-dits, impostures, simulacres, faux-semblants, hypocrisie, tout se ressent alors que rien ne s’énonce. Et cet insupportable ennui que Quimu Casalprim i Suárez ose filmer, dans sa longueur et sa lenteur, loin de nous ennuyer, atteint une forme intense d’hypnose et finit par nous faire sourire. Mais soudain, l’ordre logique de l’action est bouleversé par une scène tournée à l’envers. Dans un sursaut du corps incontrôlable, Madame pose un acte violent. Faisant éclater la structure narrative et représentative, le cinéaste donne alors une libre interprétation aux événements et crée, à partir de ce point, une forme libre et complexe où se succèdent images stroboscopiques, images en négatifs, sur et sous exposées. Si cette deuxième partie permet de démultiplier les possibles et rend peut-être, plus universel, le rapport amoureux comme rapport de force, elle perd malheureusement cette distance ironique que le film installait dès le départ. Néanmoins, « Zeitriss » parvient à brouiller le visible, à imposer ses propres codes de fonctionnement et de lecture pour provoquer le trouble et un questionnement intime.

Sarah Pialeprat

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Article associé : l’interview de Quimu Casalprim i Suárez

L comme Lost Paradise

Fiche technique

Synopsis : Un couple fait tendrement l’amour dans une chambre d’hôtel bon marché. Quelques instants plus tard, alors que l’homme et la femme se rhabillent en silence, l’idylle qui paraissait authentique semble avoir soudainement disparue. Une interprétation moderne du récit d’Adam et Eve.

Genre : Fiction

Durée : 10’

Pays : France

Année : 2008

Réalisation : Mihal Brezis, Oded Binnun

Scénario : Mihal Brezis, Oded Binnun

Images : Oded Binnun

Musique : Ronen Shapira

Son : Itay Halevi

Décor : Assaf Turjeman

Montage : Mihal Brezis,

Production : Divine Productions

Interprétation : Moris Cohen, Rotem Zissman-Cohen

Article associé : l’interview de Mihal Brezis

S comme Sabbath Entertainment

Fiche technique

Synopsis : On est à la veille de Shabbat. Rachel fait le mur hors de la maison familiale pieuse, pour rejoindre ses amis laïques. Sur le chemin de la fête survient le pire de tout – un accident pendant Shabbat.

Genre : Fiction

Durée : 20’

Pays : Israël

Année : 2003

Réalisation : Mihal Brezis, Oded Binnun

Scénario : Mihal Brezis, Oded Binnun

Images : Oded Binnun

Montage : Merav Levin

Production : Sam Spiegel Film and Television School

Interprétation : Tali Sharon, Aviva Ger, Yael, Naama Yabokoff

Article associé : l’interview de Mihal Brezis

T comme Tuesday’s Women

Fiche technique

Synopsis : Tuesday’s Women adapte une nouvelle du romancier japonais Haruki Murukami au sujet dd’un homme qui se trouve mystifié par un certain nombre de femmes rencontrées un mardi.

Genre : Fiction

Durée : 20’

Pays : Israël

Année : 2004

Réalisation : Oded Binnun, Mihal Brezis

Scénario : Oded Binnun, Mihal Brezis

Images : Mihal Brezis

Son : Alex Claude

Montage : Mihal Brezis

Production : Sam Spiegel Film School

Interprétation : Gur Yaari, Olga Getmanski, Yael Zafrir, Reymond Amsalem

Le site du film : www.tuesdayswomen.com

Article associé : l’interview de Mihal Brezis

Mihal Brezis. La femme, la religion et la structure

Depuis leur rencontre à la Sam Spieghel Film School (Israël), Mihal Brezis et Oded Binnun font des films en duo, en symbiose, et en couple. Après « Sabbat Entertainment » et « Tuesday’s Women », leurs films de fin d’études, ils ont co-réalisé « Lost Paradise » présenté cette semaine à Angers, dans la compétition officielle des courts métrages français. Rencontre avec une femme momentanément sans binôme, Mihal Brezis.

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En revenant quelques années en arrière, qu’est-ce qui t’a incitée à devenir réalisatrice ?

