Fiche technique
Synopsis : Marvin exécute les condamnés à la chaise électrique. Sa vie bascule quand le gouvernement abolit la peine de mort.
Genre : Fiction
Durée : 14’
Pays : Finlande
Année : 2009
Réalisation : Miina Alajärvi
Scénario : Jussi Jokihaara
Images : Juho Kepanen
Musique : Jarkko Hietanen
Son : Jarno Muhonen
Montage : Arttu Salmi
Production : Tampere University of Applied Sciences, School of Art and Media
Interprétation : Derek Melling
Article associé : la critique du film
Primé à de nombreux festivals partout dans le monde et sélectionné en compétition internationale à la 32ème édition du Festival des films d’écoles à Poitiers, « The Electrician » de Miina Aaljärvi pose un regard comique et inédit sur l’éternel thème de la mort.
Gardien de prison de son état, Marvin est le préposé aux exécutions à la chaise électrique. Le jour où la pratique de la peine de mort est supprimée par un état en voie de dégénération, il récupère son objet fétiche. Congédié sous la nouvelle réforme trop humaniste à son goût, il vit mal son désœuvrement et passe son temps entre se teindre la barbe en noir et inventer une chaise électrique collective « pour toute une famille, si besoin est »… Une confidence professionnelle de la part de son médecin lui offre enfin la possibilité de se consacrer à son meilleur atout : affronter la mort sans flancher.
Film de fin d’études de la Finlandaise Miina Alajärvi, « The Electrician » est né d’une collaboration étroite entre l’Université TAMK (Finlande) et celle de Salford (Royaume-Uni). Cette comédie douce-amère divertit par son côté à la fois loufoque et sévère, dû en grande partie à son scénario. Signé Jussi Jokihaara, celui-ci dose brillamment ironie mordante et comédie de situation pure. Transposé dans le contexte blême de Manchester, où le film a été tourné, le récit est doté d’une esthétique particulièrement resserrée, quasi télévisuelle. Cerise sur le gâteau : l’acteur Derek Melling est lui-même hilarant par son aspect stoïque et implacable, tout comme Toby son chien, autre partisan fidèle du siège survolté.
S’appuyant sur la simplicité, privilégiant la transparence et se contentant de la sobriété, « The Electrician » incarne un certain genre de comédie épatant et rassurant, tel que seule la retenue nordique pourrait engendrer.
Depuis ses débuts, en 1980, Fujifilm soutient le court métrage et aide à sa diffusion via des partenariats avec des Festivals de films courts dans toute la France. Parallèlement à ces actions, les soirées « Fuji Tous courts » ont été créées. Tous les deux mois, Fujifilm permet aux réalisateurs, directeurs de la photographie et producteurs de courts métrages de projeter en 35mm leur toute dernière création cinématographique. Les soirées permettent la projection plusieurs courts métrages. Une rencontre avec les réalisateurs, producteurs et directeurs de la photographie des films présentés fait suite à ces projections.
Ce mois-ci, Fujifilm soutient le format court en proposant une sélection de 7 courts métrages projetés en qualité 35 mm. Dans le cadre des Fujifilm Award, les spectateurs seront appelés à choisir, via un bulletin de vote, leur film préféré à l’issue de cette séance. Le film recueillant le plus de votes pourra concourir pour le « Prix Fuji Tous Courts » en juin 2010.
Films présentés :
Les astres noirs de Yann Gonzalez
Trompe l’oeil de Florent Sauze
A ce soir de Olivia Basset
Entre chiens et loups de Jean-Gabriel Periot
Toute ma vie de Pierre Ferrière
La condition humaine de Anthony Combet
Faits divers de Bill Barluet
Infos utiles :
Mardi 19 janvier 2010 à 18h00
Cinéma des Cinéastes – 7 avenue de Clichy
75017 Paris
Site web : www.fujifilm.fr/www/professionnels/cinema/evenements/fuji-tous-courts.jsp
Une Japonaise à Clichy, un trio féminin qui tente de retrouver une famille en Espagne, un carabinier qui renoue avec ses racines au contact d’une Gitane, des Français à Buenos Aires, les relations sentimentales et familiales tissées ici célèbrent des liens cosmopolites. S’ils se jouent des stéréotypes nationaux, les émotions et surtout les rires que ces films éveillent sont autant d’heureux antidotes à tous les débats plus ou moins frelatés qui ont été agités à propos de l’identité nationale.
