Le Festival de Clermont révèle son palmarès ce samedi 5 février à 18h. Voici déjà les prix attribués par les partenaires. Plusieurs films ont déjà été repérés par Format Court.
Bourse des festivals Auvergne-Rhône-Alpes : Pleure pas Gabriel (Mathilde Chavanne – Apaches Films)
Prix YouTube du court métrage de fiction : Case Dep’ (Alexandre Marinelli – France)
Prix Canal+ / Ciné+ : Calving (Louis Bhose – Irlande)
Prix Canal+ : Sideral (Carlos Segundo – France / Brésil)
Prix PROCIREP du•de la producteur•rice de court métrage 2021-2022 : Apaches Films (Marthe Lamy, Jeanne Ezvan)
Prix de la presse Télérama : Son altesse protocole (Aurélie Reinhorn – France / Belgique)
Prix ADAMI d’interprétation : Alban Guyon (dans Ce n’est rien, de Marion Harlez Citti – France) et Dominique Valadié (dans L’homme à la Mercedes pourpre, de Marine Levéel – France)
Prix du meilleur Queer métrage : Un corps brûlant (Lauriane Lagarde – France)
Prix des effets spéciaux par Adobe : Les larmes de la Seine (Yanis Belaid, Eliott Benard, Alice Letailleur, Nicolas Mayeur, Etienne Moulin, Hadrien Pinot, Philippine Singer, Lisa Vincente – France)
On n’arrête pas d’en entendre parler, de ce soldat japonais qui a continué la lutte pendant presque trente ans au fin fond de la jungle d’une petite île des Philippines. Onoda, 10 000 nuits dans la jungle, depuis sa sortie en salles en juillet 2021, ne rencontre que du succès. Le film d’ouverture au Festival de Cannes de la sélection Un certain regard vient de remporter le Prix Louis Delluc 2022. Il est aujourd’hui nommé dans quatre catégories au César (Meilleur réalisateur, Meilleur scénario original, Meilleure photographie et Meilleur film). Format Court vous offre d’ailleurs la possibilité de remporter un coffret DVD du film édité par le Pacte.
C’est une très belle réussite pour le deuxième long-métrage d’Arthur Harari, après Diamant noir. Le jeune réalisateur français s’est lancé un grand défi en commençant cette aventure avec le lieutenant Onoda. On comprend son attirance pour ce personnage historique, tout autant troublant que attachant. En 1945, au lieu de rendre les armes, ce soldat japonais continue, comme il lui a été appris, à se battre. Commence alors de longues décennies d’occupation de terres ennemies. Onoda, 10 000 nuits dans la jungle est une réussite visuelle et narrative : comment raconter ce destin si extraordinaire fait de 29 années d’attente, de survie, de lutte ? Le film étonne, et nous accroche ! On y contemple avec un certain malaise la vacuité de la mission que le lieutenant Onoda s’impose et pourtant on ressent toute la force de son dévouement et toute la détresse de l’abandon qu’il reçoit comme seule réponse. Pourra-t-il se libérer de cette dévotion, quitter son île, abandonner la guerre, se rendre ? Les yeux rivés sur l’écran, on guette les réponses. Avec eux, on passe de longues minutes à épier les Philippins, la pluie, les arbres, le ciel : des minutes qui sont des heures qui deviennent des années. Onoda, 10 000 nuits dans la jungle nous embarque dans un espace-temps hors-norme où l’attente se fait seule loi. Non, il y a aussi la loi de la jungle : terrible et cruelle jungle que ces quelques soldats japonais tentent d’habiter. Les images lui donnent une forte charge symbolique – les secrets de tournage dans les compléments du DVD nous en apprennent plus sur l’envie du réalisateur de traiter son décor et les moyens alors déployés.
Arthur Harari signe un film d’aventure qui ne se prive pas de scènes contemplatives. Le regard s’attarde sur cette forêt dense, grand huis clos de l’action. Une conversation avec Tom Harari, le directeur de la photographie sur le film – aussi frère et souvent collègue d’Arthur – dévoile les revers de la création, sur ce DVD. C’est amusant de comprendre d’où vient la puissance visuelle du film : par exemple, le traitement de la lumière, parfois crue, souvent blanche ; parfois onirique, dans des tons bleus, verts. Ce film, qui provoque une vraie sensation visuelle, se double d’une profondeur narrative rare. Le retour documentaire sur la création du film dans les compléments du DVD avec différents membres de l’équipe, scénariste, équipe images ou son…, est très pertinent pour découvrir l’ingénierie d’un film aussi bien maîtrisé, les envies du réalisateur, les idées de son équipe. On y apprend par exemple l’obsession du réalisateur pour le réel, pour les détails qui font vrai, ceux qui sont concrets. Pourtant, Onoda, 10 000 nuits dans la jungle n’est pas un film historique, ce n’est pas un film de costumes. Il substitue au temps du passé un temps au présent dans une narration qui semble fictive. Cela tient à la volonté du réalisateur de mettre à distance l’aspect historique du récit : on apprend et on comprend cette envie en lisant la documentation écrite qui accompagne le DVD, une interview du réalisateur et un papier universitaire sur le soldat Onoda et ses résonances au Japon. Malgré toute la complexité qu’implique cette célébrité historique (politiquement et symboliquement), le film se tient résolument du côté de son personnage. Tout en gardant du recul sur ces actes et ses convictions, le film ne quitte pas son point de vue et construit ainsi un personnage tout en dualité ! On retrouve parmi les questions posées au réalisateur dans les compléments du DVD la fameuse “Onoda est-il un héros ?” L’esprit militaire endurci dicte sa vie et sa conduite; pourtant le lieutenant Onoda se montre plein de tendresse et de fragilité. On découvre dans les flash-backs un garçon dévoué à son supérieur hiérarchique, un commandant intense et marginal qui prend les traits d’une figure paternelle. Cette dualité du lieutenant Onoda si touchante se complète par un tour de force technique, le personnage étant joué par deux acteurs différents. Yuya Endo et Kanji Tsuda se partagent le personnage au gré des flash-backs et du temps narratif (l’histoire commence en 1945 pour se finir en 1974 !) Une conversation entre les deux comédiens qui jouent Onoda et Arthur Harari s’avère être passionnante : Onoda étant un personnage de l’Histoire du Japon, son traitement par un réalisateur français s’avère être un sujet épineux que les comédiens et Arthur Harari aborde en grande intelligence.
Vous pouvez découvrir dans le DVD les moyens-métrages La main sur la gueule (produit par Les Films du Dimanche et sorti en 2007) et Peine perdue (produit par Bathysphère Productions et sorti en 2013), tous deux réalisés par Arthur Harari avec le travail de Tom Harari à l’image. En 2014, Peine perdue gagnait le prix Format Court au Festival de Brive. Le webzine sortait à cette occasion deux critiques sur les films d’Arthur Harari dans le cadre d’un focus consacré au réalisateur.
On y retrouve ce style (comme celui d’un western introspectif) des personnages en errance mais intègres à eux-mêmes. L’écriture du réalisateur se construit sur une apparente sobriété où les émotions, jamais surfaites, deviennent explosives quand elles apparaissent à la surface. Dans Peine perdue, Arthur Harari filme les corps comme s’ils étaient les plus précieux indices de l’âme humaine. Les mains baladeuses en disent bien plus que de longs discours… Ces personnages, dans Peine perdue comme dans La main sur la gueule, ne semblent pas pudiques au premier abord. Pourtant, ils se cachent et les émotions contenues font des films d’Arthur Harari de véritables champs de mines. Bien heureusement ses films nous laissent indemnes, ils nous donnent même de l’espoir en l’humain et, avec ça, l’envie d’en découvrir d’autres !