Je suis née en Israël, mais j’ai grandi dans plusieurs pays. Très jeune, j’ai vécu en Amérique puis, quelques années plus tard à Paris. J’ai aussi été partagée entre des religions et des langues différentes. Quand je m’asseyais dans des salles de cinéma, je m’identifiais énormément avec ce qui se passait à l’écran, parce que j’étais moi-même partagée entre des mondes et des identités très différents.

J’ai vécu dans des mondes qui étaient souvent à part, dans des doubles vies en quelques sorte. Quand on vit comme ça, je pense qu’on cherche à se créer un certain personnage et une identité plus claire, donc à se raconter une certaine histoire. Le cinéma permet de comprendre quelle est notre identité et cadre la vie dans une structure plus claire.

Entre la recherche de structures et l’école de cinéma, il n’y a pas forcément de lien. Dans quelles circonstances as-tu approché la Sam Spiegel Film School ?

Adolescente, je voyais des films que j’adorais et j’avais très envie d’en faire moi aussi. Pourtant, j’avais commencé des études d’économie, mais l’idée du cinéma traînait tout le temps dans ma tête. Un jour, tard le soir, en sortant de l’université, je me suis faufilée dans une soirée d’étudiants de fin d’année de la Sam Spiegeloù j’ai vu plusieurs courts métrages dont « Sea Horses », de Nir Bergman, le réalisateur de « Broken Wings». Son film m’a beaucoup émue, je suis entrée en quelque sorte dans cette école après l’avoir vu. Quelques années après, c’est lui qui m’a aidée avec mon premier court métrage, en tant que tuteur.

Tu as rencontré Oded à l’école. Comment se fait-il que vos films de fin d’études sont des co-réalisations et non des réalisations individuelles ?

On est en couple. On est en quelque sorte en symbiose : on vit ensemble, on travaille ensemble, et comme la vie et le cinéma c’est souvent lié, pour nous aussi, c’est le cas. « Tuesday’s Women », le projet d’Oded, est plus son alter ego que le mien à l’écran, mais j’y ai travaillé. Dans mon fin d’études, « Sabbat Entertainment », et dans celui-ci, « Lost Paradise », c’est un petit peu plus mon identité qui est portée à l’écran, mais cela n’empêche pas qu’Oded y a collaboré. “Mes” films sont un petit plus féminins et traitent de la religion, mais comme les affinités artistiques et communicatives sont là, il n’y a pas de problèmes.

Au départ, Oded représentait son projet, et moi le mien, mais dans les coulisses, on faisait tout à deux. Je travaillais tout le temps avec lui, mais on ne se rendait pas encore compte que ces films deviendraient des co-réalisations. C’est seulement à la fin qu’on a compris que ces films étaient vraiment faits à deux.

Quand tu étais étudiante, avais-tu le sentiment que tu étais totalement libre à l’école, que tu pouvais faire ce que tu voulais, et que les seules limites ne venaient que de toi ?

La réponse est complexe. À l’école, on apprend à être intègre avec sa vérité, ensuite on s’ajuste aux demandes. Avec « Sabbat », j’ai presque toujours pu faire ce que je considérais comme juste et vrai. L’école est connue pour ne pas laisser toute la liberté à l’étudiant, et pour lui imposer parfois certaines choses. Je me souviens par exemple qu’elle voulait que le film commence différemment, et que la structure soit plus narrative, plus normale. Mais j’ai eu de la chance parce que les commissions ont été favorables au projet, et que je n’ai pas dû beaucoup me battre ni faire de compromis.

Tu disais précédemment que ce qui t’intéressait, c’était de travailler autour des femmes et de la religion. Là, tu as fait trois films. Qu’est-ce qu’une jeune réalisatrice peut explorer de film en film sur ces deux sujets ?

D’abord, je pense qu’être femme réalisatrice, c’est…

Rare ?

Oui (rires). Les femmes, on le dit souvent, représentent la plus grande minorité dans le monde. Surtout dans le cinéma qui est un lieu très masculin et qui demande beaucoup d’argent, de pouvoir et de confiance. Personnellement, je me sens très privilégiée de pouvoir faire des films en tant que femme, peut-être aussi parce que je travaille en couple.

