D comme The Dead Father

Fiche technique

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Synopsis : Malgré sa mort, un père de famille continue à venir faire de brèves visites à son fils aîné. Cette situation finit par affecter le jeune homme…

Genre : expérimental

Durée : 24min

Pays : Canada

Année : 1986

Réalisation : Guy Maddin

Scénario : Guy Maddin

Image : Kathy Driscoll, Bob Russick, Stephen Snyder (as W. Steve Snyder)

Montage : Guy Maddin

Son : Wayne Finucan

Direction artistique : Jeff Solylo

Interprétation : D.P. Snidal, Margaret Anne MacLeod, John Harvie, Angela Heck, Rachel Toles, Jilian Maddin, Stephen Snyder

Production : Vincent Landay

Article associé : la critique du film

The Dead Father de Guy Maddin

Réalisé en 1986, « The Dead Father » est le premier film de Guy Maddin. Après un énigmatique prologue, le réalisateur de « The Saddest Music in the World » nous plonge dans l’intimité d’une famille qui cohabite avec le corps sans vie de leur père. Chacun paraît s’accommoder de cette présence familière ; sauf le fils aîné, témoin privilégié des retours périodiques à la vie du patriarche mort-vivant.

Généalogie d’un style

Guy Maddin aime jouer à l’apprenti sorcier, reprendre les vieilles formules qui avaient court au début de l’histoire du cinéma pour créer un univers personnel à la fois sombre et caustique. Il parsème son film de points de repères familiers hérités de la grande époque du cinéma muet (noir & blanc, intertitres, image granuleuse et parasitée…) pour mieux les détourner et surprendre son spectateur.

Le film s’ouvre avec un générique présentant les personnages sur une musique enjouée, qui rappelle celle de comédies légères, mais elle devient vite plus inquiétante et l’image s’assombrit. Nous entrons alors dans ce que le narrateur appelle “le Territoire de l’oubli”, une contrée faite d’images persistantes qui mêlent des figures du quotidien à travers le regard perturbé du jeune narrateur.

Ce travail sur la mémoire et la perception est remarquable à double titre. Premièrement, il permet de repartir aux fondements du septième Art, d’un point de vue esthétique mais aussi financier – les premiers films du “David Lynch canadien”, comme certains le surnomment, ont souvent été réalisés avec une économie de moyens qui permet de conserver une certaine liberté. Deuxièmement, Guy Maddin questionne ce médium qu’est le cinéma en amenant le spectateur à aller au-delà de l’archétype du “vieux film” en se rappropriant les clés du récit, une véritable invitation à passer de l’autre côté du miroir.

Cerise sur le gâteau, Guy Maddin prend un soin tout particulier à créer des images qui impriment durablement la rétine. Il y a tout d’abord la silhouette du père que le fils croit apercevoir une nuit à sa fenêtre. Et puis, il y a la scène où ce même fils sort d’un pas décidé de chez lui, passant devant des corps inertes étendus à terre, jusqu’à s’arrêter devant celui de son père. Le jeune homme sort alors une cuillère de sa poche, la plonge dans le ventre paternel et dévore ses entrailles.

D’un mythe à l’autre

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Guy Maddin fait partie des cinéastes hantés par des thèmes récurrents. La figure paternelle est une pièce maîtresse de son univers au point d’avoir appelé son premier court métrage “The Dead Father”. Venu à Paris présenter son dernier film en date « Ulysse, souviens-toi ! » (Keyhole), il a confié aux spectateurs que peu avant le tournage de son tout premier, son père est mort. Pendant les semaines qui ont suivi, il a rêvé presque toutes les nuits que son père revenait, juste l’espace d’un instant, pour reprendre un objet qu’il avait oublié dans leur maison. Ce fût le point de départ du film.

Dans « The Dead Father », le fils aîné vit mal le décès de son père. Pour faire passer cette émotion sur la pellicule, Guy Maddin mêle la tristesse de la perte d’un être cher au trouble suscité par cette émotion. En jouant sur la perception du temps, l’enchevêtrement des situations et les répétitions, il parvient à créer une ambiance empreinte d’étrangeté, de mélancolie et de sous-entendus que ne renieraient pas Buñuel (« Le Chien Andalou », « L’Âge d’Or ») et Cocteau (« Le Sang d’un Poète », « Orphée »). Le père autoritaire rappelle également celui que décrit Franz Kafka dans “La lettre au père” : «Il m’arrive d’imaginer la carte de la Terre déployée et de te voir étendu transversalement sur toute sa surface. Et j’ai alors l’impression que seules peuvent me convenir pour vivre les contrées que tu ne recouvres pas ou celles qui ne sont pas à ta portée.»