DVD Onoda, 10 000 nuits dans la jungle. Edition : Le Pacte. Compléments : Retour sur la création de Onoda : l’image, le scénario, la musique, conversation avec les comédiens, 2 courts-métrages du réalisateur : La Main sur la gueule, Peine perdue, galerie de projets d’affiches, bande-annonce
Le festival de Clermont-Ferrand a démarré le 28.1. Il aura lieu jusqu’au 5.2 prochain. Format Court vous propose quelques sujets en lien avec cette édition 2022, de retour en salles (et visible aussi en ligne).
Nos nouveaux sujets
– La critique de Bestia de Hugo Covarrubias, Prix du meilleur film d’animation
– La critique de Partir un jourde Amélie Bonnin, Prix du public national
– La critique de Le Roi David de Lila Pinell, Prix étudiant et Grand Prix national
– La critique de A coeur perdu de Sarah Saidan (compétition nationale)
On avait découvert Sarah Saidan avec Beach Flags réalisé en 2014. Le film racontait l’histoire de Vida, une jeune fille désireuse de participer à une compétition de natation en Australie, mais renvoyée à sa condition de fille en Iran et confrontée à un choix difficile au sujet de l’une de ses co-équipières, Sareh. Le film nous avait bien plu à l’époque par son style visuel, la simplicité de sa narration, son sujet politique et le dessin de ses personnages.
Quelques année plus tard, on est ravi de retrouver la réalisatrice avec son nouveau court, A coeur perdu, programmé en compétition nationale à Clermont, qui mixe à nouveau persan, couleurs, dessins et émotions. A coeur perdu raconte l’histoire d’Omid, un père de famille iranien immigré à Paris et travaillant dans un hypermarché à pomme rouge. Confronté au racisme ordinaire, à la méfiance, à l’impatience des parisiens, il répond par son sourire, sa bonne humeur et ses fautes de français. Un soir, il se fait poignarder par des malfrats en bas de chez lui. Miraculeusement, il ne succombe pas à l’attaque car il n’a plus de coeur selon les médecins. Ni une ni deux, il prend l’avion pour rentrer chez lui, en Iran, afin de retrouver son coeur égaré, là où il envisage l’avoir laissé derrière lui. Sur place, différentes émotions l’interpellent : l’inconfort de celui qui revient chez lui et qui a laissé derrière lui ses proches, la joie de retrouver les saveurs et les couleurs de son pays d’origine, la surprise de retrouver la pollution et les bruits d’antan. Quant à son coeur, Omid le voit partout mais ne le trouve nulle part.
Avec ce film bien personnel, Sarah Saidan signe un très beau retour en festival. A première vue, le film pourrait ne parler que de cette histoire d’organe mais il évoque aussi avec poésie et humour les difficultés propres à l’immigration à savoir la maîtrise du français – langue ô combien compliquée – mais aussi le déracinement et le choc des cultures à l’image de ce plan génial où Omid entre dans le métro avec sa fille et dit tout simplement bonjour à tout le monde, avec son accent à lui. Les passagers s’en étonnent, grommellent, s’imaginent tout de suite que le père et sa fille sont là pour leur demander l’argent alors qu’ils ne font que preuve de politesse. On en arrive à se dire qu’Omid a raison et qu’il faudrait se saluer systématiquement dans les transports dits en commun.
Synopsis : Omid est un immigré iranien, venu s’installer en France avec sa famille. Un soir, dans la rue, il se fait agresser et poignarder en plein cœur. Mais Omid se relève ! À l’hôpital, le diagnostic des médecins est formel : il n’a pas de cœur. Serait-il resté en Iran ?
Genre : Animation
Durée : 14’46″
Pays : France
Année : 2022
Réalisation : Sarah Saidan
Scénario : Sarah Saidan, Simon Serna
Voix : Saeed Mirzaei, Taha Moghani, Shahriar Sadr, Alice Lendrevie, Cécile Arnaud, Pierre-Alexis Touzeau
Invitée en décembre au Forum des images (Paris) dans le cadre du Carrefour du cinéma d’animation, l’animatrice et réalisatrice suédoise Niki Lindroth von Bahr est à l’origine de plusieurs courts-métrages remarqués et primés dont Something to remember programmé en novembre lors de la séance suédoise de notre festival. Alors que The House, co-réalisé avec Emma de Swaef, Marc Roels et Paloma Baeza, est diffusé depuis quelques jours sur Netflix, l’animatrice nous parle avec humour et lucidité de son métier, de ses difficultés et de cette case courte qui lui va si bien.
Format Court : À quoi ressemblent vos scénarios ?
Niki Lindroth von Bahr : Je n’écris que rarement, sinon jamais, le scénario en premier. Généralement, je commence à travailler avec des storyboards dès le début. Ce ne sont que des images. Tous mes films ont commencé avec un endroit, plutôt qu’avec des personnages ou des histoires. Je choisis un endroit, une atmosphère, une situation, et je commence à réfléchir à l’histoire à partir de là.
La dernière édition du festival Format Court proposait un focus sur la Suède, qui incluait votre film mais aussi Las Palmas de Johannes Nyholm…
NLVB : Je suis son amie et collègue depuis longtemps. Je dirais qu’il est l’un des artistes les plus intéressants en Suède. J’ai d’ailleurs participé à la production de Las Palmas, et il a fait la voix d’un des personnages d’un de mes cours précédents, Bath House, un des méchants. Je lui ai proposé mon aide pour son film Puppetboy, et j’ai fait partie de l’équipe de production pour Las Palmas. Nous nous soutenons mutuellement depuis longtemps.
Diriez-vous que le monde de l’animation est petit en Suède ?
NLVB : Le monde de l’animation y est si petit qu’il est presque inexistant. Je suis en contact avec des professionnels de l’animation à Stockholm, et je dirais que c’est une communauté très restreinte et dispersée. Il y a quelques groupes, mais pour être parfaitement honnête, je fais de l’animation moi-même, mais je ne suis pas très impliquée dans cette communauté en général. Je ne regarde pas tant d’animation que ça dans mon temps libre. Je regarde beaucoup de films, et je connais beaucoup de personnes qui travaillent dans la prise de vue réelle, mais je pense que ce genre de films m’intéresse plus que la technique même de l’animation en tant que forme artistique. C’est aussi parce que le monde de l’animation est petit, mais celui de l’animation image par image l’est encore plus. Je crois qu’en quelque sorte, il n’y a que moi qui la pratique. Même si j’apprécie communiquer sur mon expérience sur le financement de l’animation, le savoir technique en lui-même est très peu partagé.
Comment l’expliquez-vous ?
NLVB : L’animation image par image est très difficile, chronophage et onéreuse. Il faut souvent avoir beaucoup d’argent, ce qui n’est généralement pas le cas, et puis il faut pouvoir gérer tout un tas d’éléments tout au long du processus, liés à la structuration, la réalisation, l’écriture, le montage… C’est un travail difficile et je comprends tout à fait que, dans un monde où tout s’accélère (même si c’est un peu un lieu commun), presque tous les aspects techniques et liés à la connaissance vont de plus en plus vite. Dans l’animation image par image, il faut savoir travailler très vite pour chaque image du film… Sans doute ce n’est pas une pratique très moderne.
En voyant vos films, on se rend compte que les lèvres de vos personnages ne bougent presque pas, et vous travaillez beaucoup avec la voix off. C’est très intéressant et en rupture. Avez-vous déjà été tentée d’animer aussi les bouches de vos personnages ?
