Peter Peake : « Il est important d’essayer de nouvelles choses à chaque fois, de sortir de sa zone de confort. »

En authentique autodidacte, Peter Peake s’est formé sans l’aide de quiconque à l’animation avant de rejoindre il y a 18 ans les studios Aardman, où il a réalisé, entres autres, « Pib and Pog », nommé aux BAFTA, et « Humdrum », nommé aux Oscars. Invité cette année à la fête de l’animation de Lille, il représentait les studios réputés de Bristol lors des quatre séances qui leur étaient consacrées. Tête-à-trois dans la « capitale de Flandre ».

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Comment t’es-tu retrouvé à faire de l’animation ? Via tes études ?

Non, car j’ai étudié le design pendant trois ans dans une ville anglaise qui s’appelle Bath. J’y ai fait un peu de graphisme et d’illustration. En deuxième année, j’ai décidé de m’inscrire en animation, mais il n’y avait pas de professeurs et j’étais le seul élève ! Pendant un an et demi, je me suis retrouvé deux fois par semaine tout seul en classe. J’avais tout le matériel à ma disposition, j’étais livré à moi-même et je faisais des films d’animation. J’aurais sans doute appris plus vite s’il y avait eu d’autres élèves ou même des professeurs, mais c’était très bien comme ça aussi. Ce cours a toujours été proposé dans la formation, mais je suppose qu’on ne s’attendait pas à ce que quelqu’un le choisisse ! L’école est réputée pour les beaux-arts, les céramiques et le design. Ce n’est pas vraiment une école de cinéma à proprement parler.

Tu ne voulais pas tenter une école de cinéma ?

Une fois dans l’animation, je me suis dit que ça aurait été un chemin plus approprié de passer par une école de cinéma, mais ce que j’ai fait était bien et différent. En plus, beaucoup de personnes dans le métier viennent de disciplines différentes et pas forcément d’une école de cinéma. C’est l’avantage de l’animation qui englobe une multitude de choses variées.

Tu as appris beaucoup de techniques différentes par toi-même ?

Oui. Pour mon premier exercice, j’ai fait des petits clips dans des styles d’animation tout à fait différents pour une station radio, Jazz FM. C’était comme un cours d’initiation, ça m’a permis de savoir quels styles me convenaient le plus, même si je n’en ai pas choisi un en particulier car je ne veux pas me sentir limité. J’ai la chance de pouvoir faire du graphic design, du Flash et du stop motion. J’aime bien mélanger différentes techniques. Je m’ennuierais si je faisais tout le temps la même chose.

Comment le lien avec Aardman est-il né ? Comment y es-tu entré ?

À l’époque, au début des années 90, les studios Aardman étaient beaucoup plus petits, avec seulement quelques courts qui passaient à la télévision. Mon école ne se trouvait pas loin de là, Bath n’étant qu’à 12 miles de Bristol. J’ai voulu leur montrer mes films car leur travail m’inspirait et la petite taille de la société permettait qu’on aille directement parler au chef, lui présenter son travail et éventuellement se faire embaucher. Tout ça a changé maintenant, bien évidemment. Aujourd’hui, c’est plus difficile d’y entrer, car la société a grandi, mais à l’époque où j’ai commencé, le studio était encore petit et tout le monde était impliqué dans les projets des uns et des autres.

Est-ce que ces changements sont dus au succès de certains courts et de l’envie d’Aardman de commencer à produire du long métrage (« Chicken Run », « Souris City », …) ?

En fait, tout a changé à partir du moment où Nick Park a commencé à gagner des Oscars ! Ça a généré de l’intérêt, les longs métrages ont suivi. Mais au début, les gens d’Aardman étaient uniquement focalisés sur les courts métrages. Les réalisateurs faisaient des publicités pour financer les courts, qui, eux, servaient d’inspiration pour d’autres publicités. Cette atmosphère était très saine et fructueuse. C’est toujours le cas, mais maintenant que la maison est plus grande, il y a des départements séparés pour les courts et pour les publicités, donc ces genres s’influencent beaucoup moins.

Ton premier court métrage produit par Aardman s’appelle « Pib and Pog » (1994) ? Comment ce film a-t-il été conçu ?

À l’école, j’ai fait trois films tout seul. Le tout premier était le spot pour Jazz FM. Le deuxième traitait d’un sujet fort lourd. J’y ai consacré beaucoup de temps et d’effort, il ne m’amusait plus trop et à un moment donné, je me suis senti obligé de le terminer. Après ce film, j’ai voulu faire quelque chose de léger, de l’ordre du slapstick. J’ai donc fait « Pib and Pog » que j’ai montré aux gens d’Aardman. À leur demande, j’ai refait le film. Ils savaient plus ou moins à quoi s’attendre, puisqu’ils en avaient déjà vu la première version. Ils m’ont demandé de couper un peu de dialogue à la fin et de renforcer l’escalade de la violence pour faire un film d’enfants avec un look un peu bricolé. À l’école, je n’étais pas un animateur terrible, donc mon film avait l’air très amateur. Chez Aardman, il est devenu beaucoup plus raffiné, avec une belle image !

Ces deux films sont-ils des critiques de programmes pour enfants existants ?

Je ne sais pas. On peut toujours lire toute sorte de choses dans les films, mais mon but à l’époque était principalement de faire rire. Chaque film que je fais a tendance à être en réaction au film précédent. Dans ce cas-ci, après un film lourd, il m’a fallu un film léger, et après « Pib and Pog », j’ai fait « Humdrum », un film d’ombres nettement plus dialogué.