Julien Beaunay

Consultez la fiche technique du film

Anima 2012 : le palmarès

Compétition internationale

PRIX DÉCERNÉS PAR LE JURY : The Wonder Hospital – Beomsik Shimbe Shim
PRIX DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE PROFESSIONNEL : Romance – Georges Schwizgebel
PRIX DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE ETUDIANT : Kuhina – Joni Männistö
PRIX DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE JEUNE PUBLIC : Dodu – O Rapaz de Cartao (Dodu – The Cardboard Boy) – José Miguel Ribeiro
PRIX DU MEILLEUR CLIP VIDÉO : Björk “Crystalline” – Michel Gondry
PRIX DU MEILLEUR FILM PUBLICITAIRE :Canon “Parade” – Dante Ariola

PRIX DÉCERNÉS PAR LE PUBLIC

PRIX FLUXYS DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE PROFESSIONEL : Luminaris – Juan Pablo Zaramella
PRIX DU PUBLIC DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE ETUDIANT : Flamingo Pride – Tomer Eshed
PRIX DU PUBLIC DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE JEUNE PUBLIC : L’Envol du chat – Clément Doranlo
PRIX DU PUBLIC DU MEILLEUR COURT DE LA NUIT ANIMÉE : A Morning Stroll – Grant Ochart

Compétition nationale

PRIX DÉCERNÉS PAR LE JURY

GRAND PRIX DE LA FÉDÉRATION WALLONIE-BRUXELLES : La Boîte de sardines – Louise-Marie Colon
PRIX DE LA SACD : Natasha – Roman Klochkov
PRIX DE LA SABAM : Duo de volailles, sauce chasseur – Pascale Hecquet
PRIX TVPAINT DU MEILLEUR COURT MÉTRAGE ÉTUDIANT BELGE : Shattered Past – Boris Sverlow

PRIX DÉCERNÉS PAR LES PARTENAIRES

PRIX BETV : Adonaissance Trip – Madeline Feuillat
PRIX RTBF/LA TROIS : La Boite de sardines – Louise-Marie Colon
PRIX CINERGIE : Dans le Cochon tout est bon d’Iris Alexandre

W comme Wild Life

Fiche technique

Synopsis : En 1909, un fils à papa anglais est envoyé à Alberta pour travailler au ranch. Mais son penchant pour le badminton, les oiseaux et la bouteille ne lui laisse que peu de temps pour jouer au cowboy.

Pays : Canada

Année : 2011

Genre : Animation

Durée : 13’30

Réalisation : Amanda Forbis, Wendy Tilby

Scénario : Amanda Forbis , Wendy Tilby

Son : Patrick Butler

Musique : Judith Gruber-Stitzev

Montage : Patrick Butler

Animation : Wendy Tilby , Amanda Forbis

Voix : Frank Fontaine , Marcel Jeannin

Production : Office national du film du Canada

Article associé : la critique du film

César & court

Vendredi soir, devant les César, vous étiez peut-être hésitants entre « The Artist », « Polisse » et « Intouchables ». Et pour le court, pronostics à la main, vous penchiez peut-être pour l’un ou l’autre nommé (« L’Accordeur », « La France qui se lève tôt », « J’aurais pu être une pute », « Je pourrais être votre grand-mère », « Un monde sans femmes »). On ne vous apprendra donc pas que les bides et que les décolletés se sont succédés, que Jean Dujardin s’est fait doubler par Omar Sy, que Maïween a pleuré comme une baleine, qu’Alice Taglioni a fait sa maligne en citant Nietzsche, que Michel Blanc s’est montré très classe face à Mathilde Seigner, et que « L’Accordeur » a glané le César, suite à de nouveaux jeux de mots bien limités sur le mot « court ».