NLVB : Dans l’un de mes futurs projets, réalisé avec Netflix, on aura des bouches animées. Mais c’est une option technique qui ne m’était pas possible financièrement jusque-là, parce que quand vous fabriquez vous-mêmes les marionnettes, c’est difficile d’y ajouter du mouvement. Ça devient un peu brouillon si vous ne faites pas appel à des professionnels, alors j’ai préféré utiliser les mouvements du corps plutôt que de la bouche. Dans The Burden, certains des personnages avaient une bouche animée, mais ça dépend vraiment du type de production. Avant la production avec Netflix, mon budget était le plus souvent dérisoire. L’enjeu en animation, c’est d’essayer de faire de la magie à partir de rien. Parfois, il faut savoir prioriser.
Recevez-vous de l’aide de l’État désormais ?
NLVB : Oui, j’ai reçu de l’argent du Swedish Film Institute, et c’est super, ils sont très généreux envers moi. Je suis très reconnaissante de cela. Et en même temps, l’animation image par image est tellement onéreuse. Il n’y a pas de raccourcis possibles dans la production. De temps en temps, je peux me permettre d’engager un(e) assistant(e), mais je ne pourrais pas vraiment me salarier moi-même. Je dois faire certains choix. En ayant des enfants, et plus le temps passe, plus ça devient compliqué. Des fois, je dois passer des semaines entières au sous-sol pour travailler (rires), et chaque heure est consacrée à mes projets en cours.
Vous parlez de votre sous-sol, travaillez-vous chez vous ?
NLVB : Non, non, c’est un autre sous-sol (rires). Je connais beaucoup de gens qui travaillent chez eux pour des questions d’argent ou de confort, mais j’en mourrais (rires). J’ai vraiment besoin de garder une séparation entre le travail et le temps libre. Même si j’ai très peu de temps libre, c’est très important pour moi.
Vos films me font penser à l’esprit des contes de notre enfance. Vous disiez que l’animation est pour vous une méthode, mais que vous en regardiez assez peu, au contraire des prises de vue réelles. Avez-vous déjà été tentée par le genre frictionnel ?
NLVB : D’une certaine manière, je n’y suis pas opposée du tout, je serais clairement intéressée par cette idée. Mais en même temps, être une réalisatrice en situation de prise de vue réelle revient à être en charge d’un grand groupe de personnes, dans un espace-temps limité. C’est une vraie responsabilité. Je ne suis pas sûre d’avoir ça en moi. C’est plus facile d’être agréable quand on a plus de temps pour tourner, quand on fait plus de choses soi-même. Même si j’adore les films en prise de vue réelle, je pense que, puisque j’ai été artiste-sculptrice et que j’ai exposé dans des galeries, je pense que si je devais sortir de l’animation, je me tournerais plutôt vers une carrière d’artiste. Je me sens très tactile et j’aime créer des choses avec mes mains. Cet intérêt est plus fort chez moi que celui de la réalisation, vous voyez ?
« Something to remember »
Format Court est un site dédié aux courts-métrages. Que vous apprend ce format et notamment sa création en auto-production avec un budget limité ?
NLVB : Travailler avec un format court est très intéressant. On réalise de fait qu’en faisant des courts-métrages, mais aussi en participant à des jury de festivals de courts-métrages (que ce soit des films animés ou en prise de vues réelles) le court-métrage est un format assez compliqué. On veut raconter quelque chose, et en même temps, on ne peut pas trop en faire. Il y a beaucoup de pièges dans la manière de raconter une histoire. Beaucoup de gens essaient de raconter l’histoire d’un long-métrage dans le format d’un court-métrage. La difficulté réside dans le fait d’arriver à gérer cette durée limitée du court-métrage. Quand on arrive à trouver une histoire qui rentre parfaitement dans le format, ça peut être encore plus puissant qu’un long métrage, et c’est très satisfaisant. On peut en dire tellement en seulement quelques minutes. Les images et les sons peuvent être très forts. On se rend compte de la valeur de chaque seconde et de chaque plan. Puisque rien n’est gratuit, il faut être très exigeant sur ce qu’on montre dans un temps aussi limité. On apprend beaucoup sur la narration en travaillant sur des courts-métrages, plus encore que sur les longs-métrages.
Est-ce la raison pour laquelle vous avez préféré réaliser des courts-métrages ?
NLVB : Il y a aussi l’aspect financier évident !
Bien sûr ! Mais dans l’animation en particulier, il faut bien en commencer par là !
NLVB : Exactement. Ce que j’aime, c’est que dans l’animation, il est considéré acceptable de continuer à travailler sur des courts-métrages pendant toute sa carrière. Le court-métrage est l’attraction principale. Au contraire, dans les grands festivals centrés sur les films en prise de vues réelles, on a l’impression d’être à la table des enfants ! C’est comme si on vous demandait si vous allez enfin faire quelque chose de sérieux la prochaine fois ! On vous rappelle toujours que ce n’est que le début.
Dans mes premiers films, il y avait aussi du dialogue, mais c’est vrai que dans les deux derniers, en choisissant de faire des personnages chantants, ça permettait de troubler l’identification entre soi et le personnage. On ne sait pas si c’est un homme ou une femme. Avec les animaux, on entre dans l’universel : ça peut être n’importe qui.
Et pourtant, ils ont des pieds et des mains humains ?
NLVB : Au début, c’est vrai, j’ai commencé à les faire ressembler à des humains. Bien sûr, leurs histoires, elles-mêmes, sont des histoires humaines. En parlant d’histoires sombres d’une manière un peu décalée et avec des animaux, je voulais créer un filtre un peu absurde. Des fois, c’est un peu triste, mais c’est aussi légèrement humoristique. Je crois que j’ai voulu appâter le public vers des histoires plus sombres avec mes animaux mignons et bébêtes. Mais en même temps, je suis passée d’une représentation très humaine des corps de mes animaux vers quelque chose de plus zoomorphe. J’ai essayé de faire rentrer ces corps animaux dans des vêtements humains, comme les jeans, ce qui devenait encore plus absurde. Mettre une cravate et un costume sur un escargot ou un scarabée, je crois que ça ajoute quelque chose. On ressent tous et toutes à un moment donné que toute cette civilisation nous est un peu imposée, qu’elle est un ajout, alors que nous sommes des animaux à l’intérieur, en tant qu’humains.
Dessiniez-vous ces animaux directement habillés ou est-ce que c’est venu avec le temps ? Pensez-vous que ça ajoute un côté amusant ou bizarre ?
NLVB : Je ne sais pas si c’était délibéré, mais j’ai été de plus en plus intéressée à utiliser des animaux qui ressemblent de plus en plus à des animaux, mais aussi à utiliser des animaux qu’on attend moins (comme des escargots ou des larves) par rapport à des animaux plus habituels (comme les lapins, par exemple) pour représenter les humains dans les cultures enfantines.
Si on considère cette culture, on voit aussi que votre animation a évolué. Les cheveux ne bougeaient pas, les personnages ressemblaient plus à des poupées, et en dix ans, votre animation s’est transformée…
NLVB : Oui, elle s’est améliorée, et c’est une question d’apprentissage de la technique. Dans Tord and Tord, c’était la toute première fois que je faisais de l’animation, je n’avais jamais essayé avant. C’était très statique, et de manière délibérée, parce que je ne savais pas comment m’y prendre. Au début, j’ai beaucoup pratiqué l’animation moi-même, mais en même temps, la fabrication des marionnettes, la réalisation et l’écriture, tout ça est très épuisant. Quand le moment de l’animation, de la véritable performance arrive, on est tellement fatigué·e (rires), que c’est plus agréable de mettre son argent dans le travail d’un bon animateur, clairement.