Films présentés :
Cendres de Paul Costes
Annie de Francia de Christophe Le Masne
O’Moro de Christophe Calissoni/Eva Offredo
Donde esta Kim Basinger ? de Edouard Deluc
Infos : Soirée Bref, 20h30, au MK2 Quai de scène. 14 quai de la Seine – 75019 Paris
Fiche technique
Synopsis : Ayant quitté sa famille et ses proches pour suivre ses études d’avocat, Samir retourne dans son quartier d’origine pour assister à la circoncision de son petit frère.
Genre : Fiction
Durée : 29’23’’
Pays : France
Année : 2003
Réalisation : Nassim Amaouche
Scénario : Nassim Amaouche
Images : Cedric Ascencio, Sylvain Zambelli
Son : Julien Broyer, Morgan Lanniel
Musique : Cheb Khaled
Montage : Aurélie Monier
Interprétation : Benaïssa Anouari, Yasmine Belnadi, Keine Bouhiza, Fariza Mimoun, Abde Deen
Production : Institut International de l’Image et du Son
Article associé : l’interview de Luc Engélibert
Fiche technique
Synopsis : Dans la rue commerçante la plus animée du quartier chinois, Delfino se débat dans les formalités pour obtenir la nationalité américaine, John se démène pour obtenir un permis de construire et Vito vient enfin de gagner le gros lot. Ici, on peut vraiment faire fortune et profiter de tout ce qui s’offre à vous.
Genre : Documentaire
Durée : 55’
Pays : Allemagne
Année : 2008
Réalisation : Damian John Harper
Scénario : Damian John Harper
Images : Kaspar Kaven
Son : Imannuel Hick
Montage : Damian John Harper
Interprétation : Delfino Hernandez, John Casalinuovo, Vito Baltrusaitis
Production : Hochschule für Fernsehen und Film München
Le site du film : http://www.myspace.com/mother_of_exiles
Article associé : l’interview de Luc Engélibert
Fiche technique
Synopsis : Un train entre dans une fabrique de savon. A l’intérieur: des immigrés clandestins. L’une d’eux quitte le train. Dans l’usine, elle trouve du secours, de l’aide et de la solidarité.
Genre : Fiction
Durée : 26’
Pays : Mexique
Année : 2008
Réalisation : Elisa Miller
Scénario : Elisa Miller
Images : Christian Rivera, Maria José Secco
Son : Federico Schmucler
Montage : Ares Botanch
Interprétation : Jaime Estrada, Marcela Cuevas
Production : Centro de Capacitación Cinematográfica
Articles associés : l’interview de Luc Engélibert, la critique du film
Les interviews de directeurs artistiques se poursuivent sur Format C. Après Bernard Boulad du Festival de Brest, c’est au tour de Luc Engélibert des Rencontres Henri Langlois de s’exprimer sur le court en général, et les films d’écoles en particulier. Entretien-brasserie, Place du Trocadéro, en compagnie du bruit, du thé, et des changements de service.
Quels ont été vos liens avec le cinéma, avant de vous rapprocher du Festival de Poitiers ?
Je me suis toujours intéressé au cinéma et à la fabrication d’images. J’ai animé le ciné-club de mon école, puis après le bac, j’ai suivi plusieurs formations dont des études de cinéma à Paris 3. Relativement vite, j’ai fait des courts métrages que je n’ai pas trouvés bons, et qui n’auraient pas intéressé beaucoup de monde, à mon avis ! Ces films, je les faisais sans aucun moyens, avec un peu de pellicule, et des caméras empruntées. Très rapidement, je me suis rendu compte que la réalisation n’était pas pour moi. Comme j’aimais beaucoup parler des films, les décortiquer, et analyser les émotions que provoquait le cinéma, je me suis dit que ma place serait mieux dans un rôle de passeur ou de vecteur, entre les oeuvres et le public. C’est comme ça que j’ai cherché à être exploitant de salles d’art et d’essai, plutôt dans l’action culturelle, et que j’ai créé une société de distribution et un complexe de cinéma, avec d’autres personnes. Ce qui m’intéressait, c’était de faire découvrir des cinéastes, des auteurs, à un public. Cette envie est restée, avec le temps.
L’exploitation est plutôt liée au long. Est-ce que vous montriez des courts en première partie de programme dans vos salles ?