Wild Life de Amanda Forbis et Wendy Tilby

Après le très remarqué « When the days breaks », court métrage multiprimé, nous retrouvons avec plaisir le dernier film d’Amanda Forbis et de Wendy Tilby, « Wild Life », nominé aux Oscars et sélectionné en compétition internationale à Anima cette année. Les deux réalisatrices qui nous amènent à suivre la trajectoire d’un jeune immigré anglais, parti découvrir les vastes prairies d’Alberta, au Canada en 1909. Mais son amour du badminton, du thé et son flegme naturel perdront ce gentleman.

Parti pour devenir rancher et se lancer dans l’élevage de bétail, il découvre que rien dans son éducation raffinée ne l’avait préparé aux difficiles conditions de vie du Nouveau Monde. Le court métrage met cette trajectoire en perspective, avec des jeux et entrelacs narratifs. Plusieurs procédés nous permettent de saisir le décalage entre la « vie sauvage », rêve romantique d’un jeune anglais, et la réalité d’une vie au Canada. Mais, et il faut le souligner, jamais cela n’entame la fraicheur du court métrage, ni la fluidité d’une narration à l’esprit délicieusement ironique.

L’animation devient une enquête sur le terrain mêlant des témoignages moitié amusés, moitié inquiets des autochtones ayant fréquenté le gentleman, et la relecture des lettres laissées par le rancher. Les « locaux » commentent brièvement son désintérêt pour la religion, pour le travail et nous dressent le portrait d’un doux rêveur, avec une vision romantique de ce que peut être la vie d’un cow-boy. Ainsi, le film emprunte allègrement aux codes du western, définition universelle du grand ouest américain, avec ses vastes étendues désertes et ses chemins de fer.

Si au premier abord, on s’amuse du décalage entre les lettres romanesques qu’il envoie à ses parents et la réalité de sa situation, on ressent vite un certain malaise, une empathie avec ce personnage qui dit avoir acquis un «ranch» là où il n’y a, en fait, qu’une petite cabane au milieu d’un champ. On le voit flâner, plus occuper à regarder les oiseaux et méditer sur le sens de la vie que de se mettre effectivement au travail. Peu à peu, cet entêtement dans le mensonge d’une vie qui ne lui correspond pas lui fait perdre pied; on le voit errant, démuni face à la réalité de sa situation, face à son isolement. Les lettres deviennent alors le seul lien avec une société et, en même temps, le reflet de ce qu’aurait dû être sa «vie sauvage». Car c’est une des caractéristiques appréciables de l’imagination romantique de toujours entraîner le rêveur au-delà de la réalité.

Une autre des mises en perspective utilisées dans la narration est l’utilisation de textes, apparaissant à plusieurs reprises, pour commenter la trajectoire d’une comète, « amas de glace et de poussière, qui n’est pas parvenu à s’intégrer à une planète ». Le parallèle est ainsi créé dès la première image, et c’est bien de cela qu’il s’agit; de la collision entre un esprit cultivé mais détaché de la réalité matérielle, et la « vie sauvage » canadienne. Cela on le comprend vite en voyant le décalage entre les autochtones et le jeune rêveur. En voyant sa « cabane » noyée sous la pluie, la neige, on comprend aussi que la nature n’est ni romantique, ni clémente mais bien au contraire rude et sans pitié.

En intégrant des répliques de photos d’époques, de chansons traditionnelles, « Wild Life » dépasse le récit d’une trajectoire individuelle devient le reflet d’un phénomène de l’époque. Sur les photos jaunies, on voit les visages de ces conquérants d’un «Nouveau Monde» imaginaire, qui connaitront, eux aussi sûrement, les affres du mal du pays. Le contraste entre civilisation et espace sauvage est ainsi constamment présent; les plans du film se répondent : immensité des champs / tasse de thé, ou lorsque le héros joue du golf sur un pâturage criblé de terriers. Autant de détails loin d’être anodins… Finalement, comme la comète, le «rancher» ne peut s’intégrer à son environnement et restera définitivement dans la marge, jusqu’à sa mort, issue certaine de ce changement de vie, radical et dangereux.

Pauline Gardavaud

Consultez la fiche technique du film

M comme My Mother’s Coat

Fiche technique

My Mother’s Coat (full version) from Moth on Vimeo.