Connaissiez-vous déjà le travail d’Emma de Swaef et Marc James Roels avec qui vous avez collaboré sur The House ?
NLVB : Oui, Ce Magnifique gâteau est un des meilleurs films que j’ai vus, c’est vraiment incroyable, j’étais déjà une grande fan de leur travail. Le travail de Paloma Baeza aussi est super. J’étais très heureuse de travailler avec eux, c’était un honneur. Ce projet est assez unique, c’est un des premiers projets en image par image de cette ampleur sur Netflix, avec des réalisateurs de plusieurs nationalités. Je suis très, très heureuse d’y avoir participé !
Voici les 13 titres courts retenus au premier tour de vote par les membres de l’Académie des arts et techniques du cinéma, dévoilés ce mercredi 26 février. Pour information, le second tour de vote débutera le 1er février et s’achèvera le 25 février quelques heures avant le début de la 47e Cérémonie des César. Deuxième bonne info : toutes les équipes retenues ont participé à nos 3 After Short spécial César organisés en décembre et janvier !
Sont nommés pour le César du meilleur film de court-métrage de fiction :
L’âge tendre de Julien Gaspar-Oliveri
Le départ de Saïd Hamich
Des gens bien de Maxime Roy
Les mauvais garçons de Elie Girard
Soldat noir de Jimmy Laporal-Trésor
Sont nommés pour le César du meilleur film de court-métrage d’animation :
Empty places de Geoffroy de Crécy
Folie douce, folie dure de Marine Laclotte
Le Monde en soi de Sandrine Stoïanov et Jean-Charles Finck
Précieux de Paul Mas
Sont nommés pour le César du meilleur film de court-métrage documentaire :
En attendant que la prochaine cérémonie des César 2022 récompense le meilleur court métrage de fiction le 25 février 2022, Format Court vous propose de revenir plus en détail sur 5 courts métrages, parmi les 24 en lice côté fiction. Cette présélection très prometteuse atteste en elle-même de la diversité et de la vitalité flamboyante de la forme courte.
Sous les nuages inquiets, sur la plage de Casablanca, une mère prie en tenant fermement la main de son enfant. Bientôt, ces deux âmes, dont le lien est indestructible, vont devoir subir une douloureuse épreuve de séparation, et ces jours passés ensemble à la fin de l’été 2004 se transformeront en souvenirs.
Récompensé à la dernière édition du Festival Format Court (Prix d’interprétation décerné à Ayam Rachdane, pour le rôle de l’enfant et Mention spéciale à l’ensemble des acteurs du film), Le Départ de Saïd Hamich raconte l’histoire d’Adil, 11 ans, qui s’apprête à vivre un grand changement avec l’arrivée de son père et de son frère, revenus de France au Maroc natal. Grâce à sa voix-off, le récit prend une dimension rétrospective, comme si Adil portait un regard déjà adulte sur lui-même.
Dès la première séquence, le spectateur est plongé dans une atmosphère de mélancolie douce-amère, avant même d’en découvrir les raisons. Le garçon passe ses journées dehors, entouré de ses copains. Le vaste chantier de construction dans une banlieue casablancaise s’ouvre, pour cette bande attachante, à une infinité de jeux. Le temps semble être étiré. Avec sa caméra contemplative, le réalisateur Saïd Hamich parvient à saisir les petits riens charmants qui forment l’univers enfantin et à révéler la poésie dans la banalité : les batailles d’eau, le pinball, un petit chiot, meilleur ami à quatre pattes, la télé jusque tard la nuit pour voir le coureur Hicham El Gueroujj remporter la médaille d’Or aux Jeux Olympiques.
Les captations de cette célèbre victoire viennent s’ajouter à la narration en la plaçant dans son contexte historique général. Celles-ci se présentent par ailleurs, comme une métaphore d’un instant de réel vécu intensément, d’un bonheur partagé, mais servent aussi à illustrer la tempête émotionnelle d’Adil. Tout comme son idole sportive, il entame une course (vers l’inconnu, loin de sa mère et des copains), avec une immense volonté de réussite. C’est précisément la dissonance extradiégétique entre les cris enthousiastes des commentateurs et la musique triste, qui rend palpable ses sentiments mitigés. Le temps n’est plus simplement ajusté à la durée nécessaire pour accomplir une action quelconque, mais il devient une matière malléable et autonome.
Avec Le Départ, Saïd Hamich reconstitue soigneusement un éventail d’images marquantes et personnelles qui forment le souvenir d’un émigré, tout en inscrivant celles-ci dans une forme d’universalisme. D’une émouvante sensibilité, le film s’adresse à tous les spectateurs, qu’ils soient séparés des contrées qui les ont vu grandir ou non, pour explorer le mécanisme même de la mémoire.
Avec L’Effort commercial, la réalisatrice Sarah Arnold tire la sonnette d’alarme et dénonce les conditions de travail des salariés de la grande distribution.
Issu d’un appel à projet lancé par l’association Femme et Cinéma sur le thème « Femme au travail », ce court-métrage vibrant de 15 minutes est inspiré d’un fait réel : en novembre 2016, une employée d’Auchan de la ville de Tourcoing, enceinte de trois mois, faisait une fausse couche sur son siège de caisse. Son responsable, bien au courant de ses maux de tête et de ventre, avait refusé ses nombreuses demandes de prendre une pause.
Dans L’Effort commercial, c’est Léa, jeune étudiante au sourire innocent, qui vient seulement de commencer son contrat saisonnier, qui devient témoin de ce drame. En défiant l’habitude du spectateur vis-à-vis de la chronique sociale, Sarah Arnold fait le choix d’un décor explicitement artificiel et abstrait afin de faire résonner davantage l’ampleur de la pression insoutenable que subissent quotidiennement ces travailleuses. La réalisatrice remplace le vrai supermarché par un lieu d’une blancheur stérile, tel un bloc opératoire avec des caisses à la place des lits : son esthétique, l’absence de clients, aussi bien que de marchandises, permettent de mettre en lumière combien ces femmes sont réduites à leur seule force du travail. Manipulant incessamment les produits invisibles, elles n’ont pas le droit à la moindre erreur, placées sous la stricte surveillance du manager, chargé de s’assurer de la bonne application des règles marketing à limite de l’absurdité. Le film fournit des illustrations choquantes de la violence sur le lieu de travail (psychologique, comme physique) et rend bel et bien un hommage poignant à l’une de ses victimes.
Thriller avec une petite note d’humour noir,Les Criminels de Serhat Karaaslan, traite de l’union libre, frappée du sceau de l’interdit par la société islamo-conservatrice en Turquie. Dans les rues obscures d’une ville de l’Anatolie, un jeune couple recherche un hôtel pour passer la nuit ensemble. N’étant pas mariés, l’homme et la femme reçoivent un ferme refus partout où ils se rendent jusqu’à devoir inventer un stratagème pour pouvoir se retrouver dans la même chambre.
Entre la fraîcheur du premier amour et l’ambiance sinistre de l’hôtel sordide ressemblant à celui de Barton Fink dans un film éponyme (Frères Coen, 1991) le contraste est fort. Celui-ci est mis au service de la mise en scène : le cadrage serré témoigne de l’inhospitalité du lieu, annonce la future menace (qui survient toujours du hors champ), mais ouvre aussi la voie vers un espace intime (bien que très précaire et éphémère) des amoureux.