Non. Aujourd’hui ce n’est plus possible de le faire sauf si on mène un acte très volontariste avec l’Agence du court métrage, avec le RADI [Réseau Alternatif de Diffusion], qui permet d’avoir accès à un certain nombre de courts, et de les montrer. Deux problèmes se posent : d’une part, le RADI ne fait plus entrer personne parce qu’il n’arrive plus à avoir assez de copies pour pouvoir le faire, et de l’autre, une séance pareille a forcément un coût puisqu’en France, le court métrage n’a pas le droit de prendre sa recette sur le billet du long. Quand on passe un court, c’est systématiquement dans la part de l’exploitant qu’on prend de l’argent pour payer le court, et non sur le ticket d’entrée. C’est pour cela que j’ai préféré privilégier des rendez-vous et des rencontres autour du court métrage tous les mois, quand j’étais exploitant à Paris.
Comment s’est établi le rapprochement avec le festival de Poitiers ? Le connaissiez-vous, le suiviez-vous ?
Je le connaissais, mais je n’étais jamais allé à Poitiers même. J’y suis allé une fois à Tours en 85 ou 86, lors des premières années du festival, quand il était encore centré sur les films de fin d’études. Je n’y étais pas retourné depuis. Il y a cinq ans, le Directeur général de la Scène Nationale de Poitiers m’a appelé. Il venait de récupérer les Rencontres Henri Langlois des mains du maire et m’a proposé de reprendre l’événement. J’ai accepté, et depuis septembre 2004, je fais partie de cette aventure.
https://www.youtube.com/watch?v=iRZuUPeLUVw
Comment aborde-t-on un festival, alors qu’on y a été qu’une seule fois, il y a longtemps, dans une autre ville, et sous une dénomination différente ? En arrivant, vous a-t-on de demandé de rester dans la continuité des éditions précédentes ou d’apporter votre touche personnelle ?
L’idée n’était surtout pas de rester dans la continuité des éditions précédentes, pour une raison simple. Depuis sept ans, le festival perdait de l’argent, et les trois dernières années avaient été un gouffre financier fantastique, au point que la Mairie, la Ville, le Département, la Région, et l’Etat avaient décidé de ne plus verser de subventions. Le festival était en liquidation quand le maire de l’époque a décidé d’en racheter le nom et de le confier au Théâtre National de Poitiers. En voyageant à l’étranger, il rencontrait de nombreuses personnes qui savaient qui était Henri Langlois, mais personne ne savait où se trouvait Poitiers. Il a décidé de maintenir le festival et de refaire le tour des financiers, de convaincre l’Etat, la Région, le Département, etc de remettre le couvert. En le confiant au responsable du Théâtre, il lui a dit qu’il voulait que le festival garde son renom”. Il n’a pas donné d’autres cahiers des charges que celui-là.
Après, pour la touche personnelle, j’ai eu envie de rester fidèle au projet de Langlois (une compétition uniquement composée de films d’écoles), mais de l’enrichir d’autres rendez-vous, de rencontres professionnelles, d’ateliers en faveur des jeunes, de sections de films d’écoles françaises, et de focus particuliers sur une Région du monde dont on reçoit peu de films alors que beaucoup de choses qui s’y passent, cinématographiquement parlant.
Le festival est né à Tours et a déménagé par la suite à Poitiers. Quel était l’intérêt de Henri Langlois pour les films de fin d’études ?
Langlois est décédé quelques semaines avant le festival. Ses intentions de départ étaient claires. Il avait consacré toute sa vie à conserver la mémoire du cinéma, il voulait désormais donner un coup de main aux nouvelles générations pour que le renouvellement de cette histoire du cinéma puisse être soutenue et aidée.
Le festival, au moment où Langois l’a créé, était centré sur les films de fin d’études. Il y a trente ans, il y avait beaucoup moins de grandes écoles de cinéma qu’aujourd’hui. Il y en avait une quinzaine dans le monde (l’école de Łódź, la FAMU à Prague, le VGIK à Moscou, la NFTS à Londres, l’IDHEC et l’école Louis Lumière à Paris, la Columbia University à New-York, …. ). À cette époque, il y avait des écoles qu’on ne connaissait pas encore, soit parce qu’elles n’existaient pas soit parce qu’elles ne s’étaient pas encore fait remarquer. Le festival était un espace plus restreint pour les nouvelles générations et pour les films de demain.
Comment se fait-il que depuis l’an 2000, le festival se soit ouvert à tous les films courts réalisés par des étudiants en cinéma ?
Depuis quelques années, le festival s’est recentré sur les films d’écoles car on a constaté qu’il y avait parfois des films très aboutis en deuxième ou troisième année. Cependant, vous posez la question du court, mais le film d’écoles n’est pas seulement court. Les films d’écoles sont majoritairement des courts, mais on reçoit quand même quelques longs.