Synopsis : Réalisatrice Marie-Margaux Tsakiri-Scanatovits livre un Documentaire sur sa mère italienne, ses expériences d’immigrée en Grèce dans les années 70 post-dicature et sa nostalgie sur sa petite ville natale.

Pays : Royaume Uni, Grèce

Genre : Documentaire, Animation

Durée : 06’06 »

Année : 2010

Réalisation, Animation : Marie-Margaux Tsakiri-Scanatovits

Voix : Paola Dionisotti

Son : Tom Lowe

Production : Royal College of Art

Article associé : le reportage « Envol estudiantin à Anima »

Envol estudiantin à Anima

Comme de coutume à Anima, une bonne part de la programmation de courts métrages en compétition se consacre aux films d’écoles. Position entièrement défendable, vu que le format court est après tout le principal medium d’expression employé dans le cadre scolaire, et que l’animation est le genre qui requiert le plus de connaissances techniques précises.

Premier constat : une grande partie des films ressemble plutôt à des expériences singulières en techniques d’animation, et, vu la prolifération exponentielle de celles-ci, leur exploitation au cinéma mérite assurément d’être encouragée. Ces films impressionnent donc sur le plan formel mais, en raison de leur parti pris de faire abstraction du contenu, ils laissent le spectateur sur sa faim. « Connan O’Brian » de Jacob Gilbreath (USA), par exemple, est un exercice de style en typographie cinétique fort louable, mais dont l’intérêt cinématographique, au-delà de l’illustration du discours d’adieu du présentateur américain, nous échappe. De même, « Graffitiger » (du Tchèque Libor Pixa), le tigre-graffiti déambulant sur les façades de la jungle urbaine pendant une dizaine de minutes, évoque et dépasse même le travail « mutant » de l’animateur italien Blu. Cependant, ici, on pourrait se poser la même question que dans « Muto » quant au manque de contenu cohérent en dehors de la technique prodigieuse.

D’autres films de la sélection montrent une tendance à associer le genre animé à un candide romantisme quasi enfantin. Ce resurgissement de l’héritage Disney paraîtrait pourtant anachronique. Dans cette veine passéiste se trouvent notamment « Reflet » et « Swing of Change », tous deux des projets collectifs de taille. Le premier, signé Josselin Bailly, Nastasia Bois, Jeremy Celeste, Thomas Dufresne, Brian Gossart, raconte le voyage d’une restauratrice des tableaux à travers le temps et l’espace (et les mediums) pour rencontrer le peintre de l’œuvre à laquelle elle est en train de redonner un nouveau souffle. Le deuxième, réalisé par Andy Le Cocq, Harmony Bouchard, Joakim Riedinger, Raphael Cenzi, dépeint le changement de cœur d’un très méchant monsieur raciste, lorsqu’il confisque la trompette d’un mendiant noir dans les rues de New York des années 30. Ces dessins et ce travail d’animation sont irréprochables, mais face à un tel manichéisme, on a l’impression que Scrooge vit toujours et que tout le discours sur la psychologie nuancée n’est que de l’hérésie postmoderniste.

Swing of Change from Swing of Change on Vimeo.

« Galeria » de Robert Proch (Pologne) est un court métrage délectable sur la société de la surconsommation, avec un dessin riche et une mise en scène soignée, et rythmé par une partition cocasse et sensuelle. Le travail formel, et notamment musical, est très réussi mais ne parvient malheureusement pas à combler les lacunes narratives ou à pousser la critique suffisamment loin. Le film reste au stade de l’esthétisation et son récit est dès lors d’autant plus fragilisé par le traitement frustrant d’un thème très pertinent et très courant.

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« Galeria » de Robert Proch

Trois titres se démarquent toutefois du lot, en ce qu’ils réussissent de manière plus approfondie et plus aboutie à respecter un équilibre entre forme et contenu et à amener à l’animation toute la distinction dont elle est digne en tant que genre cinématographique à part entier.