Le spectateur découvre, à travers le jeu du formidable duo d’acteurs formé par Lorin Merhart et Deniz Altan, ce que c’est qu’être jeune et vivre dans un monde où aimer, signifie contre tout bon sens, la prise de risques. Le film condamne la rhétorique qui défie la raison et ne laisse à l’individu aucun droit à la vie privée : pourquoi ces innocents doivent-ils se confronter à la violence démesurée de ceux qui cachent, sous le masque des gardiens de la morale, des visages de monstres pervers ?
Sous la forme d’un ciné-journal,The Nightwalk d’Adriano Valerio, ce concentré de beauté mystérieuse et anxiogène, relate le quotidien d’un jeune homme étranger, confiné dans sa chambre d’étudiant à Shanghai à plus de 9000 kilomètres de sa famille, suite aux annonces gouvernementales de l’état d’urgence sanitaire en Chine.
L’isolement, le sentiment d’insécurité et la solitude pèsent lourd sur sa santé morale : les notions du temps et d’espace commencent rapidement à se diluer, les nuits d’insomnie se suivent aux jours de somnolence. De multiples bribes d’images composent son témoignage en voix-off : se mêlent alors dans un cocktail fiévreux des extraits de films variés (de Buster Keaton à la comédie italienne des années 80) et d’archives personnelles, ainsi que des photos prises au moment de sa claustration, avec du grain apparent, faisant penser à la poussière stagnante dans une pièce non aérée.
Difficile de trouver un meilleur dispositif pour exprimer cet état d’aliénation d’un esprit pris au piège par le temps en arrêt, et, par conséquent, par ses propres souvenirs et affects. Ce temps, le réalisateur Adriano Valerio le mesure selon toute logique en images fixes, faisant ainsi du banal l’objet d’une attention artistique particulière. Des nouilles instantanées, une bouteille de vodka en guise de vase à fleur, une cuillère sur le lit à côté d’une chaussette dépareillée : le héros est hanté par nombreuses natures mortes « imparfaites », dont il est lui-même auteur. Il ne retrouvera sa sérénité qu’après avoir enfin bravé ses ténèbres intérieures. Franchir le pas dehors, un si humble besoin, lui paraîtra alors soudainement réalisable. The Nightwalk est un film à la fois pensif et émotif, mais aussi torturé, dont la longue introspection du personnage ne nous laisse pas insensibles.
Avec L’Inspection, les réalisateurs Caroline Brami et Frédéric Bas touchent à la difficulté de trouver un juste équilibre entre rationalité, morale et émotion, lorsqu’il s’agit de l’enseignement de l’histoire de la Shoah.
Une professeure d’histoire reçoit dans sa salle de classe un inspecteur de l’Education Nationale. Impossible pour eux de trouver un accord commun. Esthétiquement très sobre, le film met en scène leur dialogue d’une grande densité émotionnelle et accorde le même temps de parole à deux points de vue divergents. Aucune micro expression faciale, aucun geste n’échappe à la caméra attentive qui filme tout leur échange, dont la tonalité devient de plus en plus aigüe, en champ contre-champ.
Très sincèrement étonné par l’approche pédagogique développée par l’enseignante, l’inspecteur essaye vainement de comprendre : pourquoi passer plus de temps que prévu dans le programme à étudier l’histoire de la Shoah ? Pourquoi montrer des images qui peuvent potentiellement nuire à la psyché des élèves réceptifs ? Se retrouvant face à une personne qui considère dangereuse non pas les images, mais la neutralité dont il est adepte, le fonctionnaire est désarmé : il ne lui reste rien d’autre que d’abandonner la salle.
Le film révèle une faille du système qui veut rendre lisse ce qui ne peut pas l’être par définition et nous incite à nous interroger sur ce que nous voulons transmettre à nos futures générations, et surtout, avec quelle tonalité.
Le Prix Louis-Delluc est une récompense cinématographique française décernée depuis 1936 et nommée en hommage à l’écrivain et réalisateur Louis Delluc. En 1999, a été créé le prix Louis-Delluc du premier film. Ces derniers jours, deux réalisateurs proches du format court et de Format Court ont reçu ces 2 distinctions honorifiques. Un bon encouragement avant les Lumière et les César.
Arthur Harari a remporté le prix Louis-Delluc pour son film Onoda, 10.000 nuits dans la jungle, présenté à Cannes dernier en ouverture de la section Un certain regard. Il succède ainsi à Sébastien Lifshitz, récompensé l’an dernier. Pour info, Arthur Harari avec remporté le Prix Format Court au Festival de Brive 2014 pour son moyen-métrage Peine perdue.
Composé d’une vingtaine de critiques et personnalités, sous la présidence de Gilles Jacob, l’ancien président du Festival de Cannes, le jury a également récompensé, dans la catégorie Premier film, Vers la Bataille, d’Aurélien Vernhes-Lermusiaux. Pour info aussi, le réalisateur faisait partie du jury professionnel de notre dernier Festival.
Après avoir consacré en décembre deux soirées autour des courts de fiction présélectionnés aux César 2022 (en présence de 20 équipes au total) et une consacrée au cinéma d’animation le 11 janvier (en présence de 11 équipes), Format Court vous invite mardi 18.1 à 19h à l’ESRA à son prochain After Short dédié aux courts-métrages documentaires en lice aux prochains César. 10 équipes seront présentes à cet événement.
Bon à savoir : l’After Short documentaire est notre tout premier événement consacré au genre, il précède le tout nouveau César du court-métrage documentaire qui sera remis lors de la prochaine cérémonie des César le 25 février 2022.
Pour info et rappel, il n’y a pas de projection des films présélectionnés pendant les After Short. Le rendez-vous est fixé au mardi 18.1 prochain à 19h à l’ESRA (amphithéâtre Jean Renoir, 37 quai de Grenelle 75015 Paris).
Gratuits pour les étudiants et les anciens de l’ESRA, les After Short demeurent accessibles et payants (5€) aux autres personnes intéressées, dans la limite des places disponibles, sur réservation.
Mardi 18 janvier 2022 : After Short : Spécial documentaire !
Voici la liste de nos invités présents lors de cette soirée, à retrouver sur notre compte Instagram :
– Margaux Pierrefiche, responsable du court aux César
– Marion Bonneau, programmatrice à la Cinémathèque du documentaire à la Bpi, membre du comité court-métrage documentaire
– Quentin Brayer, producteur (Don Quichotte Films) de Les Antilopes de Maxime Martinot
– Alessandra Celesia et Kévin Rousseau, réalisatrice et producteur (Local Films) de Come il bianco
– Louise Mootz et Judith Nora, réalisatrice et productrice (Silex Films) de Jungle
– Rémi Brachet et Antoine Salomé, réalisateur et producteur (Mabel Films) de La fin des rois
– Ismaël J. Chantoudis et Jules Reinartz, réalisateur et producteur (Films Grand Huit) de Maalbeek
– Ethan Selcer, producteur (Quartett Production) de Pyrale de Roxanne Gaucherand
– David Hurst, producteur (Dublin Films) de Silent Voice de Reka Valerik
– Clara Marquardt, chargée de développement de My Quarantine Bear de Weijia Ma (Les Valseurs)
– Isabel Pagliai et Martin Bertier, réalisatrice et producteur (5 à 7 Films) de Tendre
– Sébastien Hussenot, producteur (La Luna Productions ) de America de Giacomo Abbruzzese
Alors que les votes pour les César 2022 ont commencé ce 3 janvier, Format Court vous invite mardi 11.1 à 19h sur Zoom à son nouvel After Short consacré aux courts-métrages d’animation présélectionnés aux prochains César. Cet événement est organisé en collaboration avec l’ESRA. 11 équipes sur 12 ont répondu favorablemement à notre invitation !