Le féminin est un sujet qui me passionne, et que je vais continuer à l’explorer. Il y a tellement peu de femmes qui font du cinéma que ce qu’elles diront d’authentique dans leurs films, pourra apporter énormément, car cette écriture féminine est un regard qu’on voit peu.

Ensuite, la religion, c’est un monde duquel je viens. Pour moi, tout ce qui touche à la femme et à la religion parle aussi du désir et du corporel. Ce sont des choses qui m’intéressent et qui fonctionnent avec le langage du cinéma car le cinéma, c’est justement tout ce qui est conflit, désir et image.

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« Lost Paradise » est votre premier film après l’école. Qu’est-ce qui a déterminé ce projet ?

En fait, on travaillait sur un autre projet, quand quelque chose s’est passé dans ma vie. Tout d’un coup, l’idée m’est venue, et elle était très forte, beaucoup plus claire et structurée que le projet précédent. À partir de là, on a trouvé un partenaire en France et avec son soutien, on a réussi à faire le film.

Comme « Shabbat Entertainment », la structure de ce film n’est pas vraiment classique…

Pour moi, la structure était assez claire. En général, les histoires d’amour montrent un homme et une femme qui se connaissent et qui se déshabillent au fur et à mesure qu’ils s’aiment. Ici, l’idée était d’inverser cette structure, de montrer un homme et une femme qui s’aiment déshabillés, et qui vont s’habiller. En quelque sorte, c’est l’inverse du film d’amour en général.

Sans dévoiler le propos du film, celui-ci traite de la double identité. Avec un sujet pareil, il y avait un risque de sombrer dans la caricature, liée à l’actualité d’Israël. Comment l’avez-vous évitée ?

Je ne sais pas. C’est un petit peu un miracle que le film ne soit pas sorti caricatural, parce que pour moi l’idée de base est très forte. Elle est en quelque sorte une continuation de « Sabbat » dans les thèmes : le double monde, la double vie, la double identité. Dans ce film présent, il y a aussi une double identité, celle au naturel et celle qu’on a une fois habillé.

Pour moi, il y a dans ce film des choses qui vont bien au-delà de la caricature, peut-être parce que le sujet est personnel à plusieurs points de vue et parce qu’en Israël, il est lié à une certaine réalité.

Le film est produit par la France. En Israël, est-ce toujours aussi compliqué qu’avant de faire des films à l’intérieur du pays ?

En fait, en Israël, les courts métrages indépendants n’existent pas du tout. Il n’y a que des films d’écoles et ensuite, il n’y a aucun fonds auquel accéder pour continuer à faire des courts. C’est pour cela qu’on a cherché assez rapidement des partenaires en France, car le court métrage y existe de manière beaucoup plus confirmée qu’en Israël. Ce qui est positif, c’est que « Lost Paradise » et quelques autres films ont ouvert un débat dans le pays pour que le gouvernement vienne en aide aux films indépendants. En ce moment, de plus en plus de voix vont dans ce sens, et je pense qu’on va commencer à voir plus de courts métrages indépendants en Israël.

En combien de temps avez-vous tourné le film ?

Le budget était vraiment limité. On avait seulement deux jours de tournage. Divine Production a cru dans le film, l’a financé, et de ce point de vue, on leur doit énormément. On n’avait pas de réel soutien à part eux, ce qui fait qu’on était quand même très limité dans le budget. Deux jours de tournage, c’était vraiment le maximum qu’on pouvait se permettre.

Comment fait-on en deux jours pour mettre en confiance deux acteurs qui doivent tourner nus ?

Ils sont mari et femme dans la vie. Après plusieurs répétitions, ils étaient vraiment très préparés, et étaient très présents l’un pour l’autre sur le plateau. Rotem Cohen-Zisman, la femme, est une actrice confirmée en Israël. Quand elle n’était pas très sûre d’elle-même, son mari regardait le moniteur et lui disait : « non, non, ne t’inquiète pas. On ne voit rien, tu étais très belle. » Il la rassurait et m’aidait en même temps.

Au départ, on avait choisi d’autres comédiens, mais il y avait quelque chose dans ce couple, surtout dans leur complicité, qui a fait qu’on est tombés amoureux d’eux. Cette complicité était très importante : dans le film, elle démarre dès le début, à la première minute.