« I’m Fine Thanks » de Eamonn O’Neill (Irlande) suit la vie d’un jeune homme pas comme les autres, dans un environnement hostile à sa différence. L’étudiant du Royal College of Arts de Londres dresse dans son film un portrait interpellant de la délinquance et des limites parfois très fines qui poussent un être au bord du gouffre. Comme dans « Ben X », « Elephant » ou plus récemment « We Need to Talk About Kevin », le résultat est aussi dramatique que crédible. Cependant, le ton reste particulièrement léger grâce notamment au dessin naïf, à un regard distancié et à un certain humour noir, qui parviennent à éliciter toute l’empathie du spectateur. Les questions de l’incommunicabilité et l’ostracisme et la socio-pathologie, ainsi que la juxtaposition de plusieurs scénarios tragiques, rendent la narration bien plus intelligente que ne laisse soupçonner l’image simpliste.

My Mother’s Coat (full version) from Moth on Vimeo.

« My Mother’s Coat » de Marie-Margaux Tsakiri-Scanatovits (GB/Irlande) se fait d’emblée remarquer par son image époustouflante, à laquelle s’ajoute un récit touchant et sobrement rendu. Largement (auto)biographique, ce documentaire se base sur le témoignage intime de la mère de la réalisatrice, qui à quitté Italie pour suivre son mari en Grèce. Là, elle a souffert du dépaysement et d’une certaine exclusion en raison de son statut d’étrangère. Le spectateur est surtout frappé par la ressemblance à la situation en Europe aujourd’hui, où ces formes de discriminations demeurent mais se sont déplacées vers d’autres sortes d’étrangers, la notion même d’expatrié ayant pris une connotation nettement plus positive que celle d’immigré. L’usage d’une voix-off dans un anglais articulé trahit une sensibilité au multiculturel chez la réalisatrice aux noms multiples. Le discours traduit admirablement le ressenti d’une femme qui raconte à sa fille adulte les difficultés rencontrées lors de son enfance, sans rancune ni doléance. Les dessins fins et élusifs en noir et blanc s’entachent subtilement de couleurs pour évoquer la tristesse, le passage du temps, le flou du souvenir. Telles les esquisses de Picasso, les plans laissent apercevoir les personnages seulement partiellement au lieu de les exposer. Ce n’est qu’à la fin, la narration en off terminée, qu’apparaît la live-action, pour donner enfin un visage à cette femme courageuse, qui pareille à un marsupial, protégea son enfant du monde inhospitalier derrière son manteau en fourrure.

« Conte de faits » de Jumi Yoon
Si les contes de fées sont nés dans la conscience collective humaine à partir d’un besoin d’échapper à la dure et laide réalité, le court métrage de Jumi Yoon est un exemple parfait du genre folklorique. Situé dans une maison close d’une Corée déchirée par la guerre 50-53, le récit suit les tentatives d’une mère de préserver l’innocence de son enfant face à la rapacité des GI envahisseurs. La petite, au prénom révélateur Nana, apprend très vite à se réfugier dans le monde imaginaire raconté par sa mère. Pour se sauver de l’emprise des clients saouls, elle plonge tête d’abord dans le décolleté ou les jupons de sa mère et des prostituées autour d’elle. Ces échappatoires, symboles matriciels à l’instar du manteau du film précédent, sont comme des portails permettant de passer d’un univers à l’autre. Au-delà du sordide, c’est la nature, l’idylle, et Nana est une biche qui savoure la beauté de ce monde. Yoon livre avec « Contes de faits » un magnifique tableau en peinture animée, mêlant esthétique, psychologie et social.

Adi Chesson

Consultez les fiches techniques de « I’m Fine Thanks », « My Mother’s Coat » et « Conte de faits »

A comme Ámár

Fiche technique

Synopsis : Inés part pour l’Inde afin de revoir son ami Ámár, qui a vécu pendant quatre ans dans un asile. Inés se remémore les derniers jours qu’ils ont passés ensemble et sa promesse de revenir.

Genre : Animation

Durée : 8′

Pays : Espagne

Année : 2010

Réalisation : Isabel Herguera

Scénario : Isabel Herguera

Animation : Rajiv Eipe, Rajesh Thakare, Isabel Herguera

Montage : Eduardo Elosegi

Son : Xabier Erkizia

Musique : Xabier Erkizia

Voix : Isabel Herguera

Production : Isabel Herguera

Article associé : la critique du film

Ámár de Isabel Herguera

« Ámár » est la dernière animation de Isabel Herguera, présente au Festival Anima en tant que membre du jury international. Son film est comme un carnet de voyage que l’on retrouve avec émotion, après des années, un petit livre composé de fragments de visages, de noms de personnes et de lieux, d’impressions sur une ville, sur un pays, de sentiments confus pour un amour perdu puis retrouvé.