Bon à savoir : un prochain After Short, consacré aux courts documentaires en lice aux César, aura lieu le mardi 18.11.
Pour info et rappel, il n’y aura pas de projection des films présélectionnés pendant les After Short.
Gratuits pour les étudiants et les anciens de l’ESRA, les After Short demeurent accessibles et payants (5€) aux autres personnes intéressées, sur réservation.
Voici la liste, susceptible de changements, de nos invités présents lors de cette soirée :
– Margaux Pierrefiche, responsable du court aux César
– Agnès Patron, réalisatrice de L’Heure de l’Ours, César du meilleur court d’animation 2021
– Nathalie Lebel, membre du comité Animation et responsable des ventes et acquisitions à l’Agence du court-métrage
– Sophie Racine et Yves Bouveret, réalisatrice et producteur (Am Stram Gram) de Rivages
– François Leroy et Stéphanie Lansaque, réalisateurs de Le Réveil des insectes
– Mathilde Parquet et Christophe Camoirano, réalisatrice et producteur (Girelle Production) de Trona pinnacles
– Paul Mas, réalisateur de Précieux
– Marine Laclotte et Christian Pfohl, réalisatrice et producteur (Lardux Films) de Folie douce, folie dure
– Bastien Dubois et Amiel Tenenbaum, réalisateur et producteur (Blast Production) de Souvenir, souvenir
– Sandrine Stoïanov, Jean-Charles Finck et Jérôme Barthélemy, réalisateurs et producteur (Caïmans Productions) de Le Monde en soi
– Geoffroy de Crécy, réalisateur de Empty places
– Sandra Desmazières et Fariza Daguelou, réalisatrice et productrice (Les Films de l’Arlequin) de Comme un fleuve
– Uri Kranot et Avi Amar, réalisateur et producteur (Floreal Films) de The Hangman at Home
– Marine Blin, réalisatrice de Ce qui résonne dans le silence
Ce mois-ci, Format Court fête son 13ème anniversaire (bouchon !). Après avoir publié il y a quelques jours notre propre Top 5 des meilleurs courts-métrages de l’année, voici les résultats de votre propre Top, suite à notre appel publié récemment sur notre site internet. 4 films, vus en 2021, ont remporté le plus de suffrages. Voici lesquels.
L’homme silencieux de Nyima Cartier, France
T’es morte Hélène de Michiel Blanchart, Belgique, France
L’inspection de Caroline Brami et Frédéric Bas, France
Le Monde en soi de Sandrine Stoïanov et Jean-Charles Finck, France
Depuis 12 ans déjà, les membres de Format Court se prêtent à l’exercice du Top 5 des meilleurs courts-métrages vus pendant l’année écoulée. Rituel oblige, voici les films qui ont le plus marqué notre équipe cette année, par ordre de préférence !
Agathe Arnaud
1. Sidéral de Carlos Segundo, Brésil, France
2. Kindertotenlieder de Virgil Vernier, France
3. Noir-Soleil de Marie Larrivé, France
4. Random Patrol de Yohan Guignard, France
5. Ecoutez le battement de nos images de Maxime et Audrey Jean-Baptiste, France
Katia Bayer
1. Bestia de Hugo Covarrubias, Chili
2. L’inspection de Caroline Brami et Frédéric Bas, France
3. Les Criminels de Serhat Karaaslan, France, Roumanie, Turquie
4. Noir-Soleil de Marie Larrivé, France
5. Nicolae de Mihai Grecu, France
Karine Demmou
1. Hold me tight de Leoluna Robert-Tourneur, Belgique, France
2. People in Motion de Christoph Lauenstein et Wolfgang Lauenstein, Allemagne
3. Sidéral de Carlos Segundo, Brésil, France
4. Pedar de Mandana Ferdos, France
5. Les Corps Electriques d’Antoine Janot, France
Manon Guillon
1. Haut les coeurs de Adrian Moyse Dullin, France
2. Le sang de la veine de Martin Jauvat, France
3. Léo la nuit de Nans Laborde-Jourdàa, France
4. Arabacciu de Alexandre Oppecini, France
5. Beautiful stranger de Benjamin Belloir, France, Belgique
Polina Khachaturova
1. Le Départ de Saïd Hamich Benlarbi, France, Maroc
2. The Nightwalk de Adriano Valerio, France, Italie
3. I’m afraid to forget your face de Sameh Alaa, Égypte, France, Belgique, Qatar
4. L’inspection de Caroline Brami et Frédéric Bas, France
5. L’Effort commercial de Sarah Arnold, France, Suisse
Hugo Malpeyre
1. Les mauvais garçons de Elie Girard, France
2. Nuit sans sommeil de Jérémy Van der Haegen, Belgique, France
3. Sidéral de Carlos Segundo, Brésil, France
4. Hadrien & Nathalie de Philibert Gau, France
5. Pedar de Mandana Ferdos, France
Gaspard Richard-Wright
1. Nuits sans sommeil, de Jérémy van der Haegen, Belgique, France
2. Pacifico Oscuro, de Camille Beltran, Colombie, France
3. Rivages, de Sophie Racine, France
4. Des gens bien, de Maxime Roy, France
5. L’homme silencieux, de Nyima Cartier, France
Léa Vezzosi
1. Bestia de Hugo Covarrubias, Chili
2. En fin de conte de Zoé Arene, Belgique, France
3. Everything go round de Ryan Oksenberg, USA
4. Night of the living dicks de Ilja Rautsi, Finlande, Danemark
5. Les démons de Dorothy de Alexis Langlois, France
Eliott Witterkerth
1. Brutalia, days of labour de Manolis Mavris, Grèce, Belgique
2. L’homme silencieux de Nyima Cartier, France
3. En fin de conte de Zoé Arene, Belgique, France
4. All the crows in the world de Tang Yi, Hong Kong
5. There’s a prison on fire in the forest de JLee MacKenzie, USA
Synopsis : Nuits sans sommeil est le portrait d’une enfance au quotidien. Un village, une famille, un petit garçon qui aime porter des robes, le retour du loup et la vie de chaque jour, ordinaire et banale, sont la matière d’un récit qui raconte les désirs enfouis.
Avec Nuits sans sommeil, Grand Prix du dernier Festival Format Court de cette année 2021, le réalisateur Jérémy van der Haegen livre un troisième film riche et audacieux qui en trente minutes dégage toute la puissance d’un long-métrage.
Nuits dans sommeil dresse le portrait d’une famille. Deux parents, une adolescente et un enfant. Sur fond de l’organisation d’une battue pour traquer un loup, on suit deux jours de la vie de ladite famille. C’est particulièrement au plus jeune enfant que l’on s’attache et s’identifie. On le suit dans les différents moments qu’il vit : au sein de sa famille, chez une psychologue, à l’école et jusque dans sa solitude.
Dès la première séquence, il est cerné, de murs, de questions ainsi que par le cadrage en 4/3 qui au milieu de l’image, le rend plus vulnérable. Le ton est donné. L’action se situe ensuite principalement dans la maison familiale, décor central du film.
Dans cette famille, on imagine que le père travaille. On ne le voit que le matin nu dans sa salle de bain et le soir au repas où il tient une place en bout de table en chef de famille assumé. La mère, elle, passe ses journées sous tranquillisants qu’elle consomme de plus en plus tôt le matin. La fille, elle, navigue entre cet environnement et son petit copain, qui veut l’emmener dans la bergerie, dans l’espoir d’aller plus loin que leurs simples baisers. Les parents ne sont montrés qu’à l’intérieur de la maison. Les enfants, eux, ont le droit d’être racontés aussi en extérieur, ce qui les autorisent à être plus libres.