Comment « Lost Paradise » est-il reçu en festival ?

Plutôt bien. On vient de recevoir le Grand Prix au festival de Kusturica [l’International Küstendorf Film Festival]. Le film a beaucoup touché les gens en Serbie, il leur a rappelé leurs conflits internes. Je ne connaissais pas vraiment la situation là-bas, je ne savais pas à quel point la question des religions pouvait ressembler à celle qui existe en Israël, donc c’était une expérience très forte.

En faisant un film, on ne prévoit pas toujours son impact sur le public. Dans une situation pareille, on réalise qu’on a traité d’un sujet vraiment universel qui a touché des pays et des gens auxquels on n’aurait jamais pensé.

Propos recueillis par Katia Bayer

Consulter les fiches techniques de « Lost Paradise », « Sabbat Entertainment », et « Tuesday Women »

Concours de courts ouvert aux réalisateurs jusqu’à 30 ans

Le Festival de courts métrages de la Côte Bleue ayant lieu les 20 et 21 mars prochains, est à la recherche de films pour sa prochaine édition. Le concours est ouvert aux jeunes réalisateurs (jusqu’à 30 ans), et de nombreux prix sont attribués.

Date limite : 28 février 2010

Films autorisés : 15 minutes maximum,thème libre

Règlement et inscriptions : www.cinemafernandel.fr

concours

I comme In een Vergeten Moment

Fiche technique

Synopsis : Un documentaire dans lequel le réalisateur est à la recherche des instants d’oublis. Ces Instants qui constituent une halte dans le flux mouvementé de nos vies quotidiennes, et durant lesquels nous nous en remettons au temps. Ces instants où nous semblons oublier le monde alentour et où nous accédons doucement à notre subconscient.

Genre : Documentaire, Expérimental

Durée : 20’

Pays : Pays-Bas

Année : 2009

Réalisation : Menno Otten

Scénario :Menno Otten

Images : Lennart Verstegen

Son : Evelien van der Molen

Montage : Saskia Kievits

Production : NFTA

Article associé : la critique du film

In een Vergeten Moment de Menno Otten

Le décalé surgit quand il le veut. Par exemple, lorsque en proie à un moment d’oubli, le regard dans le vide et les pensées ailleurs, une phrase anodine, « vous êtes dans vos rêves ! », signe votre retour à la réalité. Récoltés dans le métro, ces quelques mots ont beau s’effacer à la station suivante, ils provoquent une sensation étrange après la vision du film de Menno Otten, « In een Vergeten Moment », projeté à Angers dans le cadre du Programme Figures Libres.

Film de fin d’études de la NFTA (la Nederlandse Film en Televisie Academie d’Amsterdam), « In een Vergeten Moment » est une expérience documentaire troublante centrée sur ces moments d’oublis où l’on se coupe du monde environnant et où l’on accède lentement à notre subconscient.

Dans le mouvement incessant du quotidien, le flux, l’anonymat, et le rythme sont de mise. Certains se figent pourtant aux abords des arrêts de bus, et plongent dans leurs pensées, en rompant pendant quelques instants avec les notions définies de temps et d’espace. Ces hommes, ces femmes, et ces enfants sont les sujets ‘’absents’’ du film de Menno Otten, un jeune auteur ayant déjà exploré de façon expérimentale les limites de la réalité et de la conscience, avec son court métrage précédent, « Nachtwake », élu Grand Prix du Festival Silhouette à Paris et Meilleur Documentaire au Festival de Saint-Pétersbourg.

Plastiquement, « Nachtwake » est aussi probant que « In een Vergeten Moment ». Mais ce film-ci retient plus l’attention. En filmant une galerie de portraits figés, en offrant un regard sur les absences de chacun, le réalisateur lie expérience et cinéma, intimité et collectivité, et renvoie chaque spectateur à sa propre perception du subconscient.

Il est intéressant de s’en remettre à l’écrit, pour en savoir plus. Sur son site internet, Menno Otten explique la genèse de son projet. Son film de fin d’études est né d’une photographie, celle d’une femme perdue dans ses pensées, dans le métro à Tokyo. Ce regard vide a tellement marqué l’étudiant qu’il a voulu le retrouver dans les rues d’Amsterdam, et le capturer dans le mouvement, avec sa caméra. Entreprise difficile, entreprise réussie.