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Sélectionné l’an dernier au même festival bruxellois, le court métrage de la réalisatrice basque faisait partie cette année des 24 films composant les programmes consacrés à l’Espagne. On l’a dit, “Cortos de España”, de manière générale, dégage une sombre obscurité. « Ámár », en revanche évoque plus une tendresse nostalgique que le surréalisme fantastique.

Le film est un peu comme une déclaration d’amour à l’Inde, un pays que la réalisatrice connaît bien puisqu’elle y enseigne l’animation à l’Université d’Ahmedabad (National Institute of Design) depuis quelques années. Dès les premières images, le dessin est fluide, le trait se fait sensuel et fuyant, noir et délicat comme un pinceau trempé dans l’encre de chine contrastant avec la blancheur du fond. Par-ci, par-là, des touches colorées viennent souligner une atmosphère particulière et puis les sons, ceux de la rue surtout, envahissent l’animation comme une vague qui s’échoue sur une plage de souvenirs doux-amers.

Une voix off, celle de la réalisatrice raconte comment elle a rencontré, aimé et quitté Ámár, devenu fou et ayant été interné dans un asile. Comment ? Pourquoi ? On ne le saura jamais. Herguera laisse le récit ouvert à toutes les interprétations, esquissant les pistes sans les confirmer.

Comme ses premiers films réalisés à l’aide de découpures de photos, de collages et d’assemblages composites (« Spain Loves You » (1988), « Los Muertitos » (1994)), la créatrice aime expérimenter les formes pour rendre compte d’une œuvre mosaïque, plurielle et éclatée où l’histoire naît d’une technique ou peut-être que c’est le contraire. Avec « Ámár », Isabel Herguera confirme à nouveau son talent d’artiste conteuse.

Marie Bergeret

Consultez la fiche technique du film

Article associé : l’interview de Isabel Herguera

W comme The Werepig

Fiche technique

Synopsis : Deux Américains vont en Espagne et découvrent une nouvelle façon de manger ou de se faire manger.

Genre : Animation

Durée : 17’

Pays : Espagne

Année : 2008

Réalisation : Sam

Scénario : Sam

Image : Sam

Animation : Julia Peguet, David Caballer, Sam

Décors : Jose Atienza

Montage : Sam

Son : Santi Beliver, Pablo Pellicer , Sam

Musique : Ramon Giner

Production : Conflictivos Productions

Article associé : Le reportage La Patamod au bord de la crise de nerfs

E comme Encarna

Fiche technique

Synopsis : Encarna est une femme de ménage au bord de la crise de nerfs.

Genre : Animation

Durée : 9’33’’

Pays : Espagne

Année : 2003

Réalisation : Sam

Scénario : Sam

Image : Sam

Animation : Sam et Pablo Pellicer

Décors : Ati, Fran, Pablo Pellicer, Sam

Montage : Sam

Son : Santi Beliver, Pablo Pellicer , Sam

Musique : Constantino M. Orts

Production : Conflictivos Productions

Article associé : le reportage La Patamod au bord de la crise de nerfs

V comme Vicenta

Fiche technique

Synopsis : Alfredo est mort sans avoir révélé à sa femme la cachette d’une fabuleuse fortune gagnée à la loterie. Vicenta a cherché partout, en vain ; sa dernière chance est de demander à son mari décédé. Ramener les morts à la vie n’a jamais été chose facile, mais avec l’aide de son neveu tout est possible.

Genre : Animation

Durée : 22′

Pays : Espagne

Année : 2010

Réalisation : Sam

Scénario : Sam

Image : Sam

Animation : David Caballer, Sam

Décors : Diego Soriano

Montage : Sam

Son : Sam

Musique : Sam

Production : Conflictivos Productions

Article associé : Le reportage La Patamod au bord de la crise de nerfs

La Patamod au bord de la crise de nerfs

Qu’ont en commun Pedro Almodóvar et Peter Lord ? Pas grand chose a priori et pourtant, c’est bien à eux que l’on pense quand on découvre les films de Samuel Orti Marti (dit Sam), l’un des maîtres de la pâte à modeler. Au premier, il emprunte le côté folklorique et au second, la technique. Le Festival Anima qui met l’Espagne à l’honneur, n’allait pas faire l’impasse sur cet ingénieux hidalgo de l’animation ibérique.