Avec une lumière d’hiver, ce film nous emmène au carrefour de plusieurs univers: conte, réalisme fantastique, fresque sociale et film sur l’enfance. Les multiples symboles et thèmes issus du conte sont présents: la figure du loup, la perte de la virginité, l’enfance…
Comme dans son film précédent Les hauts pays où le réalisateur « inscrivait son film dans le cinéma de la contemplation » (d’après Adi Chesson), le rythme ici dans cette maison familiale semble calme et tranquille. Les personnages sont fatigués. On oscille entre douceur et malaise. Et c’est bien là que semble se situer l’intention du réalisateur : provoquer le spectateur en interrogeant des institutions comme la famille, l’école ou encore les suivis psychologiques.
D’ailleurs dans tout le film, les mots prononcés par les personnages, seront toujours, à de rares exceptions, calmes et posés. Il n’y a pas d’éclats de voix, pas de cris. On perçoit toutes les difficultés de communication qui peuvent régner lors de la scène du repas, scène centrale du film. Les questions et les réponses sont entremêlées. Personne ne s’écoute vraiment, les dialogues s’entrecroisent, s’entrechoquent. Cette scène retranscrit bien l’idée d’une famille où l’on semble communiquer sans jamais vraiment s’intéresser, ni s’écouter.
Nuits dans sommeil ne laisse pas indifférent. Il donne envie de voir l’univers de ce réalisateur se développer dans un format plus long dans lequel son talent se développera encore plus. Pas étonnant qu’il ait remporté le Grand Prix à l’unanimité à la dernière édition du Festival Format Court.
L’Académie des arts et des sciences du cinéma a annoncé ce mardi 21.12.21 les présélections de 10 catégories pour la 94ème cérémonie des Oscars. 3 d’entre elles nous intéressent tout particulièrement, celles liées au court. 15 films sont en lice dans chacune des sections : documentaire, animation et fiction.
Le prochain tour de vote débutera le 27 janvier 2022 et se terminera le mardi 1er février 2022. Les nominations pour la 94e cérémonie des Oscars seront annoncées le mardi 8 février 2022. La 94e cérémonie des Oscars se tiendra quant à elle le dimanche 27 mars 2022. D’ici là, Format Court vous proposera de découvrir une petite sélection des films nommés.
Les 15 courts présélectionnés à l’Oscar du meilleur court-métrage documentaire
Águilas de Kristy Guevara-Flanagan, Maite Zubiaurre (USA)
Audible de Matthew Ogens (USA)
A Broken House de Jimmy Goldblum (USA, Liban)
Camp Confidential: America’s Secret Nazis de Mor Loushy, Daniel Sivan (USA, Israël)
Coded: The Hidden Love of J. C. Leyendecker de Ryan White (USA)
Day of Rage de David Botti, Malachy Browne (USA)
The Facility de Seth Freed Wessler (USA)
Lead Me Home de Pedro Kos, Jon Shenk (USA)
Lynching Postcards: “Token of a Great Day” de Christine Turner (USA)
The Queen of Basketball de Ben Proudfoot (USA)
Sophie & the Baron de Alexandria Jackson
Takeover de Emma Francis-Snyder (USA)
Terror Contagion de Laura Poitras (France)
Three Songs for Benazir de Elizabeth Mirzaei, Gulistan Mirzaei (Afghanistan)
When We Were Bullies de Jay Rosenblatt (USA, Allemagne)
Les 15 courts présélectionnés à l’Oscar du meilleur court-métrage d’animation
L’art dans le sang, de Joanna Quinn et et Les Mills (Canada)
Angakusajaujuq: The Shaman’s Apprentice de Zacharias Kunuk (Canada)
Mauvaises herbes de Claude Cloutier (Canada)
Bestia de Hugo Covarrubias (Chili)
Boxballet de Anton Dyakov (Russie)
Comme un fleuve de Sandra Desmazières (France, Canada)
Maman pleut des cordes de Hugo de Faucompret (France)
Navozande, le musicien de Reza Riahi (France)
Namoo de Erick Oh (USA)
Only a Child de Simone Giampaolo (Suisse)
Robin Robin de Dan Ojari, Mikey Please (Royaume-Uni)
Souvenir Souvenir de Bastien Dubois (France)
Dans la rivière de Weijia Ma (Chine, France)
Us Again de Zach Parrish (USA)
The Windshield Wiper de Alberto Mielgo (USA, Espagne)
Les 15 courts présélectionnés à l’Oscar du meilleur court-métrage de fiction
Ala Kachuu – Take and Run de Maria Brendle (Suisse, Kyrgyzstan)
Le censeur de rêves de Léo Berne & Raphaël Rodriguez (France)
Les Criminels de Serhat Karaaslan (France, Roumanie, Turquie)
Distances de Susan Béjar (Esoagne)
The Dress de Tadeusz Łysiak (Pologne)
Frimas de Marianne Farley (Canada)
Les Grandes Claques de Annie St-Pierre (Canada)
The Long Goodbye de Aneil Karia (Royaume-Uni,Pays-Bas)
On My Mind de Martin Strange-Hansen (Danemark)
Please Hold de KD Davila (USA)
Stenofonen de Nicolaj Kopernikus (Danemark)
Tala’vision de Murad Abu Eisheh (Allemagne, Jordanie)
Under the Heavens de Gustavo Milan (Brésil)
When the Sun Sets de Phumi Morare (Afrique du sud)
T’es morte Hélène de Michiel Blanchart (Belgique)
En explorant la question de l’intime à travers les trajectoires de vies singulières et situées à la marge, le cinéaste Sébastien Lifshitz a l’habitude de ramener à la lumière des sujets sensibles, hélas, encore largement soumis à la controverse. Son bouleversant documentaire Adolescentes (2020), une histoire de deux amies de collège sur le chemin de l’âge adulte, remporte en mars 2021 trois César, tandis que Petite fille, filmé la même année et racontant le parcours et la difficile intégration d’un garçon qui aspire à se faire reconnaître comme fille, obtient un record d’audience sur Arte en 2020.
Ce n’est d’ailleurs pas la première fois que son film touche aux problèmes de choix d’identité chez les personnes transgenres. Notamment avec Bambi, réalisé en 2013 et chroniqué sur notre site en 2014, il trace le destin de Marie-Pierre Pruvot, une des premières françaises revendiquant publiquement sa transidentité, avant même que le terme ne s’introduise dans l’espace médiatique.
Le coffret collector DVD et Blu-ray édité tout récemment par The Jokers Films sera une belle occasion à (re)découvrir ce magnifique portrait en version rallongée de plus de trente minutes de séquences inédites, et complété par de curieux bonus : deux courts-métrages réalisés par Marie-Pierre elle-même, ainsi que de multiples photos avec ses propres commentaires, imprimées dans un livret.
Son histoire commence en Algérie en 1935. Née sous le prénom de Jean-Pierre, elle ne se sent jamais d’accord avec son sexe biologique. A l’âge de 17 ans, fuyant son pays natal, elle s’installe à Paris et rejoint la troupe des cabarets transgenre émergents : le Carrousel et Chez Madame Arthur, et se fait connaître sous son nom de scène, Bambi, se liant d’amitié avec d’autres vedettes de l’époque, comme Coccinelle et Capucine. Après avoir passé son bac à l’âge de 33 ans, elle quitte ce milieu festif pour se consacrer au métier de professeure de français pendant les vingt-neuf années suivantes qu’elle vivra dans l’anonymat absolu.