Katia Bayer

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Festival du Court métrage de Grenoble, ouverture des inscriptions

Du 6 au 10 juillet 2010 se tiendra la 33ème édition du Festival du Court Métrage en Plein Air de Grenoble. Au centre de la fête : le court métrage sous toutes les coutures, en compagnie de ceux qui le font, ceux qui le montrent, et ceux qui l’aiment.

Trente à quarante courts métrages concourent pour une douzaine de prix, pour un montant total d’environ 40.000 €. Répartis en cinq programmes (un différent chaque soir), les films sont projetés deux fois par soir, une première fois en salle à 20h30, puis en plein air à 22h00.

Pour inscrire votre film (supports de projection acceptés : 16 mm et 35 mm), rendez-vous sur : http://www.le-court.com/films_platform

Le site du festival : www.cinemathequedegrenoble.fr

H comme Homeland

Fiche technique

Synopsis : L’entreprise impossible d’une grand-mère qui tente de tricoter un pull à une créature étrange dont les bras ne cessent de se multiplier.

Genre : Animation

Durée : 6’

Pays : République Tchèque

Année : 2008

Réalisation : Juan De Dios Marfil Atienza

Scénario : Juan De Dios Marfil Atienza

Animation : Juan De Dios Marfil Atienza

Musique : Juan De Dios Marfil Atienza

Son : Juan De Dios Marfil Atienza

Montage : Juan De Dios Marfil Atienza

Production : FAMU

Article associé : la critique du film

Homeland de Juan de Dios Marfil Atienza

Découvert à Annecy et retrouvé à Angers, « Homeland » est un court d’école tchèque réalisé par un espagnol, Juan de Dios Marfil Atienza. Produit par la FAMU, ce film d’animation en noir et blanc est un hommage à l’amour, à la liberté, et au tricot.

Elle, c’est la minuscule madame. Elle vit seule dans une jolie maison crayonnée. Un jour, dans son jardin, un curieux personnage lui fait signe de la main. Elle se met à lui tricoter un petit pull, pour qu’il évite de s’enrhumer. Action louable sauf que la créature se développe à une vitesse folle et que ses bras ne cessent de se multiplier…. Au point qu’elle ne peut plus rentrer dans la jolie maison crayonnée.

« Homeland » est un film à part. En six minutes, il nous parle de solitude, d’attachement, de différence, de séparation, et d’espoir. Porté par une musique vibrante composée par le réalisateur lui-même, il se définit par son trait minimaliste, son absence de dialogues, son esthétique affirmée (le noir et blanc), et son lien avec l’animation traditionnelle (2D, dessin sur papier).

Il arrive que les films animés se réfugient derrière des excès visuels, des bande-sons surchargées, et des scénarios bien complexes. Tendre et étonnant, ce film-ci prouve que la simplicité au service d’une histoire est une singularité désarmante et indispensable à son ressenti.

Katia Bayer

Consulter la fiche technique de « Homeland »

Les Très Courts 2010, appel à films

Les 7, 8, et 9 mai, le Festival international des Très Courts fêtera sa 12ème édition. Les films de moins de trois minutes seront simultanément mis à l’honneur à Paris et dans une centaine de villes en France et à l’étranger. Dès à présent, vous pouvez y inscrire votre film.

Les oeuvres très courtes (moins de 3 minutes, hors titre et générique) peuvent être inscrites jusqu’au 10 février 2010. La sélection sera annoncée à partir du 18 mars 2010 sur Internet.

Infos : www.trescourt.com

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Festival de Clermont-Ferrand : Participez au Prix des internautes pour le meilleur court métrage 2010

Visionnez ces sept films sur le site de L’Express et votez en ligne pour votre court préféré.