Vrai, vous en avez un de 92 minutes, cette année, « Der Die Das » [Sophie Narr, Allemagne]…
On en montre un, mais on en a reçu onze ou douze. Dans les écoles scandinaves, allemandes, et sud-américaines, certains étudiants font des longs métrages. La majorité reste du court, mais c’est surtout dû à des questions de moyens et de temps de production. Pour moi, le court et le long sont deux formats de films différents, mais tous deux sont des films d’écoles.
Concrètement, comment s’organise la sélection des milliers de films reçus ?
Je n’aurais jamais la prétention et la possibilité de les voir tous. Fatalement, j’en vois beaucoup moins. Dans le comité de sélection composé de 15 membres, chacun doit avoir vu 300 films, et chaque titre doit avoir été vu par 3 personnes pour passer à l’étape suivante où on en garde seulement 10%. Ensuite, avec mon équipe et les membres du comité qui veulent aller jusqu’au bout, on voit les 120 films restants, et on constitue un premier programme. Le critère le plus important est l’émotion, qu’elle soit provoquée par la manière d’écrire le scénario, l’idée générale qui a sous-tendu le propos du film, ou un parti pris de mise en scène très affirmé.
Je n’ai pas de voix prépondérante dans le comité, mais j’arrête le travail quand on est à peu près aux trois-quart des discussions. On regarde si il y a des régions du monde qui ne sont pas représentées. Si on n’a rien montré d’Asie, d’Afrique, d’Amérique Latine, alors qu’on a des films de ces endroits, on essaye de les repêcher. Sur quelques titres, la décision est donc un peu politique : on essaye de représenter un panorama assez complet de la nouvelle création. Après cela, on reprend le débat pour les derniers films.
La sélection se fait aussi par rapport à la durée. Quand on sait qu’on a onze programmes d’1h30, on en connaît le nombre total de minutes. Cette année, on a retenu 40 films, alors qu’il y a des années où on en a sélectionné 56 et même 63. Il y en a une vingtaine qu’on aurait vraiment voulu garder, mais on a voulu montrer le long métrage de 92 minutes. Un film pareil prend la place de six courts, donc on en montre moins. Ceci dit, la sélection à Poitiers reste une sélection extrêmement dure : 40 films sur 1300, c’est seulement 3%.
Quel regard portez-vous sur le niveau de ces films ?
Le niveau de ces films réalisés par des jeunes gens âgés d’une vingtaine d’années est étonnamment fort. Ce qui est captivant dans ce métier, c’est qu’on peut déjà prévoir ce qui va se passer dans la cinématographie des cinquante ans à venir. Le Mexique prend le pas depuis plusieurs années, l’Uruguay aussi. À Poitiers, on a vu arriver la cinématographie argentine et coréenne. On sait que le cinéma allemand est en train de se renouveler depuis sept/huit ans. D’ailleurs, ce n’est pas un hasard si il y a quand même neuf films allemands sur quarante dans la compétition…
Vous avez cité à plusieurs reprises le mot « émotions ». Pourriez-vous me parler d’émotions précises provoquées par des films programmés cette année ?
« Roma » [Elisa Miller, Mexique] par exemple, raconte, l’histoire d’une jeune fille qui descend d’un train, et qui s’introduit dans une usine pour se laver. Elle y rencontre un vieil ouvrier qui lui apporte du savon et une serviette pour qu’elle puisse se doucher. Cette rencontre, en très peu de mots, est filmée dans des champs/contrechamps avec un mouvement, une fluidité de caméra, qui donne à penser que quelque chose de très pudique, de très retenu se passe entre eux. L’usine de ce film est également très bien filmée. Rarement, on voit aussi bien filmé le travail, et un lieu de travail. Devant un film pareil, on se dit immédiatement, que la réalisatrice sait écrire, et qu’il y a quelque chose de formidable en elle.
Le documentaire « Mother of exiles » [Damian John Harper, Allemagne] m’a aussi beaucoup touché. Sous forme de portraits, le réalisateur traite de la vie dans les quartiers new-yorkais. Le film a l’intelligence d’être à la fois extrêmement documenté sur les lieux de la ville et la vie au quotidien. L’auteur a compris comment le réel pouvait s’intégrer dans la fiction et comment le documentaire pouvait s’approprier le réel, pour lui donner cette espèce de chair, de vérité. Lui aussi, il a cette capacité à écrire des choses très fortes, très émouvantes.