Au programme de la carte blanche, des films d’une insolence savoureuse, n’hésitant pas à flirter avec le trash du cinéma de série B. Les héroïnes de prédilection se prénomment Encarna ou Vincenta, des ménagères de moins de 50 ans, condamnées aux tâches domestiques qui peuvent se révéler très dangereuses quand leur coupe commence à déborder. Pittoresques et hautes en couleur, les histoires sont bien ancrées dans la culture espagnole. Sam en parsème les clichés dans tous ses récits. Ce peut être un accent savoureux dans « The Werepig », quelques notes de piano accompagnant le mari en costume de Torero dans « Encarna » ou un comportement bien machiste dans « Vicenta ». Car Sam aime mettre en scène l’Espagne profonde, celle des hommes qui aiment la Corrida et qui se méfient des banquiers et celle des femmes qui regardent des feuilletons à l’eau de rose tout en repassant le linge de la famille et en jetant un œil furtif à la mère alitée dans la pièce à côté. C’est la vieille génération qu’il croque avec un humour coquin et parfois cru mais derrière lequel on sent une infinie tendresse. Bienvenue en Hispanie !

Encarna

Encarna est une femme au foyer tout ce qui a de plus normal. Sa seule véritable envie est de pouvoir regarder le dernier épisode de sa série préférée « Une femme de courage ». Seulement, elle est sans cesse dérangée par sa mère qui la réclame toutes les cinq minutes, par le plombier qui répète que son intervention ne sera pas gratuite et par sa sœur, persuadée qu’elle ne s’occupe pas bien de leur génitrice. Et lorsqu’elle découvre la liaison extraconjugale qu’entretient son mari avec la voisine anglaise, la télévision se coupe pour des raisons de factures impayées. La goutte d’eau fait déborder le vase bien plein d’Encarna. Le facteur vient justement de livrer une caisse remplie d’armes à feu pour son fils. Mitraillettes et grenades font la joie de cette mère désespérée, ce Rambo en jupon tire alors sur tout ce qui bouge. Sa jungle à elle, c’est son appartement et ses ennemis, sa famille. Une crise de nerfs délicieusement mis en scène où la pâte à modeler se déploie, se forme et se déforme sous les tirs exutoires de la ménagère. « Encarna » tout comme le film suivant« El ataque de los kriters asesinos » où notre Desperate Housewife se retrouve à combattre des boules de poussière carnivores, développe un univers jouissif.

The Werepig

On connaissait la légende du loup-garou, les nuits de pleine lune, mais moins celle de l’homme qui se transforme en cochon. C’est chose faite grâce à un Sam toujours aussi déjanté. Les nouvelles du journal annoncent (technique scénaristique récurrente dans ses animations) l’arrivée d’une horde de touristes venue visiter l’Espagne. Du troupeau on ne verra qu’une paire de jeunes Américains, assis à l’arrière d’un bus les menant à Levante, en Galice. Naturellement, les deux garçons, seuls étrangers dans ce transport local, se nourrissent de chips, d’hamburgers, de chocolat et font du bruit pour quatre. N’en pouvant plus, un prêtre décide de les faire descendre avec toute la délicatesse que l’énervement peut conférer à une personne pieuse. Nos Américains se retrouvent perdus au beau milieu d’un désert où il fait mourant. C’est alors qu’au loin, ils aperçoivent un Eden, une petite fermette au charme fou, habitée par un couple de vieilles personnes à qui l’on donnerait le Bon Dieu sans confession. Mais ne l’oublions pas, dans l’univers de l’Espagnol, point de gentillesse sincère et gratuite. En offrant l’asile aux étrangers, les septuagénaires doivent forcément cacher quelque chose: un amour immodéré pour la cochonnaille par exemple, au point de transformer nos touristes inoffensifs en porcelets bien appétissants.