Alter Ego, de Cédric Prevost

Syn. : La rencontre dans un parc parisien , entre Nadir et Esther, un jeune homme et une jeune femme que tout sépare. Du moins en apparence…

La Peau Dure, de Jean-Bernard Marlin et Benoît Rambourg

Syn. : Anthony, une enfant de douze ans tente de tuer un garçon de son quartier pour impressionner son père. Et s’il y parvenait ?…

Tous les enfants s’appellent Dominique, de Nicolas Silhol

Syn. : Suite à un test psychologique passé à l’école, Carole apprend que son fils Quentin est atteint du « trouble des conduites ». Le regard qu’elle porte sur lui est progressivement contaminé par cet inquiètant diagnostic…

La raison de l’autre, de Foued Mansour

Syn. : Caroline, jeune conseillère du RMI, découvre par hasard que l’une des personnes dont elle a la charge travaille au noir. Se sentant étrangement trahie, elle va tenter d’en savoir plus sur cet homme, en le suivant une nuit après son travail. En se mettant ainsi en danger, elle espère redonner un sens à son rôle de travailleur social et soulager ses propres démons.

C’est dimanche, de Samir Guesmi

Syn. : Alors qu’il est renvoyé du collège, Ibrahim, treize ans, fait croire à son père qu’il à décroché un diplôme…

C’est gratuit pour les filles, de Claire Burger et Marie Amachoukeli

Syn. : Dans quelques jours, Laetitia obtiendra son brevet professionnel de coiffure et concrétisera son rêve avec sa meilleure amie : ouvrir un salon ensemble…

Climax, de Frédéric Sojcher

Syn. : Jonathan, jeune réalisateur s’apprête à réaliser la scène cruciale de son premier film

Angers 2010

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Retrouvez déjà dans ce Focus :

Le Festival vu par Raoul Servais

La liste des courts français & européens sélectionnés

Les noms des films d’écoles et des Plans animés en compétition

Le Palmarès 2010

La critique de « Anna » (Rúnar Rúnarsson, Danemark)

La critique de « Homeland » (Juan De Dios Marfil Atienza, République Tchèque)

Les quelques photos d’Angers

La critique de « In een Vergeten Moment » (Menno Otten, Pays-Bas)

La critique de « Zeitriss » de Quimu Casalprim i Suárez (Allemagne)

La critique de « A family Portrait » de Joseph Pierce (Royaume-Uni)

L’interview de Mihal Brezis, réalisatrice de « Lost Paradise » (France)

César du Meilleur court métrage, les 5 finalistes

C’est Gratuit Pour Les Filles réalisé par Claire Burger et Marie Amachoukeli

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Syn. : Dans quelques jours, Laetitia obtiendra son brevet professionnel de coiffure. Elle et sa meilleure amie Yéliz, pourront concrétiser leur rêve : ouvrir un salon ensemble. Mais avant de passer son examen, Laetitia veut aller à une fête.

¿Dónde Está Kim Basinger? réalisé par Edouard Deluc

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Syn. : Marcus et son frère Antoine atterrissent en Argentine. Ils viennent y passer quelques jours pour le mariage de leur cousin et comptent bien en profiter pour découvrir les joies de Buenos Aires. Seul problème, Antoine vient à peine de se faire quitter par la femme qu’il aime et Marcus a bien du mal à lui remonter le moral.

La Raison De L’autre réalisé par Foued Mansour

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Syn. : Caroline, jeune conseillère du RMI, découvre par hasard que l’une des personnes dont elle a la charge travaille au noir. Se sentant étrangement trahie, elle va tenter d’en savoir plus sur cet homme en le suivant une nuit après son travail. Se mettant de cette manière en danger, elle espère redonner un sens à son rôle de travailleur social et soulager ses propres démons.

Séance Familiale réalisé par Cheng-Chui Kuo

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Syn. : Une équipe de télévision française s’invite dans une famille taiwannaise vivant à Taipei, dans le cadre d’une émission de télé-réalité. Petit à petit, la caméra devient un nouvel outil de communication au sein de la famille.

Les Williams réalisé par Alban Mench

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Syn. : Parmi ses cadeaux de mariage, Francis a reçu un chien. Il demande à William, son ami d’enfance, de le garder pendant sa lune de miel. Une simple demande qui va soulever un problème de fond chez William.

L’identité du film gagnant sera connue le samedi 27 février 2010, lors de la retransmission de la Cérémonie des César (retransmise par Canal+,  en clair et en direct du Théâtre du Châtelet).