Avec le temps, qu’est-ce qui continue à vous animer dans le film d’école ? Les rencontres, l’effet de surprise, ou la possibilité d’attraper de nouvelles émotions ?
Découvrir des gens capables de provoquer à un moment donné des choses en moi, et transmettre ce plaisir-là à d’autres personnes est primordial. Chaque année, c’est un véritable plaisir de découvrir des films et de voir arriver tous ces jeunes qui repartiront enrichis par leurs rencontres et expériences. C’est ce que nous a dit Nassim Amaouche, Juré de cette édition, par exemple. Avant son premier long métrage, « Adieu Gary », lauréat du Grand Prix de la Semaine de la Critique, il avait été récompensé en 2004 à Poitiers, avec son court métrage « De l’autre côté » [Prix Spécial du Jury et le Prix Découverte de la Critique Française]. Cette année, il m’a dit : “je ne peux pas dire que Poitiers m’a aidé à trouver les moyens de financer mon long métrage, mais c’est le festival qui m’a donné l’envie, l’énergie, et le courage, pour écrire, me lancer, et me confronter à un public, parce que j’avais été repéré et mis en avant par ces Rencontres-là. »
Est-il resté en contact avec les autres réalisateurs rencontrés en 2004 ?
Je peux déjà vous dire qu’il est resté en contact avec une réalisatrice qu’il a rencontré à Poitiers, puisque c’est sa femme et la mère de son fils ! C’est formidable ! Quand ça se passe comme ça, on est aux anges !
Propos recueillis par Katia Bayer
Consulter les fiches techniques de « Roma », « Mother of exiles » et « De l’autre côté ».
L’association Gindou Cinéma lance un concours de scénario ouvert aux jeunes de 12 à 20 ans résidant dans les régions Aquitaine, Limousin et Midi-Pyrénées. Les participants soumettront un projet de court métrage de fiction ayant trait aux sujets de l’immigration et/ou des rapports interculturels, soit sous la forme d’un scénario, soit sous la forme d’une vidéo de 10 minutes maximum préfigurant l’idée de court métrage et son contexte en présentant une petite fiction ou un entretien documentaire.
Un cinéaste professionnel sera recruté pour chaque projet présélectionné afin de mener avec les auteurs un travail d’écriture qui visera la finalisation d’un scénario et d’un dossier d’argumentation répondant aux exigences d’une réalisation professionnelle. Ce travail se fera sous la forme d’ateliers et par correspondance de février à mai 2010. La sélection finale aura lieu fin mai 2010 en présence des auteurs, des cinéastes et du jury. Le 1er prix désignera un projet lauréat dont le scénario sera réalisé avec des moyens de production professionnels engagés par Gindou Cinéma.
Date limite des candidatures : 22 janvier 2010
Pour plus d’infos et les inscriptions en ligne : www.goutdesautres.fr
Eté, automne, hiver… Depuis quelques saisons, les quelques photos restaient très discrètes. Délaissées au profit d’autres images, elles reviennent, intimidées, en ce début d’année, à dix-sept, pour figurer dans l’album de Poitiers. Parmi elles, se cachent tant bien que mal :
L’Ecole nationale supérieure Louis-Lumière propose une formation initiale professionnalisante, à la fois théorique et pratique, technique et artistique, propre à satisfaire les attentes des professions de l’image et du son. Elle dispense un enseignement dans le cadre de trois sections – cinéma, son, photographie – sanctionné par un diplôme de niveau Bac +5. Les inscriptions au concours 2010 sont ouvertes jusqu’au 19 février 2010.
L’Ecole compte 150 élèves répartis par promotions de 16 dans chaque section. La scolarité est gratuite. Placée sous la tutelle du Ministère de l’Éducation Nationale – Ministère de l’Enseignement Supérieur et de la Recherche, l’Ecole est un établissement public d’enseignement supérieur qui recrute à Bac +2 par voie de concours.