Vicenta

Avec « Vicenta », sélectionné à Clermont-Ferrand l’an dernier, nous retrouvons la fameuse ménagère de moins de 50 ans, mariée à un vieux bougon macho et radin. Tout pour plaire, cet individu rêve d’approfondir une relation intime avec la charmante voisine, ex-braqueuse de banques. C’est que l’homme aurait gagné à la loterie 20 ans auparavant et qu’il garderait l’argent chez lui dans l’ignorance de sa femme. « Ce que tu ignores ne te fera aucun mal », s’avise-t-il de lui répondre quand elle émet le souhait de connaître la cachette du magot. Après tout, n’est-ce pas sa mère à elle qui a acheté le billet gagnant ? Mais quand l’horrible mari meurt sans mot dire, c’est sans compter sur l’ingéniosité de la récente veuve qui fera tout (même l’impossible) pour récupérer ce qui lui appartient. Avec ses incursions réussies dans le film noir et la science-fiction, « Vicenta » est un clin d’œil à l’œuvre de Sam en général, reprenant des décors utilisés dans d’autres films. Ainsi, peut-on apercevoir le bus qui transportait nos deux lascars mal élevés de « The Werepig » ou encore la scène de résurrection forcée est directement reprise de « Frankenstien » et l’assistant du Docteur dans ce dernier film se retrouve être le neveu demeuré de Vicenta. Un monde à découvrir absolument.

Marie Bergeret

Consultez les fiches techniques de « The Werepig », « Encarna » et « Vicenta »

D comme La Dama y la muerte

Fiche technique

Synopsis : Une vieille femme vit seule dans sa ferme en attendant que la Mort l’amène auprès de son défunt mari. Une nuit pendant le sommeil, la Mort l’invite à la rejoindre. Alors qu’elle est sur le point de revoir son mari, la vieille femme se réveille dans la salle d’urgence d’un hôpital.

Genre : Animation

Durée : 8′

Pays : Espagne

Année : 2009

Réalisation : Javier Recio Gracia

Scénario : Javier Recio Gracia

Animation :

Montage : Claudio Hernández

Son : Miguel Angel Pérez

Musique : Sergio de la Puente

Production : Kandor Graphics

Article associé : le reportage Cortos de España

B comme Birdboy

Fiche technique

Synopsis : Une terrible catastrophe industrielle va bouleverser la vie de la petite Dinki à jamais.

Genre : Animation

Durée : 13 min

Pays : Espagne

Année : 2010

Réalisation : Alberto Vázquez et Pedro Rivero

Scénario : Alberto Vázquez

Image : Alberto Vázquez

Animation : Postoma Studio

Montage : Iván Miñambres

Son : Cinemar Films

Musique : Suso Sáiz

Voix : Ana Lemos, Tacho González, Antón Rubal, Xermana Carballido,

Production : Abrakam Estudio

Article associé : le reportage Cortos de España

B comme Les Bessones del carrer de Ponent

Fiche technique

Synopsis : Pommades, élixirs et potions. Enriqueta et Ramoneta vous serviront avec discrétion, réserve et éducation, rue de Ponent, numéro 17A , Barcelone.

Genre : Animation

Durée : 13′

Pays : Espagne

Année : 2010

Réalisation : Marc Riba et Ana Solanas

Scénario : Marc Riba et Ana Solanas

Image : Anna Molins

Animation : Núria Riba

Montage : Sergi Martí

Musique : Maria Coma

Chanson : Natàlia Miró do Nascimento

Production : I+ G Stop Motion

Article associé : le reportage Cortos de España

C comme La Cosa de la esquina

Fiche technique

Synopsis : Oh mon dieu, il y a une chose noire horrible et dégoûtante dans le coin … mais est-ce bien vrai que tu ne la vois pas ?

Genre : Animation

Durée : 10′

Pays : Espagne

Année : 2011

Réalisation : Zoe Berriatúa

Scénario : Zoe Berriatúa

Animation : Zoe Berriatúa

Montage : Zoe Berriatúa

Son : Ramón Rico

Musique : Fritz Kreysler

Voix : Pablo Turégano, Manuel de Blas, Africa Luca de Tena, 
David Iglesias, Alexandra Piñeiro

Production : La bestia produce

Article associé : le reportage Cortos de España