Après « Humdrum » tu as travaillé pour la télévision. Quand on passe à des choses plus grandes, comment garde-t-on cet esprit de réaction ?

« Humdrum » a connu un certain succès dans le circuit des festivals, dont j’ai profité pour sortir un peu des studios Aardman. J’ai travaillé chez Channel Four qui, à l’époque, commandait des petites animations. J’y ai développé une série, « Captain Sarcastic ». C’était une très bonne expérience de travailler sur une idée en équipe avec un coscénariste et de m’essayer à des formats plus grands (des des films de 12, 24 ou 30 minutes) que ceux dont j’avais l’habitude, à savoir des courts de cinq à six minutes.

Après je suis revenu chez Aardman pour faire « Rex the Runt », la série animée de Richard Goleszowski. Ça a également été une expérience très enrichissante de réaliser les idées de quelqu’un d’autre et de faire de son mieux pour ce que cette personne avait imaginé. J’estime qu’il est important d’essayer de nouvelles choses à chaque fois, de sortir de sa zone de confort.

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Cliquer sur l’image pour visionner le film

Tu as participé de près à la réalisation de « A close shave » de Nick Park. Comment cette opportunité s’est-elle présentée ?

Aux tous débuts, quand on n’était pas si nombreux, Nick et moi partagions le même bureau. En fait, il occupait le bureau à côté du mien donc on partageait des idées. De l’extérieur, il peut paraître intimidant, vu son succès et sa popularité, mais on se rend vite compte que c’est quelqu’un de très sympa. J’ai pu travailler sur son projet parce que mon animation commençait à s’améliorer. C’était le premier film de Nick sur lequel il ne travaillait pas seul. Il avait animé « A Grand Day Out » tout seul et co-animé « The Wrong Trousers » avec Steve Box. Mais dans ce cas-ci, on était cinq animateurs principaux qu’il dirigeait.

Ça représente quoi, travailler sous les ordres de Nick Park ?

Il avait déjà pas mal de renommée, avec des Oscars à son actif, donc j’ai naturellement senti comme une pression de ne pas le décevoir et de garder le niveau nécessaire.

Les Studios Aardman sont très prolifiques. Beaucoup de films y sont produits chaque année, avec à chaque fois des styles différents allant de l’animation en volume à de la 2D, comme dans « The Pearce Sisters » de Luis Cook. D’après toi, qu’est-ce qui pourrait relier ces films ?

Je dirais qu’il y a un style maison, un look Aardman typique, même si un film comme « The Pearce Sisters » est tout à fait différent des autres. Aardman a la volonté d’explorer plein de styles tout à fait différents et même de proposer, quelque soit le style et le ton, une qualité derrière chaque production. Ce ne sont pas forcément des films très subversifs, mais il y a généralement un humour et un certain look qui relient les films d’Aardman. Et puis, ils promeuvent le travail de plein de gens différents. Tant mieux, car être associé à un seul style, ça peut devenir ennuyeux.

Ce look dont tu parles est-il à opposer à l’image plus lisse de vos camarades de Pixar ? Y a-t-il une résistance à l’informatique par exemple ?

Je ne dirais pas ça. Non, il n’y a pas de résistance à l’informatique. C’est vrai que chez Pixar c’est différent, ils font aussi des films drôles, mais leur façon d’aborder la comédie est différente de la nôtre. Chez Pixar, comme chez Aardman, les gens font des films qu’eux-mêmes voudraient voir, au lieu de deviner ce que les autres voudraient voir.

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Comment est-ce que le studio sélectionne des projets des nouveaux animateurs ? Quels sont les critères de sélection ?

Il y a quelques années, on a organisé un concours pour les courts métrages. Les réalisateurs de pubs devaient soumettre leurs idées et voter. Les projets gagnants ont été réalisés. C’était une idée brillante ! Parfois on demande des subsides pour un projet de court métrage à des gens qui n’ont aucune idée de ce qu’est le cinéma. Ici, c’était tout à fait le contraire, et je ne dis pas ça parce qu’un de mes projets a été retenu !

Pour les longs, l’idée peut venir de n’importe où. J’ignore quel est le procédé exact de sélection, mais en tout cas, ce que je sais que c’est assez rigoureux. En plus, beaucoup de projets se font en même temps. Nous n’aimons pas travailler sur un seul projet et puis nous retrouver à nous tourner les pouces. Nous préférons avoir tout de suite d’autres projets à réaliser.

Quel est le rapport avec la télévision maintenant ? Est-ce que c’est aussi facile de faire des films pour la télévision qu’avant?

Non ce n’est pas facile, car il faut se restreindre au format de 30 minutes. Il y a eu des tentatives de programmer des courts plus systématiquement à la télé, mais sans succès. Il y a également un problème de public, car ces films ne sont pas toujours destinés à être vus en famille. Souvent on ne sait pas où les caser. Il existe des programmes comme Digital shorts, avec qui j’ai moi-même fait un film. Ils subventionnent des films et en assurent une diffusion télévisuelle. Mais il faut bien le dire : le public ne crie pas pour voir des courts métrages à la télé !

Propos recueillis, retranscrits et traduits par Katia Bayer et Adi Chesson

Consulter les fiches techniques de Pib and Pog et Humdrum

Article associé : la chronique DVD « Les chefs-d’oeuvre du Studio Aardman »

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