Section Cinéma
Phase 1A
* 26 mars 2010 : Epreuves des tests QCM (Centrex)
* 2 avril 2010 : Publication de la liste des admissibles en Phase 1B
Phase 1B
* 12 avril 2010 : Epreuves écrites avec projections à l’ENS Louis-Lumière
* 12 mai 2010 : Publication de la liste des admissibles en Phase 2
Phase 2
* 25 au 28 mai 2010 : Entretiens et épreuves pratiques à l’ENS Louis-Lumière
Section Son
Phase 1A
* 26 mars 2010 : Epreuves des tests QCM (Centrex)
* 2 avril 2010 : Publication de la liste des admissibles en Phase 1B
Phase 1B
* 13 avril 2010 : Epreuves écrites avec projections et dispositifs d’écoutes à l’ENS Louis-Lumière
* 12 mai 2010 : Publication de la liste des admissibles en Phase 2
Phase 2
* 2 au 4 juin 2010 : Entretiens et épreuves pratiques à l’ENS Louis-Lumière
Section Photographie
Phase 1
* 26 mars 2010 : Epreuves des tests QCM et écrits (Centrex et ENS Louis-Lumière)
* 16 avril 2010 : Publication de la liste des admissibles en Phase 2
Phase 2
* 3 au 5 mai 2010 : Entretiens et épreuves pratiques à l’ENS Louis-Lumière
Pour plus d’informations : www.ens-louis-lumiere.fr
Rúnar Rúnarsson est de retour. Celui qui aurait eu le cancer ou des hémorroïdes s’il n’avait pas fait de cinéma a probablement trinqué à la brennivín (alcool de pomme de terre) en apprenant qu’« Anna », son dernier film, très côté en festival depuis sa sélection à la Quinzaine des Réalisateurs, avait remporté le Grand Prix du Jury aux dernières Rencontres Henri Langlois. Tout comme « Smáfuglar », son précédent court, « Anna » est un film profondément personnel et juste, nourri de transitions, de choix, d’absences, de puretés, et d’émotions contrastées.
Évoqué comme “un film qui ne ressemble pas à un film d’écoles“ par le Jury du dernier Festival de Poitiers, « Anna » scrute le visage et le corps d’une enfant en proie à de nombreux changements. Anna, âgée de douze ans, vit seule dans un petit village de pêcheurs, avec sa mère sur le point d’accoucher. Abandonnée par son père, elle maintient un lien virtuel avec celui-ci, en s’occupant de son chalutier à l’abandon. Anna a bien un ami, Ole, avec lequel elle passe ses journées et boit des grenadines, seulement, cette relation ne lui suffit pas. Son cœur est triste, sa solitude est grande, et son corps se transforme. Tout comme le monde qui l’entoure, Anna change irrémédiablement.
Interpellé par l’isolement et le passage à la maturité, Rúnar Rúnarsson s’est imposé, en trois films (« The Last Farm », « Smáfuglar », et « Anna ») par la délicatesse de ses histoires, les cadrages très serrés de ses comédiens non professionnels, sa photo douce signée Sophia Olsson, et ses plans prenants, comme celui d’une adolescente dans sa baignoire ou d’une main timide au contact d’un mur.
Pour le réalisateur diplômé de la Danske Filmskole, l’adolescence est “une période où tout peut réellement changer. Dans « Anna » et « Smáfuglar », les personnages sont naïfs, purs, et innocents, et sont confrontés à un contraste violent, très négatif, pour eux. Pour s’en sortir, ils sont forcés de mûrir et de passer à l’âge adulte“. Dans « Anna », son film de fin d’études, le personnage principal (captivante Marie Hammer Boda) est sujet à plusieurs transitions difficiles à vivre. Son mal-être est filmé à vif, et alterne avec des brefs moments de répit, d’espoir, et de sérénité.
Nulle originalité. Ce film-ci allie lui aussi sobriété et pudeur, comme d’autres titres chroniqués sur ce site. Il prend en plus le temps de construire une histoire, de la voir évoluer, et de lier connaissance avec une petite héroïne tourmentée. En 35 minutes, Anna est de tous les plans, tour à tour dubitative, colérique, jalouse, triste, tranquillisée, touchante. Touchante.
Consulter la fiche technique du film
Article associé : l’interview de Rúnar Rúnarsson
Il était une fois une autre année, un autre mois, et un autre festival. En décembre Zéro Neuf, à l’instar des éditions précédentes, les 32èmes Rencontres Henri Langlois mettaient à l’honneur les écoles de cinéma, les films d’étudiants, et les jeunes réalisateurs. Créé à Tours par Henri Langlois, fondateur de la Cinémathèque française, le festival, initialement consacré aux films de fin d’études, s’est ouvert en l’an 2000 à tous les films d’écoles, sans distinctions d’années ou de cursus.