Lors des entretiens ou de retour en Algérie, sur les lieux de son enfance, suivie par la caméra, Marie-Pierre offre un témoignage d’une grande sincérité, sans que les émotions ne prennent le dessus sur sa voix paisible et son éloquence naturelle. Toujours rayonnante malgré les années, elle ressort victorieuse du combat qu’elle a mené durant toute sa vie pour l’affirmation de son identité. Le temps semble avoir réussi à apaiser ses blessures, et cette sérénité dans l’échange est à mettre au crédit du réalisateur, et de sa mise en scène discrètement pudique.
Sébastien Lifshitz laisse advenir les instants du réel tels quels, sans oser influencer le fil de pensée de sa protagoniste. Ses choix de points de vue ne paraissent jamais voyeuristes : dans les rues obscures de la Kabylie ou auprès du caveau familial, la caméra, toujours placée à distance, souvent même derrière son dos, laisse Bambi déambuler à travers le paysage comme dans ses souvenirs. Emue de revoir sa région natale, elle peine toutefois à reconnaître les lieux qui ont jalonné son histoire. « Je voulais qu’elle puisse vivre ces moments le plus librement possible, et c’était à moi de retrouver ma place avec la caméra », confia un jour Sébastien Lifshitz à ce propos.
Complétant son témoignage par de précieux documents d’époque, des photos et des archives Super 8 (qu’elle avait conservés), le réalisateur maîtrise parfaitement les dualités classiques, public/privé, passé/présent, qui s’entrecroisent aussi souvent au sein du film documentaire. Bambi apparaît alors comme un hymne universel à la résilience face aux discriminations subies au quotidien par des minorités sexuelles et de genre.
Comme chaque année, notre équipe prépare son Top 5 des meilleurs courts-métrages, exercice réalisé depuis 11 ans déjà. Voici d’ailleurs nos coups de coeur de l’année.
Depuis 6 ans, vous avez également la possibilité de voter pour vos 5 courts-métrages préférés de l’année par mail. L’an passé, 4 films avaient recueilli le plus de suffrages : Sprötch de Xavier Seron (Belgique), I am afraid to forget your face de Sameh Alaa (Egypte, France), Homeless Home de Alberto Vázquez (Espagne, France) et Maalbeek de Ismaël Joffroy Chandoutis (France).
Faites-nous part jusqu’au mardi 4.1 inclus de vos 5 courts-métrages favoris remarqués cette année, tous pays et genre confondus, par ordre de préférence, en n’oubliant pas de mentionner leurs réalisateurs et pays d’appartenance.
Nous ne manquerons pas de publier les résultats de vos votes sur Format Court !
Une semaine après notre premier After Short consacré au César du meilleur court 2022 organisé le mardi 7.12 à l’ESRA en présence de 9 équipes mais aussi de Margaux Pierrefiche, responsable du court aux César et de Margaux Lorier, la productrice de Qu’importe si les bêtes meurent, de Sofia Alaoui, César du meilleur court-métrage 2021, nous vous proposons un deuxième rendez-vous autour d’autres films présélectionnés au prochain César du court, le mercredi 15.12 prochain à 19h à l’ESRA (amphithéâtre Jean Renoir, 37 quai de Grenelle 75015 Paris).
Pour ce deuxième volet, pas moins de 11 équipes présélectionnées aux César seront présentes. Pour info et rappel, il n’y aura pas de projection des films présélectionnés pendant les After Short. Un cocktail aura cependant lieu à l’issue de la soirée 🙂
La soirée débutera à 19h précises, l’accueil se fera dès 18h30 à l’école.
Gratuits pour les étudiants et les anciens de l’ESRA, les After Short demeurent accessibles et payants (5€) aux autres personnes intéressées, dans la limite des places disponibles, sur réservation et sur présentation du pass sanitaire.
Voici la liste de nos invités présents lors de cette soirée, à retrouver sur notre compte Instagram :
– Margaux Pierrefiche, responsable du court aux César
– Rémi Bigot, membre du comité de présélection, responsable court-métrage à la Semaine de la Critique
– Louise Condemi et Jeanne Ezvan, réalisatrice et productrice (Apaches films) de Romance, abscisse et ordonnée
– Martin Jérôme, producteur (Les Cigognes Films) de I am afraid to forget your face de Sameh Alaa
– Marion Le Corroller, réalisatrice de Dieu n’est plus médecin
– Elie Girard et Lionel Massol, réalisateur et producteur (Films Grand Huit) de Les mauvais garçons
– Adriano Valerio et Lionel Massol, réalisateur et producteur (Films Grand Huit) de The Nightwalk
– Helen Olive, productrice (5 à 7 Films) de L’Effort commercial de Sarah Arnold
– Nyima Cartier et Joséphine Mourlaque, réalisatrice et productrice (Mabel Films) de L’homme silencieux
– Maximilian Badier-Rosenthal et Yannick Beauquis, réalisateur et producteur (Don Quichotte Films) de Malabar
– Nadia Anebri et Nérimen Hadrami, réalisatrice et productrice (KG productions) de Petit poussin
– Carmen Leroi et Jordane Oudin, réalisatrice et producteur (Hippocampe Productions) de Pour Elsa
– Claude Le Pape, réalisatrice de La maison (pas très loin du Donegal)
Quelques jours après son festival, Format Court prévoit pas moins de 4 After Short consacrés aux César du court 2022, organisés en partenariat avec l’ESRA. Ce mois-ci, deux soirées seront organisées autour des 24 équipes présélectionnées côté fiction, les mardi 7 et mercredi 15 décembre prochains.
Pour info et rappel, il n’y aura pas de projection des films présélectionnés pendant les After Short.
La première soirée est organisée mardi prochain à 19h précises à l’ESRA(amphithéâtre Jean Renoir, 37 quai de Grenelle 75015 Paris), en présence de 10 équipes présélectionnées. Un cocktail aura lieu à l’issue de la soirée. Le deuxième After Short aura lieu le mercredi 15 décembre également à l’ESRA, en présence de nombreuses équipes également (infos à venir prochainement). Les pass sanitaires et inscriptions sont obligatoires.
Gratuits pour les étudiants et les anciens de l’ESRA, les After Short demeurent accessibles et payants (4€) aux autres personnes intéressées, dans la limite des places disponibles (nombre de places extrêmement restreint au vu des mesures sanitaires).
Voici d’ores et déjà la liste (susceptible de modifications) de nos invités présents lors de la soirée du 7 décembre prochain, à retrouver sur notre compte Instagram :
– Margaux Pierrefiche, responsable des courts-métrages au sein de l’Académie des César
– Margaux Lorier, productrice (Wrong Films) de Qu’importe si les bêtes meurent, César du meilleur court-métrage 2021
– Naïla Guiguet, Lou Chicoteau et Jean-Etienne Brat, réalisatrice et producteurs (Alta Rocca Films) de Dustin
– Adriano Valerio et Lionel Massol, réalisateur et producteur (Films Grand Huit) de The Nightwalk
– Julien Gaspar-Oliveri, réalisateur de L’âge tendre
– Elsa Rysto et Pierre-Yves Jourdain, réalisatrice et producteur (Yggdrasil Pictures) de Love Hurts
– Caroline Brami et Frédéric Bas, réalisateurs de L’inspection
– Serhat Karaaslan, réalisateur de The criminals
– Maxime Roy, réalisateur de Des gens bien
– Jimmy Laporal-Trésor, réalisateur de Soldat Noir
– Christelle Lheureux, réalisatrice de 80.000 ans
– Saïd Hamich et Sophie Penson, réalisateur et productrice (Barney Production) de Le départ