Cette année, le Festival a retenu 40 films en compétition, et a orchestré des séances parallèles autour de l’Asie du sud-est, des écoles françaises, des documentaires européens, des « droits de suite » africains,et des « Gay friendly ». On aime, on soutient…
Retrouvez dans ce Focus :
– Le palmarès de cette édition
– L’interview de Rúnar Rúnarsson, lauréat du Grand Prix du Jury
– La critique de « Anna » (Rúnar Rúnarsson, Danemark)
– La critique de « The Electrician » de Miina Alajärvi (Finlande)
– La critique de « Echo » de Magnus Von Horn (Pologne)
– La critique de « Posrednikat »(L’entre-deux) de Dragomir Sholev (Bulgarie)
– Les quelques photos de Poitiers
– L’interview de Luc Engélibert, directeur artistique du Festival
Trois films, trois histoires, trois femmes perdues dans la ville. Voici Babelle, un projet né d’une rencontre entre trois courts métrages : “Ata”, de Cagla Zencirci et Guillaume Giovanetti (2007, 26′) “Taxi Wala”, de Lola Frederich (2007, 16′), et “Corps étrangers”, de Naël Marandin (2007, 20′). Individuels à l’origine, ils sont réunis le temps d’une projection à Paris. Plus qu’une juxtaposition de trois métrages, ils se répondent, par leurs côtés intimes, personnels, et féminins.
La projection aura lieu samedi 9 janvier à 11h au cinéma le Balzac. Elle sera présentée par Benoît Basirico, en présence des réalisateurs.
Infos : Cinéma Le Bazac : 1 rue Balzac Paris 8e (Métro Étoile ou George V).
Tarif unique: 5€
Fiche technique
Synopsis : Dans un endroit désert, un homme et une femme se retrouvent fréquemment : amour, mystère, destin…
Genre : Fiction
Durée : 12’
Pays : Royaume-Uni
Année : 1991
Réalisation : Chester Dent
Scénario : Chester Dent
Production : National Film and Television School (NFTS)
Interprétation : Liam Neeson, Elaine Proctor
Article associé : la critique du film
Fiche technique
Synopsis : Une nuit avec Romo, un garçon moitié anglais, moitié pakistanais, qui vit dans un quartier blanc et pauvre de la ville. Considéré comme un Blanc, il s’interroge sur sa réelle identité lorsque son gang s’en prend à un jeune Asiatique.
Genre : Fiction
Durée : 13′
Pays : Royaume-Uni
Année : 2001
Réalisation : Yousaf Ali Khan
Scénario : Yousaf Ali Khan
Images : David Katznelson
Musique : Andy Cowton
Montage : Nick Fenton
Son : Matt Rogers
Interprétation : Darren Sheppard, Scarlet Leibenhals, Mary Sheen, John Hudson, George Russo, Sydney Golder, James Bannerman, Freddie White, James Duggan, Marc Zuber
Production : Met Film Production
Article associé : la critique du film
Fiche technique
Synopsis : Le « bout d’essai » d’une jeune comédienne, Emilie Muller.
Genre : Fiction
Durée : 20’24
Pays : France
Année : 1993
Réalisation : Yvon Marciano
Scénario : Yvon Marciano
Images : Pierre Befve
Son : Xavier Griette
Montage : Marianne Rigaud
Interprétation : Véronika Varga, Olivier Ramon
Production : Gradiva Films
Article associé : la critique du film
À l’occasion de ses 20 ans, le Festival de Brest a eu la douce idée d’éditer, en 2005, un DVD « Spécial Anniversaire », en partenariat avec la revue Repérages. En présentant un large éventail de films venus de toute l’Europe, ce Festival est devenu une formidable passerelle entre les pays et les œuvres d’ici et d’ailleurs, pour le plus grand plaisir des cinéphiles et du grand public. Coups de projecteur, de parapluie, et de cœur, sur la présente sélection.
Revolver de Chester Dent (Royaume-Uni, 1992)
Dans un lieu désert, aux abords d’une autoroute, un homme au volant et une femme en robe de mariée se croisent. Amour. Mystère. Destin.
Premier coup de…REVOLVER. Une déflagration scénaristique. Un manifeste cinématographique du surréalisme. Des symboles en rafale. « Revolver » se construit autour d’incessants allers-retours entre passé et présent, réel et imaginaire, et multiplie les sauts temporels dont on ne sait réellement s’ils existent ou s’ils ne sont que le fruit de l’imagination du personnage masculin, Liam Nelson, dont la gravité superbe orne le visage.
Les clés de « Revolver » sont nombreuses. Pour peu qu’on ait l’esprit ouvert et la soif de décryptage, l’atmosphère du film mi-chimérique, mi-idyllique lui assure une certaine profondeur et poésie. « Revolver » claque, « Revolver » plait, « Revolver » intrigue.
Emilie Muller d’Yvon Marciano (France, 1993)
Une jeune comédienne, Emilie Muller, se présente à un casting, pour un ‘’bout d’essai’’, et commence à détailler le contenu de ‘’son’’ sac, à la demande du directeur de casting. Elle se met à évoquer chaque objet, avec une allure presque enfantine et un air ingénu, Attendrissante et touchante, elle électrise le plateau de façon subtile et se joue finalement de tout le monde, du directeur de casting, de la caméra, et même, du spectateur.
Emilie Muller n’est pas que le nom fictif d’une comédienne ou d’un film. Allégorie du métier de comédien, cette épure à l’état pur inverse avec malice les règles du système. Sa double mise en scène séduit d’un bout à l’autre et sa mise en abyme rappelle avec malice que tel est pris qui croyait prendre !
Skin Deep de Yousaf Ali Khan (Royaume-Uni, 2002)
Romo vit dans un quartier blanc de l’Est de Londres avec sa mère. Moitié anglais-moitié pakistanais, il a renié ses origines pour mieux s’intégrer à son environnement. Mais lorsque le gang de skinheads auquel il appartient s’attaque à un jeune Asiatique, il doit affronter ses propres contradictions.
« Skin Deep » est un film quasiment autobiographique. Youssaf Ali Khan y transpose son histoire personnelle dans ses souvenirs, ses expériences, et son pays, l’Angleterre. À travers la trajectoire d’un personnage en marge, le cinéaste pose la question d’une société pétrie d’ostracisme qui ne tolère pas ceux qui vivent aux frontières de l’ordre établi et des règles en vigueur. Une société intolérante qui oppose les conventions à toute velléité de vie différente.
Sous les auspices d’un cinéma percutant et spectaculaire, le réalisateur distille les indices d’une crise existentielle subtile et profonde. « Skin Deep » ne cherche pas uniquement à désamorcer une violence presque insupportable, mais aussi à nous montrer que le monde est construit, voulu, et contrôlé. Une vision originale où l’individualité /l’identité se réinvente sous le regard aveugle d’une société incapable de franchir le seuil des apparences.
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Brest -20 ans de courts-métrages (Collection : Repérages). Suppléments : Génération court(s), un document d’Olivier Bourbeillon (23 mn), Galerie d’affiches des festivals de Brest de 1986 à 2005 , Bandes annonces des festivals de Brest de 2001 à 2005, Livret 24 pages, fiches et articles sur tous les films.
Dulce et decorum est pro patria mori
Avec « Finding Home », Christopher Daley, diplômé de KASK, livre un portrait franc, cru et poignant de la guerre. Film de fin d’études d’une grande maturité, « Finding Home » se lit surtout comme un témoignage de première main, en même temps qu’il relève maintes questions sur la nature néfaste et déshumanisante des conflits militaires.
Michael, premier sergent du Corps des Marines américain retourne dans son pays après dix-neuf ans de service. Victime du post-traumatisme tel un Septimus Warren de l’ère Bush, il est rongé par la dépression et éprouve des problèmes d’adaptation sociale y compris avec sa famille immédiate, et un sentiment de culpabilité vis-à-vis de ses camarades morts. Un sujet fort et pertinent qui justifie la démonstration parfois trop explicite des émotions chez le protagoniste, notamment à travers les gros plans de son visage en larmes, mais qui dote en même temps le film d’une grande sincérité.
Dans la veine des documentaires « in your face » à la Michael Moore entre autres, « Finding Home » démontre sans gants ni euphémismes l’insanité de la guerre. À la différence de ces cinéastes, Daley prend le parti de subordonner sa propre vision de réalisateur au profit de celle de son personnage. Et ce n’est pas plus mal, car si chaque génération connaît ses guerres et conflits politiques, chacune s’y oppose à sa propre manière.
La grotesque succession d’atrocités à l’échelle mondiale est loin d’être terminée, mais il est au moins encourageant que même à l’échelle scolaire, le cinéma se charge humblement mais sûrement de relayer la voix du peuple déçu.
Fiche Technique
Synopsis : Un premier sergent du Corps des Marines des États-Unis approche de la retraite après 19 ans de service actif, incluant trois missions en Irak. Il rentre dans sa ville natale. Petit à petit, les effets de la guerre refont surface.
Genre : Documentaire
Durée : 25’30
Pays : Belgique
Année : 2008
Réalisation : Christopher Daley
Images : Alexander Van Waes
Musique : Neil Turkington, Bruno Deneckere
Son : Michel Coquette
Montage : Tom Denoyette & Christopher Daley
Production : KASK